环艺视觉心理论文题目
环境艺术设计专业的 毕业 设计是该专业学生毕业之前最重要的课程，而影响毕业设计的一个因素就是论文题目，题目起着至关重要的作用。下文是我为大家整理的关于环境艺术设计专业的毕业论文题目的内容，欢迎大家阅读参考! 环境艺术设计专业的毕业论文题目(一) 1. 明清吉祥纹样在茶室空间设计中的应用 2. 屏风隔断艺术在现代室内空间中的应用 3. 餐饮空间设计中人性化设计的应用与发展 4. 地域 文化 在室内设计领域中的应用 5. 论室内空间设计中的过渡空间设计 方法 6. 论屏风设计元素在现代办公空间中的运用 7. 论橱窗设计手法与意境营造 8. 从视觉角度分析室内装饰材料的表现与应用 9. 现代办公空间的人性化设计 10. 点、线、面在住宅空间设计中的运用 11. 中式风格酒店设计中的配饰设计 12. 论展示设计中地域特色形式的表达 13. 现代休闲娱乐空间室内光环境的人性化设计 14. 论行为心理元素影响下的酒店接待空间设计 15. 论网络时代的办公空间设计 16. 论商业橱窗设计中的动态展示方法 17. 论中国装饰元素在室内设计中的应用 18. 论自然采光与人工照明在室内设计中的合理运用 19. 论现代室内设计中的流动空间设计 环境艺术设计专业的毕业论文题目(二) 1. 论欧式新古典风格室内软装饰设计的应用 2. 论审美构成元素与室内空间设计 3. 论可持续装饰材料在室内空间设计中应用 4. 论 布艺 软装在家居设计中的运用 5. 论 DIY 手工艺术品在现代室内装饰中的应用 6. 唐代装饰纹样在现代室内设计中的应用 7. 论新中式家居中传统装饰元素的运用 8. 论装饰陶瓷艺术品在室内设计中的应用与发展 9. 论肌理设计元素在室内设计中的应用 10. 论室内公共空间中装置艺术品的运用 11. 住宅空间中的卫浴空间设计 12. 论KTV室内空间的设计方法与实践应用 13. 论办公空间设计中情感设计元素的表达与应用 14. 论室内空间设计的文化功效与设计意识 15. 传统民居室内装饰与陈设艺术研究 16. 论LOFT文化元素在展示空间设计中的应用 17. 壁画在公共环境中的研究与运用 18. 论室内设计中的绿色设计理念 19. 论当代都市夜店娱乐空间设计元素的运用 20. 论中国传统室内设计元素与现代简约设计的融合 环境艺术设计专业的毕业论文题目(三) 1. 论室内空间设计中的人性智能化与生态化的交互 2. 论低碳时代经济型酒店室内设计要素 3. 论展示设计中的情感化设计 4. 论室内空间形态设计的分析与应用 5. 商业空间室内设计中的可变性设计 6. 论会所类餐饮空间设计中意境的表现 7. 论后现代设计思想对商业空间设计的影响 8. 论品牌专卖店展示空间的设计特征 9. 论企业形象设计元素与办公空间设计的融合 10. 论酒店空间设计中的动态化设计元素 11. 度假酒店设计中的公共空间设计 12. 论餐饮空间设计中的情景式设计方法 13. 度假酒店室内空间的地域性特色塑造 14. 论商业展示空间设计中品牌形象塑造 15. 论当代商务酒店设计中空间尺度表现与运用 16. 论现代室内设计中软装饰的发展和运用 17. 论中国 传统文化 下室内空间的装置艺术设计 18. 论绿色设计理念在室内设计中的应用 19. 论纤维艺术材料美在建筑空间中的表现 20. 陶瓷壁画在建筑室内设计中的应用 猜你喜欢： 1. 艺术毕业论文题目大全 2. 环境艺术设计专业毕业论文 3. 有关环境艺术设计专业论文 4. 艺术设计类毕业论文题目 5. 环境艺术设计专业的毕业论文 6. 环境艺术设计毕业论文
环艺毕业设计选题模板
选好论文题目是成功的一半。所以,开始写论文前,最好就先选题目。以下是我整理的环艺毕业设计选题模板，希望你看完之后，有所感悟。
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24、浅谈玻璃在家装中的使用
25、小议样板间的家具设计
26、浅析展示设计中色彩的运用
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28、人造石材在未来绿色设计中的应用
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30、试论马赛克在室内设计中的运用
31、黄金比例在室内设计中的应用
32、浅析陈设艺术在室内中的应用
33、现代家居设计中的色彩搭配及对人的`影响
34、墙体装饰与室内外设计的关系
35、浅论施工工艺在室内设计中的应用
36、浅谈明清家具在混搭装修风格中运用
37、色彩在中国现代雕塑中运用的研究
38、空间错觉的形成与立体造型的关系
39、论天花造型对空间效果的影响
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49、浅谈家居装修中的人性化设计
50、浅析家居设计中空间的形式
51、浅谈酒店照明设计
52、木材在室内装修的应用
53、室内概念空间分割
54、浅谈室内设计的发展方向
视觉艺术设计论文主题
写点市场前景的比较好吧
当代艺术其实就是要研究特定 文化 背景下的文化现象,而当代艺术本身就是一种需要深究的文化艺术现象。下面是我为大家整理的视觉艺术研究论文，供大家参考。
【摘要】符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。
【关键词】视觉艺术;符号;转换;再生
著名符号学家安伯托?艾柯(Umberto Eco)说:“人是符号(sign)的动物。”1人类籍由符号来表达内心世界,传递信息。将日常所思通过一定的语言形式,包括声音、视觉、肢体行为将一个整合的概念传达给对方。符号学(Semiotics)是一种关于符号和运用符号,包括观看符号的理论。符号学并不是一种历史性的学科,而是一种阐释性的学科,但它能够在历史的探索中被加以有效地整合。符号学集中关注构成和表征的问题,将“文本”看作是产生意义的符号的特定合成。这是一种不带霸权和强制要求的有限度的视角。2
艺术的起源不论从模仿说、巫术说、劳动说的角度出发我们都可以看作是人类符号化的开始。原始人用肢体捕捉动物的动作,用声音模仿动物的鸣叫,用矿物质将动物的形态描绘在崖壁上,手舞足蹈用简单的语言交流,于是就有了最初的舞蹈符号、音乐符号、美术符号、语言符号。随着社会分工的日益复杂化,人类社会不断进步与发展,符号内容也就变得越来越复杂化、微妙化,同时也在自然科学、人文科学和社会科学各个不同的领域得到了广泛深入的运用。
视觉艺术作为一门研究经由肉眼产生联想的人文科学,符号学(semiotics)在其中主要涉及到将人们在视觉感官和心理体验上感知到的对象以点、线、面、体、光、色的方式进行拟造、组合加以运用,然后再在对象视觉中通过转换再生的思维过程。在广义上,我们可以将艺术作品中的象征图象,以及艺术作品本身都理解为符号。作为一套工具,符号学提供一系列我发现可以深入细致分析艺术作品的有用思想和观念。当这些思想和观念可能由心理分析、叙述和修饰理论引发产生时,它们就产生与传统艺术史并不发生矛盾的洞察力。事实上,这些思想和观念常常能够使学生在运用主体间的可使用的 方法 上更为精确,并使阐释更具有系统性。3
一、视觉艺术符号的分类
在符号与其所指涉的对象(即其指向与涉及的事物和领域)的关联上,目前在符号理论研究领域普遍认为可以将符号区分出以下三种不同的类型,同时也是符号的三个层次:4
1、图象符号(ICON):图象符号是通过模拟图形与对象之间的相似而构成的,图象符号是一个直接感知的过程,在图象学中属于写实的范畴。如肖像画、照片等,当我们面对这样的作品的时候通常都能够得到比较直观的感受,比如说“画面上有什么内容。”
2、指示符号(INDEX):指示符号与所指涉的对象之间具有的因果或是时空上的关联。如“指示牌、路标”。从广泛的角度来说,设计艺术中的视觉流程法则也属于指示性符号的范畴,由于生理的特点,眼睛在浏览的时候会表现出一种时间性、方向性与选择性,也就是说视线会沿着画面重心,即最佳视域,向某一个方向有选择性的移动,体现出视觉的流动性特征。
3、象征符号(SYMBOL):象征符号与所指涉对象之间无必然的或是内在的联系,通常是指约定束成的结果,它所指涉的对象以及有关意义的获得,是由长时间多个人的感受所产生的联想集合而来。同时符号的象征性也是是符号学里最深层次的特性,是符号产生与对象思维过程中相关内涵的延伸以及联想。比如线条的曲折、色彩的冷暖、材质的软硬都会给人以相应的情感体验。
二、视觉艺术符号的理解
人类的意识过程,其实是一个将世界符号化的过程,思维无非是对符号的一种挑选、组合、转换、再生的操作过程。因此可以说,人是用符号来思维的,符号是思维的主体。那么我们又如何从符号学的视角和运用符号学的工具去解读图像,符号如何能够使我们从我们已经认知的事物中疏离出来,以便理解某些新的事物?在这里,我想就当代油画家张小刚的作品《男青年》按照符号学的原理进行分析。
张晓刚《男青年》布面油画
1、生成图象意识
要对视觉符号进行阐释有时候是一个非常复杂的过程,需要结合上心理学的以及历史学的概念进行理解。
当我们在欣赏一件视觉艺术作品时,我们首先会在思维中形成一个表象,即作品中有什么内容,是具象符号还是抽象的符号。如,当我们在接触到当代油画家张小刚的作品《男青年》时,首先意识到的是一个男青年,带着眼镜,脸上一块红色的疤,灰蓝色的调子,一块红色的疤痕这些图象性的符号。 2、探询图象的象征性意义
得到以上信息后我们接下来会想知道隐藏在艺术家(即符号创作者)创作意图中的“更深层次的”,或派生出的意义。如果我们说一件作品具有一种更深层的意义,我们通常指的是作品传达了一种我们在最初观察中还无法确定的潜在的观念,以即是符号的象征意义。当然需要找到艺术家的意图我们必须对艺术家本人以及他所处的时代背景有一个基本了解。
我们现在就来试着探询阐释艺术家想要传达的观念信息。我们知道张小刚出生在上个世纪50年代末期,他经历了新中国成立后最动荡的历史时期,特别是“”在他们那个年代的人身上都产生了深远的影响。
那么现在我们回到画面(符号)本身,留着小平头的男青年,干净白皙的肌肤,一幅标准文弱书生的派头。我们知道眼镜是有知识、有文化的人的象征,中山装是那个年代的通用着装。灰兰色的背景衬托阴郁、孤独与冷漠的气氛。面颊上被生生揭开的一块,形状如肩章的伤疤显得尤其冷艳。结合上面的分析,我们也可以将它理解为那个热情火红时代的鲜红烙印。目光被吸引到左下角,略显呆滞,嘴唇微启似在观看一个什么令人震惊的场面,又面无表情,一种孤寂、压抑的情感得到充分的表现。所有的一切符号都在追忆一个时代的伤痕主题,这除了是一种回忆,同时也折射了现实社会人与人之间的冷漠。
视觉艺术符号的创作者在产生一个理念之后,综合自己对象征性符号的理解把握,选择合适恰当的视觉手段,将理念传达出来。然后接收对象即观众再通过自己对象征语言的掌握与理解,把接收到的视觉信息在思维中转换再生。(下转第99页)(上接第98页)当然,鉴于个体情感特质、生活 经验 、知识结构的差异,一件作品最终还原到观众思维中的形态是各有不同的,所以有了“一千个读者便有一千个哈姆雷特”之说。当一个人看见一幅绘画,表现的是关于一只果盘的荷兰静物画时,这个图像在其他的事物中)就是关于某种别的事物一个符号,或表征。观看者在她或他的脑海中形成有关该事物的一个意象,她或他就会把这个意象与该事物联系起来。心理的意象,而不是形成这个意象的个人,就是解释符。这个解释符指向一个客体。该客体对每一个观看者来说是不同的:对一个人来说它可以是真实的水果,而对另一个人来说也可以是别的静物画,对第三个人来说可以是一笔巨款,而对第四个人来说也可以是“17世纪的荷兰”,等等。而该绘画所表现的客体因此基本上是主观的和由接受者决定的。
视觉艺术本身就是关于符号的表达方式,创作者借由它向观者传达自身的思维过程与结论,达到叙述的目的;换言之,观者也正是通过创作者的作品,与自身经验加以印证,最终了解创作者所希望表达的思想感情。显而易见,作为中间媒体的视觉艺术作品,这时就充当着创作者思想感情符号,而这个符号所需表达的信息是否可以被观者准确的、快速的、有效的接受与认知,就成了创作作品成功与否的标志。这正是由创作者在创作的思维过程中对符号的挑选、组合、转换、再生把握的准确有效程度所决定的。
参考文献
[1]李幼燕著《理论符号学导论》,社会科学文献出版社,1999年6月版。
[2]米克·巴尔:《观看符号/解读绘画——运用符号学理解视觉艺术》载于《世界美术》2007年第1期。
[3]巴尔·布列逊:《符号学与艺术史》1991年。
[4]常宁生《艺术史的图象学方法及其运用》载于《世界美术》2004年第一期。
内容摘要：一部视觉艺术史的发展史也就是色彩的发展史。从上古的色彩崇拜到古典时期的色彩模仿，从浪漫主义时期对色彩的解放到印象主义对光和色的迷恋，在艺术史上，每一次对色彩的再认识和再阐释，总会引起视觉艺术的巨大变革，从而产生新的视觉艺术现象和理论话语。
关 键 词：色彩随类赋彩固有色民间色彩光印象
所谓色彩，在普遍意义上讲是人对色彩的感觉。对色彩的 爱好 和对色彩的选择，具有极大的主观性，所以不应把某种色彩标准绝对化，应承认多样的和发展着的色彩标准，从不断变动的色彩观中认识它们各自的特点，研究它们各自的异同之处，把握它们的内在联系，从而在色彩世界中达到“万物皆备于我”，而不是被束缚在一个狭隘的范围之内。偏爱是容许的，但偏执和偏见却无益于艺术的发展。
固有色——永恒美丽的理想色彩
太古之民把色彩作为一种手段，其目的在于将描画对象从背景中显现出来，即从空间背景中分离出物象，所以他们只认识红和黑，因为红色最引人注目，黑色与亮底色对比最大，因而在他们看来红是美的，黑也是美的，所以红黑搭配是美的。诉诸于艺术表现，他们将自然的一切色彩通归结为红与黑。河姆渡新石器时代的木器即以红、黑为装饰;世界各地的彩陶以红、黑为装饰;原始的洞窟壁画大都采用红黑二色……对黑红配置的喜好沿袭至今，这在一些民族的服饰中表现尤为典型，中国的藏族服装、彝族服装等都以红色为主色。
人在实践中丰富了感觉，增加了对外在事物的认识，并且在早期艺术活动中抓住物象永恒的、持久的固有色，寻求它们在空间的恰当联系。这样，人们发现了色彩的静态美，这样便有了对色彩永恒价值的追求，有了固有色的理念。
艺术离不开模仿，德谟克利特和亚里士多德都认为，艺术的力量就是模仿。达·芬奇甚至说：“……假如你在用自己的艺术模仿自然界所产生的形式的全部特质时不是一个万能大师，那么你就不能成为一个好画家。”固有色的色彩观正是产生于对自然的永恒和凝固的色彩美的模仿。
固有色观念曾长期主导美术创作，在西方，文艺复兴的作品最具代表性。在中国可以举出唐代人物、宋代花鸟和许多杰出的民间艺术作品。他们在固有色的表现和色块空间安排上都达到了极高的成就。运用固有色的经验可概括为以下几个方面：
一、色彩配伍。例如文艺复兴大师常采用的玫瑰红、天蓝、银灰，中国民间艺术常采用的朱红、群青、大红、石绿、金黄，这些色彩配伍具有对立统一的美。
二、色彩衔接。中国民间口诀有“工间绿，花簇簇;青问紫，不如死”等等。固有色的不同衔接方式会形成千变万化的色彩观感。
三、纯度对比。这种对比是调整色彩间相对关系的重要手段，其强弱得体，宾主分明，达到色彩在空间中的力度平衡。
四、明度对比。在二维平面上制造三维效果，所用手段就是明暗对比，精到独特的明暗对比不仅使图像具有立体感，还使画面具有了厚重感。
五、面积对比。面积对比更使色彩在体量上有轻重之变，在空间上有互补之美，从而产生鲜明的色彩节奏。
从远古起，艺术的移情说就伴随着模仿说，固有色为模仿自然来服务的同时，也还有浪漫主义的表现一路，他们不以模仿为补色目的，却以“画画无正经好看就中”为旨归。他们抽出固有色的单纯性、凝固性，以固有色的空间平衡为手段，驱便于工作色彩率意为之，以求理想的色彩效果，如苗族 刺绣 、民间剪纸、蔚县剪纸、绵竹门神就是以固有色观念而作浪漫派处理的色彩典范。
光印象——瞬息即逝的自然色彩
光学发现了色的物理本性，揭露了色与光的内在联系及色光的分解与混合现象;生理学发现了人类的色觉的本质，从而得以了解色衰与补色的关系，全色要求的基础。这些发现给艺术色彩学以伟大启发，由此而产生了印象派色彩观。于是画家用色追寻光，追寻光的颤动、光的流逝、光的迷离恍惚，从固有色的永恒和凝固中走出来，走向空间和时间的流动，得到的是瞬息即逝的光印象。
可以说，印象主义的色彩观和色彩技法，既是光学成就的产物，也是西方艺术传统的产物。只是这些传统到了印象派画家那里更系统化、理论化了，并且以此确立了它在艺术史中的地位。印象主义认为色即是光，因此：
一、凡视觉可感受的物象都是光照射的结果，凡有光必有色，物的色决定于光源色、环境色(反射色)和色彩间的对比。即色彩随光源和环境而变，并且在画面上是相对而存在的。
二、以日光光谱色代替古典的调色板。
三、追求光谱的金色效果，并往往引用光谱的色彩组合。
四、补色关系对于印象主义画家是不可或缺的手段。例如在大自然中日光与天穹光便是一对天然补色。
五、以光的混合代替颜料混合，因而采取色彩细碎分割和并置的手法，使色彩更加“响亮”。
六、在色彩并置时常施以明度相近的，非准确的冷暖并置。这就是同时对比的手法。此时相同的色各自将对方推向自己的补色，以增强双方的色价，同时各自失去稳定性，而获得光的颤动性，呈现一种有生气的活力，于是达到色的非物质化，成为颤动的光。歌德曾经说过：“同时对比决定了色彩美学的实用价值。”
印象主义使色从其所联结的物体中解放出来，排除物的固有色，由此绘画进入一个新的境界。印象派是光的崇拜者，光的虔诚宣教者，他们开启了一个灿烂的世界，但是他们追随光的同时却失去了艺术曾经具有的精神力量和阐明世界的象征内容而停留于事物的物质表层。
表现色——回到主观的现代色彩
实践表明，获得光的华丽外衣，是以牺牲质的内在精神为代价的，这个矛盾在技巧上直接表现为 素描 与色彩的矛盾，当表现特别需要素描的时候，色光的变幻不能不退居次要地位。古典主义，新古典主义，拉斐尔前派便是这样;当表现特别注重色光的时候，素描不得不退居次要地位，印象派便是如此。毕萨罗教导青 年画 家勒贝尔说：“多注意形体的色彩，而不要太看重于素描刻划，太准确的素描索然无味，而且不能给人以整体印象……”这正是印象主义者在素描和色彩之间的取舍。
雷诺阿在他的印象主义实验取得非凡成功的同时感到印象主义的危机，于是游意大利向前辈大师学习，他拜倒于拉斐尔画前，并高度赞赏安格尔油画的单纯宏伟。他研究了拉斐尔之后终于感到自己忽略了素描，从意大利归来后，他致力于牺牲色彩以使形体单纯化，加强素描，回到古典的作画方法，取消画面偶然的光，于是他开始了自己的“古典时期”。他的作品“伞”和他在那不勒斯所画的裸女就是开始回归古典和固有色观的记录。
印象派之后诸家正是看到了印象主义色彩观局限于表面的光色变化而忽略其不变的内部结构，所以他们走上了与印象主义相反的道路。首先是塞尚，这位现代艺术的开山者力排事物的闪动模糊的外表，致力于表达所谓不变的真实和内在的结构。就色彩而论，塞尚不同于印象主义的是使之色彩秩序化，经过组织，使色彩变得更规则，更简练，但更强烈，因此更具有安定感、明晰感，从而达成视觉形象的非同寻常的强度。他的艺术观和他的艺术实践深刻地影响了其后的画家，如马蒂斯由塞尚得到启发，抛弃印象派画家的“魅力、光亮和明快”，追求绘画的“稳固性”，认为在一切构成画面的色彩中必须建立一个平衡，因此表面的感觉必须加以提炼，正是提炼了的感觉构成画面。康定斯基说：“内在因素，即感情必须存在，否则艺术作品便是赝品。内在因素决定画面的形式。”毕加索概括说：“我不是模仿自然，而是面临自然——并且利用自然。”塞尚之后诸家竞相与印象主义的客观主义反其道而行之，强调主观意志的作用，因此着意于形式美、抽象美的追求，走向表现主观。在色彩上自然同时从客观色彩走向主观色彩了。
但是现代主义是接过印象主义的手中武器而走向其对立面的，印象主义发现了自然的色彩，现代主义将这些发现秩序化、凝固化、强力化。或者说印象主义捕捉感性的色彩，现代主义挖掘理性的色彩，现代艺术将色彩的主观性及其精神价值提到了前所未有的地位，并且完善于主观的个人感情与客观的色彩规律之结合。
参考文献：
[1]《意大利艺苑名人传》 ，(意大利)乔尔乔·瓦萨里著，刘耀春译 ， 湖北美术出版社 ，2003年版
[2]《现代美学体系》，叶朗 主编，北京大学出版社，1988年版
[3]《楚艺术史》，皮道坚 著 ， 湖北 教育 出版社，1995年版
[4]《境外谈美》，陈望衡 著， 花山文艺出版社， 2003年版
[5]《楚史》，张正明 著， 湖北教育出版社，1995年版
[6]《诗学》，亚里士多德 著，人民文学出版社，1982年版
[7]《古画品录》，谢赫 著，迪志文化出版有限公司，2001年版
[8]《意大利文艺复兴美术》， 徐庆平 著， 中国人民大学出版社，2004年版
[9]《印象主义》，马凤林 著，湖北美术出版社，2005年版
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92.中国传统家具元素在视觉传达设计中的应用探析
93.视觉传达设计对地方经济发展的实效性研究
94.当代视觉传达设计中的适老性问题研究
95.黑暗中颜色刺激作用的视觉传达分析研究
96.视觉传达设计的交互动画特效制作手法探析
97.学习类网页设计中视觉传达理论的应用研究
98.字体创意设计是加深视觉传达记忆的根蒂
99.对中国甲骨文文字符号视觉传达的属性研究
100.广告视觉传达设计艺术在信息网络时代的传播研究
101.中国禅道文化中的神、意、形、色在视觉传达设计中的应用研究
102.视觉传达设计中的多媒体艺术表现形式分析
103.公共艺术形态下的视觉传达设计研究
104.浅谈数字图像时代视觉传达设计的几个要素
105.浅析视觉传达设计的情感效应
106.如何做到视觉传达艺术设计的与时俱进
107.试论传播学在视觉传达设计中的应用
108.隐喻图形在视觉传达设计中的应用研究
109.视觉传达设计中视觉思维模式的创新
Graphic在视觉传达中的应用研究
111.数字媒体时代视觉传达设计的特征与发展
112.当代视觉传达下汉字图形化设汁的形、意研究
113.网络媒体的视觉艺术传达设计研究
114.数字时代视觉传达设计的新思维探讨
115.中国传统元素在视觉传达设计中的应用
116.浅析视觉传达在室内设计中的应用
117.“新古琴双行谱”中的视觉传达设计
118.视觉传达图形创意在服装设计中的应用
119.从视觉传达的角度对新媒体时代地产广告的探究
120.分析创新设计理念在视觉传达艺术设计中的具体实施
121.视觉传达设计专业的基础课程改革探索
拓展：测绘工程论文题目
1、改善GIS数字底图的质量
2、教学实习在土地资源管理专业中的应用
3、数字化土地利用现状调查的数据采编
4、数字化地形测量的几个问题探讨
5、数字化地籍测量在城镇地籍调查中的应用探讨
6、数字化成图几种作业模式的分析比较
7、数字化测图与地籍信息系统研究
8、数字化测图在地籍补测中的两种应用技巧
9、数字化测图技术在郑州高新区房地产测量中的应用
10、数字化测图教学方法探讨
11、数字化测绘技术在地籍图测绘中的应用与建议
12、数字化测绘技术在地籍测量中的应用与实施
13、数字化测绘技术在地籍测量中的应用初探
14、数字化测绘技术在城镇地籍测量中的应用
15、数字化测绘技术在源影寺古砖塔测绘中的应用
16、数字图像边缘检测方法的探讨
17、数字土地利用现状图的制图概括
18、数字土地利用现状图的制图综合
19、数字地图系统设计
20、数字地形图测绘中的几个问题探析
21、数字地籍测绘实施中的技术问题
22、数字地籍测量中GPS控制网的建立
23、数字地籍测量主要误差来源探讨
24、数字地籍测量作业探讨
25、数字地籍测量应用分析
26、数字地籍测量控制网的建立及精度分析
27、数字地籍测量有关作业流程及精度控制的探讨
28、数字地籍测量精度的讨论及控制方法
29、数字平顶山空间数据基础设施建设的初步研究
30、数字摄影测量生产的质量控制
31、数字水准仪SPRINTERM的试验与评述
32、数字水准仪及其在机场跑道板块高程测量中的应用
33、数字水准仪及水准尺的'检定与精度分析
34、数字水准仪的测量算法概述
35、数字水准仪自动读数方法研究
36、数字水准仪观测模式及其应用实践
37、数字水准测量外业数据格式的转换与统一的实践
38、数字水果湖水下地形和淤泥厚度测量
39、数字测图中的坐标变换方法
40、数字测图中设站错误的内业改正
41、数字测图技术在罗营口水电站坝址地形测量中的应用
42、数字测绘产品的质量检查与质量控
43、数字综合法用于平坦地区地形图修测
44、数字高程模型与等高线质量相关性研究
45、数字高程模型及其数据结构
46、数字高程模型在农地整理排水渠道规划设计中的应用
47、数字高程模型地形描述精度的研究
48、数字高程模型的生产及更新
49、数字高程模型的裁剪与拼接技术
50、数学形态学在遥感图像处理中的应用
51、数据化测量在河道治理工程中的应用
52、数码相机可量测化的研制
53、斜拉桥变形观测方法及精度分析
54、斜距法在工程中的应用
55、断面测量内外业一体化系统研究
56、断高法在高等级公路测设中的应用
57、新州公路平面控制测量问题研究与施测
58、方位交会法在城区测量中的应用
59、方向交会法坐标计算之初探——待定点坐标的计算
60、方向后交最佳点位分析
61、施工测量中快速设站方法
62、无像控基础地理空间数据更新方法
63、无反射棱镜全站仪测距性能测试
64、无反射镜测距的目标特性研究
65、无定向导线环在城市地籍测量中的应用
66、无控制DEM表面差异探测研究
67、既有铁路航测数字化测图的特点与质量控制
68、时态地籍数据库设计与宗地历史查询的实现方法
69、明暗等高线自动绘制方法
70、智能全站仪ATR实测三维精度分析
71、智能全站仪快速测量处理系统
72、曲线拟合高程在公路测量中的应用研究
73、曲线放样中的坐标转换及转换精度分析
74、曲线矢量数据压缩算法实现及评析
75、最小二乘平差理论在制图自动综合中的应用
76、最小二乘法在土地复垦场平整中的应用
77、最小二乘法对多周期函数的周期筛选优化
78、有关地籍调查的几个问题探讨
79、有限条件下坐标转换矩阵的确定与精化
80、有非对称缓和曲线的曲线主点测设方法
81、服务城市化的测绘工程专业培养计划探讨
82、村庄地籍测量之初探
83、条码信号复原技术在数字水准仪中的应用
84、条码因瓦水准标尺校准方法的探讨
85、极坐标法测设平面位置的精度分析
86、构建城镇地籍管理系统的研究
87、栅格数据矢量化及其存在问题的解决
88、标准化大比例尺数字测图的实践与体会
89、树状河系自动绘制的结构化实现
90、根据三斜距确定点的三维坐标及精度
91、桥梁墩_台的沉降观测和沉降值的预测
92、模拟GPS控制网精度估算方法研究
93、模糊数学在土地利用更新调查质量评定中的应用探讨
94、模糊综合评判及其在测绘中的应用
95、气象因素对全站仪测量的影响
96、水下地形分析中空间数据存储与管理方法的研究
97、水下地形测量误差分析及对策
98、水下地形测量误差来源及处理方法探讨
99、水下地形测量高程异常点剔除方法研究
100、水位改正中虚拟验潮站的快速内插
视觉与艺术论文1500字
这儿有个艺术和技术的教案，你看有用么~就让我们一同走进这个五彩缤纷的光与影的世界——这就是令人着迷的摄影艺术。一、什么是摄影艺术？早在1839年，法国人达盖尔将他的“▲●银版摄影法”公诸于世，标志着▲摄影技术的正式诞生。当时的摄影主要是用来拍摄静物和人像，还谈不上艺术性；我们所说的摄影艺术，是指▲●运用一定的物质材料和技术手段（即照相机、胶卷、暗房工艺等），拍摄出具有审美价值的照片，来反映生活、表达情感的艺术。摄影在我们日常生活中，特别是在部队文化工作的开展中，扮演着重要的角色。好，我们首先来看一下，我们平时常看到的摄影作品有哪几种，通过它们再考察一下摄影相比其他艺术门类的独到之处：二、摄影艺术的种类和特征1、摄影的种类标准的不同会带来不同的分类方法。从▲感光材料上可分为●黑白摄影、彩色摄影两大类。从▲表现方法上看又可分为：●画意摄影（如香港著名画意摄影家郎静山先生）、写实摄影(如美国著名的摄影大师亚当斯先生)、抽象摄影和特技摄影等等。(因为表现方法的不同摄影才分为各种流派。)从▲题材内容上，可分为▲●人物摄影、风景摄影、静物摄影、舞台摄影、体育摄影、新闻摄影等等（这是日常最普遍的分类法）。通过以上这些照片的观察和比较，可以明显看出其不同于其他艺术门类的突出特征。2、摄影艺术的特征我们所拍的每一张照片，都是现实场景的逼真再现，这就是摄影的第一个特征。（1） ▲真实性真实性是摄影艺术最基本的特征。它可以将现实世界的每一个场景即时“留影”，镜头在一定程度上有“镜子”的功能，可将现实世界摄入其中，逼真再现。因此照片可作为流金岁月的“纪念”，重大历史事件的记录,可作为“呈布公堂”的证据，这都源于它本身固有的真实的特性。（●1963年周恩来与邓小平在颐和园 吕厚民）（震区一角 ●1976年唐山 李耀东）虽然摄影艺术中，会有叠放、变形、甚至其它种种“超现实”的特技手法，但照片中的每一个对象都应是真实存在（而非虚构）的。摄影中特别崇尚抓拍，就是为了突出其真实性的特征。我们又注意到，照片所截取的不是生活中的某一个过程，而只是一个瞬间，这就是摄影的第二个特点：（2） ▲瞬间性我们如果想用摄影表现一个“过程”，也只能截取其中具有代表意义的瞬间来完成。这就是摄影与影视、摄像的区别。所以摄影被称为“瞬间的艺术”。艺术中的绘画和雕塑也是表现瞬间的，但它们的瞬间可以是画家根据他对生活的理解而虚构的。摄影的瞬间带有极强的“纪实性”。(●抗洪题材的绘画和摄影的比较)（3）▲科学与艺术的结合一开始，摄影的发明就起源于“●针孔成像”的科学发现。摄影还必须依赖于一定的“器材”，如照相机、胶卷、放大机、冲洗药液等等●。摄影的发展与照相器材的发展相辅相成，紧密联系。用于拍照的照相机，从最初形式的“暗箱”，到简单的●全手动照相机，再到现代全自动电子照相机、数码相机。一百多年的摄影历史是踏着科技进步的节拍器走过来的。摄影是科学与艺术完美结合的典型范例。那么，当我们用越来越先进的照相机拍摄风景、拍摄人像、拍摄生活时，却越来越应该讲究“艺术性”了。看一幅照片的“艺术性”应从些方面入手呢？下面我们说一说：三、摄影艺术欣赏要素艺术是要塑造形象的，摄影也不例外。▲文学是用语言来塑造形象，音乐是用旋律与节奏塑造形象。▲摄影塑造形象用什么呢？是通过构图、用光、影调、色彩等因素而完成。这些就是摄影艺术的造型因素。1、▲造型因素（1）▲构图▲摄影构图是摄影画面的总体布局安排。构图是要把多个摄影对象有机地安排在一幅画面中，构成一定的造型形式。构图的成与败主要看它是否有利于主题思想的表现。要做到着一点，必须▲处理好以下三方面的关系：▲取与舍的关系：美术是“加法”的艺术、摄影则是“减法的艺术”，摄影者随时都要考虑将现实场景中的哪些人与物排除在曲景框之外。▲根据主题的需要取舍的不同会带来不同的效果。●（《阅兵村镜头》之一、之二）前者是通常的构图方法，它主要表现了军人的整齐合一；后者大胆地舍弃的人物的大半部分，而特别突出了刺刀的形象，表现了军人威武不屈，勇往直前的气概，“减法”的运用也使构图比较新颖。我们再来看一幅熟悉的照片：●《课堂上》。这幅被称为“大眼睛女孩”的照片是解海龙《希望工程》系列作品中最著名的作品。作品中孩子的渴求知识的眼神是作者要传达的主旨，所以在构图时，人物的半个脑袋也被“狠心”地裁去，人物的表情却更突出了；此外，作者又利用光影的作用，将次要的东西隐弱在暗影中。由此可见，摄影的构图应该是：▲突出主要的东西，保留次要的东西，剔除无用的东西。摄影构图还要处理好：▲主体与陪体的关系。所谓▲主体，是表达作品主题思想和情感的主要对象，它是构图的中心。▲陪体是画面中衬托主体，与主体构成一定情节，帮助表达主体的内涵和特征的对象。请看作品●《斗争地主》。对▲主体的处理要使之“突出”。突出主体的方法有很多，最直接有效的方法是将主体置于“黄金分割点”上●：如果将一个长方形的画框九等分，这里四个交叉点大约就是黄金分割点。这四条线就是黄金分割线，处于这四个点或四条线上的对象，不仅显得均衡和美观，而且特别吸引观者的视线。对于陪体的处理，只有一句话：▲要有效地衬托主体而又不至于喧宾夺主。请同学们分析一下这两幅照片中的主体和陪体，以及主体和陪体的处置方法。●《国事、家事……》、《五分钟情话》。摄影构图还要处理好▲前景和背景的关系。▲处于主体前面的景物叫前景。举例说明：●《欧江船曲》:在画面上部加一些树枝，使二维照片▲增加了有远有近的空间感，观众的视线很容易顺着前景滑向主体，同时在构图上填补了天空的空白。●《收获时节》前景的设置形成“框式构图”，处在画框中的主体得以突出。●《诀别抗洪烈士》：前景交代了主体人物悲痛的原因。由此可见前景可以起到以下作用：一是▲增加画面的纵深感、空间感。二是突出主体。三是表达与主体有关的内容。▲处于主体后面的景物叫背景。举例：●《威武之师》、《探亲》。▲背景的作用：烘托、深化主题。表达与主题有关的内容。以上是摄影构图的常识。摄影的第二个重要造型因素是用光。（2） 用光我们知道，没有光照明就无法使胶片感光，也谈不上摄影。但是，摄影中的“用光”不仅是指把光作为照明的方式，而更是指用“光”这种造型因素，更完美地表现主体，表达主题。这是常见光的光位图●。摄影中的“光”按照光的投射方向不同分为以下几种：正面光●、侧面光、逆光、顶光、脚光等。。这几种光都有明显的方向性,没有方向性的光叫散射光；阴天时的太阳光就是散射光。这几种用光的方法各有特点。其中最常用的是正面光、侧面光、逆光。(光位图) 下面我们结合实例分析一下这几种光位的造型特点和拍摄方法。▲●正面光：也叫顺光，光的方向和照相机摄轴的方向基本一致。适合表现明亮、纯净、细腻、平滑等情调。（女兵照片）▲●侧光：光的方向和照相机摄轴的方向成90度角。可加强被摄对象本身的质感和立体感。（《中华男儿》等照片）▲●逆光：能清晰地勾勒出物体轮廓，展现被摄物细节，空间感强烈。摄影的其他造型因素还有：（3）▲影调摄影中常说的“影调”一般是指黑白摄影中的黑、白、灰、明暗层次的变化。摄影大师亚当斯曾把自然界所有密度变化分成0—10个等级●，摄影家通过拍照和冲洗两个过程可以比较准确地控制影调等级。摄影很难把自然界中▲从0密度到10密度的十一个等级完全展示常常只是还原了其中一部分密度等级。如果照片整体密度偏重于白和浅灰，深灰和黑的分量少，这样的照片称之为“▲●高调”。如果照片的整体密度偏重于黑和深灰，浅灰和白的成份很少，这样的照片称为“▲●低调”。也就是说，整体密度小叫“高调”照片，整体密度大叫“低调”照片，介于二者之间的成为“▲●中间调”照片。另外如果一张照片灰的成分多，黑白两极成分少，叫做“▲●软调”或“柔调”照片。灰的成分很少，黑白过渡剧烈，很少中间层次，我们称之为“▲●硬调”照片。对于黑白摄影来讲，主要讲究影调，而对于彩色摄影来讲主要讲究色彩：（4）▲色彩不同的色彩给人以不同的感受，如红色给人以暖和、热烈、紧张；蓝色带给人清凉、冷静、平和。摄影家为表达主题的需要，往往为自己的作品确定一个整体统一的色调，即色彩的基调。色彩的基调有▲●冷、▲●暖和中间色之分。以上所讲的是摄影的基本造型因素。在摄影中，善于利用一些技术、技巧，也是成功的关键。（4）▲技术技巧自然和社会是不断流动和变化的，摄影只能从中截取某一时刻的画面呈现于读者，给人以美感。要使画面变得精彩，还要讲究以下拍摄技巧：（5）▲瞬间●《赶鸭回家》。有一次，美国摄影家麦克马洪看到一个男孩赶着几只白鸭子走过一座木桥，乡间的田园情趣吸引了他，于是他顺手拍了几个镜头。冲洗出来一看，发现所拍的照片或多或少都存在一些不足之处。相比之下，只有第三幅比较理想，于是摄影家就选中了这个镜头。这一段胶片给我们一个启示：▲在某一个正在发展和进行着的事件里,最好的镜头（即最佳瞬间）只有一个。把握瞬间就是把握按动快门的最佳时机。生活中有哪些瞬间最值得按下快门呢？让我们结合实例看一看：●《无名小站》。在某个冬天，一个战士的背影，一辆远去的汽车，特别是从残破的车窗玻璃中露出一张孩子的脸……不用任何语言，照片仿佛在讲述一个故事，引发我们的联想。也许每一个观者的想象不能完全一样，但不管怎样，小站惜别的场景深深地打动了我们。瞬间的内涵是靠观众的想象来完成的。▲这种传达了对象间相互关系的“情节瞬间”是值得我们把握的。●《飞车》。这种▲以被拍摄对象姿态为主要表现内容的“动态瞬间”，是值得我们把握第三种瞬间。●《在结婚登记处》。照片反映的是我国刚解放不久，妇女终于可以婚姻自主，这位少数民族的女青年来到结婚登记处办理结婚登记的情景。▲人物既甜蜜又羞涩的神态，非常典型，是这张照片取胜的关键。这种典型的有意义的表情瞬间也是值得我们把握的。要更好地抓住各种瞬间，要依照拍摄者高度的修养，敏捷的思维，细致的观察，以及熟练的技巧、正确的方法和先进的器材。（6）▲角度对于同一被摄体，由于相机拍摄角度的变化，在很大程度上会改变我们的审美感受，所以角度也是我们丰富影像表现力的重要技巧。角度可分为▲●正视角度反视角度 水平角度侧视角度平视角度仰视角度 垂直视角俯视角度很多时候，水平角度和垂直角度相互结合，又可产生更为丰富的角度变化。（7）▲气氛▲所谓气氛是指摄影作品特定环境中所洋溢的情调和气息。它是使摄影作品产生“意境”的重要手段。这种气氛的营造，有时是▲靠事物本身的态势：如万马奔腾、暴雨滂沱、斜阳晚照、静谧幽雅等，（●《驰骋原野》 李晓宁 摄）▲有时又要靠形与色、光与影等视觉元素来表达：如水面的反光形成五彩斑斓的意境（●《戏水》 边疆 摄）；侧光、逆光的拖影造成的深邃、幽远的意境，等等。分析摄影作品的气氛，一是要看它是否抓住了人物形象所表露的真情实感或事物所处的真实状态；二是分析画面所造成的环境与背景是否能够很好地陪衬和烘托主体；三是看光线的运用和拍摄的角度是否得当，是否使人物和环境得到和谐统一。i. 摄影的其它技术技巧▲动感：是指表现运动物体的姿态、速度和力量。主要有两大类：一是用高速快门拍摄的物体运动过程中的最佳瞬间，画面影响清晰●；二是快门速度适当，画面出现虚实结合的动感效果●。前者重要表现动体的姿态，后者主要表现动体的速度。▲●朦胧：有时“虚”比“实”更具有艺术魅力。使影像产生如梦似幻的朦胧效果则更具有表现力。朦胧绝不是焦点不实。它是在正常对焦的情况下，在镜头上加用柔焦镜、魔幻镜，或虚实两次对焦以及在镜头上抹上凡士林等方法完成的。《秋风》这幅作品就是在镜头上抹凡士林油创作的。▲●质感：摄影可以通过特写或近景表现物体细腻的质地：木头表面的纹理、钢铁表面的反光、皮肤表面的汗毛孔，这些都可以在镜头下得以最逼真地表现，从中我们可以清晰地观察出被摄体原始的质料。这就是摄影中对质感的表现。《魂系大海》中钢铁的质感也是一种力量的象征。▲4、表现方法由于摄影家的生活阅历和世界观的不同，会有不同的创作思想，在他们的整个作品中，往往会有不同的创作方法●。如在艺术领域中有现实主义和浪漫主义之分。在摄影中则有许多摄影流派。如：写实摄影、抽象摄影、画意摄影等。不同的流派可能遵从着不同的表现手法●。抽象摄影《马可宾的自画像》是用四重曝光的方法拍摄的。《渔光曲》（陈复礼 摄）则带有浓重的中国画风格●。▲5、主题思想创作的最终目的是摄影家通过审美创造表达自己的主题思想，如果一幅画面没有表达出任何思想倾向或思想感情，那末大约就不能算是一幅艺术作品。苏联评论家瓦尔坦诺夫说过：▲“如果一幅照片只是反映了相机的作用，而没有作者本人的思想感情的活动，那它也是没有什么好看的。我们认为，摄影应当是一种应当是一种艺术创造的形式，这就意味着，照片上不仅可以看到记录的现实生活片断，而且还可以看到摄影者对现实生活的理解。”这种“对现实生活的理解●”就是一幅摄影作品的主题。《稻子和稗子》●：作者借用自然中的两种植物，表达对生活中的两种人的看法：赞扬了脚踏实地、谦虚稳重的人；批评了那些趾高气扬，又腹中空空的人。我们当然还可以通过分析许多优秀的作品，理解摄影家的表现手法和主题思想。希望大家多看作品，多作分析●。
现代平面设计艺术作为视觉传达艺术中的主要组成部分，经历了从工业化社会到信息化社会的转变。而中国的平面设计艺术在观念上、功能上、语意和形式表现上，都备受东西方文化思潮和艺术风格的影响。在现代设计多元化发展的大趋势下，我们发现以往在视觉设计中运用的法则正逐渐被打破，固有的符号现象被解构，人类在跨越世纪的里程中力求找到合理化的视觉空间，中国现代视觉设计的发展形成了新的设计需求。 一、独创性设计需求 视觉设计作为一种艺术活动，同其他艺术活动一样，它的设计与制作过程是一种创造性的劳动。这种创造性劳动往往源于设计者的主观因素（文化底蕴），以绘画艺术为例来说，古往今来，画竹的画家很多，唯郑板桥最富有独创性。其文化底蕴深厚因为他诗、书、画皆工，时人称为“三绝”。他“追求通过绘画传自我之神”。他笔下的竹，乱中求正，密中见疏，或潇洒、或憔悴、或挺拔、或清瘦，千姿百态、各具精神。他把“眼中之竹”独创地画成了“胸中之竹”，“画到神情飘没处，更无真相有真魂”，这真魂就是出自他胸中的独创性。 作为一名有创新意识的设计师，不能一味追求传统或西化，而应努力争取自己的风格。我们看到视觉传达设计师创作独立性变化最根本的原因，就是在个人面对社会需求和创作需求上的转换。视觉设计有很多可能性，完全不必拘泥于一种形式上的表现。在实际设计中视觉设计师很容易从专业形式上去思考，有时会让视野变窄，也会变得盲目。从个人创作时期发展到合作创作时期，大都是因为技术上的不足，以及人生积累缺乏导致；当设计师们在积累了足够的基础后，便又从合作创作时期转换到主控创作时期，这个转换意味着处于这一时期的设计师们已经将他们的目的转为对设计创作的主控性以及设计创作乐趣上的追求。目的性可以作为一个坐标，如同文化有回归和超越的同种动机一样，独立性的变化更多是一种超越。例如佐藤晃一作品的色彩可以说大都具有这一品质，造成分离感和张力，具有戏剧性。在色彩、形体与光三者的关系中寻求平衡，既不完全归入西方古典的光线照射法，也不归入东方传统的几乎抛尽光源，只求色彩与体积的表现法，而是把装饰色彩、变形形体和折中了古典派与印象派的光表现在色渐变手法中融为一体。色渐变的隐隐约约依然清晰肯定的形体、弱化了的明暗和相对强化了的色彩，构成了佐藤晃一作品的基本特征，三者融而合一，自然和谐，独树一帜，开出了一块融合东西方的新天地。 二、国际化与多元化的设计需求 由各种不同民族、不同国家文化设计图像的结合，到进入各国的交流活动，引领了更具融合性的年轻一代。在平面设计领域，图形是其视觉语言，它给人们的感受是共同的，它的最大特点是追求国际视野，使设计具备一流品质。而全球化与多元化的设计需求对图形的创造、思考角度、大众理解等方面提出了合理化的认知观。在全球化的前提下，不同国家和民族的构思和表现在现代平面设计语言的表述上基本是一致的。简练、达意、巧妙、智慧……综观世界现代设计的走势，研究现代社会对平面设计的影响，对保持敏锐的设计思维和使作品与现代世界设计接轨显得尤为重要。 三、地域本土化设计需求 本土化设计所指的是设计师在本土所处的环境下通过思考而逐渐形成的设计思想。地域、思维、生活方式决定了他们的设计风格，本土的文化对其设计形成了一定的影响，所以，设计师所处地域成长决定了他对设计的认知观。设计师若能立足于本土文化来完成平面设计作品，其创作的图像就带有本民族的思想理念及独立的表达能力，从某种程度上我们可以这样理解，本土化设计的“化”字包含了由一种性质或状态转变为另外一种性质或状态的可能性与能动性，本土化设计首先在字面上就传达出其所具有的某种拔擢而出的精神。其实这也可以说就是自我设置一个他者的立场，从这个他者立场或者第三者立场再来反观我们自身文化中由来已久的某些思维特征和事物特征，我们的态度就会愈加的客观，思想也会愈加的辩证明晰。
大理巍山甲马艺术与现代视觉艺术的融合论文
在日常学习和工作生活中，大家都接触过论文吧，论文写作的过程是人们获得直接经验的过程。写论文的注意事项有许多，你确定会写吗？下面是我收集整理的大理巍山甲马艺术与现代视觉艺术的融合论文，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。
摘要：
巍山因特殊的生存环境和悠久的历史，成为一个多民族多文化的聚集地。而“甲马”是一种民间木刻版画，传入巍山后的甲马形式多样，种类繁多，在构图上简洁粗放，线条错综复杂又协调统一，从甲马文化中可以看出巍山人民的审美观点及生活习俗。本文通过田野调查和文献法对甲马的创作形式结构、图像结构及技艺进行了深入的探讨与分析，归纳出云南甲马艺术的基本特点和规律，并结合现代视觉艺术研究甲马的视觉化设计转译途径，传承发扬我国本土文化。
关键词:
巍山甲马；民俗文化；简约:视觉艺术；
引言：
甲马又称“纸马”“神纸”，在巍山当地人们有时称呼为“马子”，但由于多数人赞同“甲马”这一称谓，所以本文以“甲马”一词贯通全文。甲马是中国民间百姓进行祈福消灾活动时，用来焚烧祈祷的各类雕版印刷品，是一种与民俗文化完美结合的民间版画艺术。在民间人们为了渴望与神灵沟通将“甲马”神话为与神界的通讯工具，他们将想象中的特定神灵刻绘在纸上，将心愿写在对神灵的膜拜中，通过焚烧写满了祈愿的种种纸火以期达到与神灵的沟通。
一、巍山甲马造型分析
巍山甲马形式简练整洁、造型手段多元、描述直白，以阳刻线为主，刻板后水墨印制，具有古拙朴实的艺术效果。
(一)结构特征
巍山甲马属于二维平面艺术，平面化源于原始先民对自然的直观模仿，通过局限的思维方式去表达视觉艺术。巍山甲马采用具有平面化的方式利用点、线、面的对称、凌乱、粗细对比将画面高度融合提炼，其不同部分概括简化为几何形体、以平面的方式进行整化。
其次巍山甲马画面构图饱满也是它的特征之一，在整体画面中元素之间的大小、高低、胖瘦都有其独特的层次感，整幅画面都是顶天立地，占满整个空间让画面饱满充实，丰富多彩。画面大量采用了对称、填补、居中、题字等手法使构图完成一种平衡感。在空间结构上，甲马画不区分近大远小的透视关系，它是将画面用平行线的方式进行分割来交代，画面之间只有上下左右方位的区别，这种分割手法使甲马的作品添加稚拙性。
(二)色彩特征
大理巍山甲马在色彩的选择上多会选择黑白，黑白在画作中给人以严肃、谨慎、刚烈的冲击感，黑与白之间相互融合相互转换，使得构图更加突出，简单明确的达到不同的视觉效果。
(三)图像特征
巍山甲马是一个民间祈福艺术，所以图像呈现的是民间百姓对神灵的描绘，将神灵、自然用简洁的符号描绘到整幅画面，使得画面凸显出特有的趣味。巍山甲马的图像符号抽象、随意，造型是在一定的传承基础上有着绘画者的随意与创作，可进行删减和添加，绘画出不同的艺术作品。比如神灵面部五官是简洁干练的线条，身体是大块面的结合，括号类代表祥云，倒三角或圆形代表眼睛，大的线条挺而刚，细小的线条曲而柔，整幅画面完整、生动、简练、精准的展示了生命原始力量。拿《路神》为例，《路神》是求得家人一路平安的甲马，在图中可以看到甲马艺人将大自然的风光用简单的花朵符号表示，树木用竖线表示，神灵中人物的眼睛便是圆形的符号，不同衣物的质感也用变幻的点、线、面来表达。
二、符号语境分析
符号是不断发展变化的，人们为了表达的需求，在不断创新符号，一切能够作为意义解释的，无论是语言的或非语言的都可以称作符号。1在原始时期由于材料的限制，甲马的形式单一，多数采用黑白来表现，技术上采用雕版印刷。在现代技术下，甲马艺术可添加不同符号语意以及不同展现方式，引导带领大家了解甲马艺术。了解甲马首先要从甲马中的图像符号分析，不同类别有着属于甲马艺术的独特符号。
(一)人物类
甲马的人物有祈福的神仙也有普通的农民、士兵和儿童。多数甲马中的神仙衣物以线条形式来表现，增添简单的旗帜、刀剑和坐骑，神仙的面部刻画多种多样，有的五官为简单的线条，有的五官用圆和点组成。因当地文化信仰，甲马中神明的想象多数是朴实亲近，看来就像一个平常百姓，神明的衣服多用柔软的线条展现，如《本命星君》中的神仙。甲马的士兵衣服多用硬朗的线条展现，添加了士兵的威信，如《刀兵》作品。平常百姓或儿童刻画相对随意，只是简单的刻画出衣服的轮廓，如《三位姑娘》。
(二)动物类
巍山甲马动物有马、羊、牛、龙、蛇、虎等多种动物，运用的表现手法也多种多样，有线条的形式呈现，也有色块的形式呈现，根据这些形式可以清楚的区分出整张画面所要表现的含义和内容，从而完成当地人民的寄托。比如巍山甲马独有的《羊玺》，将动物拟人化同时面部保留了羊的五官，羊的衣物采用粗犷的弧形线条，在不丢失庄重感的同时也保留了羊玺的'亲近，羊的面部拟人化的同时又有夸张手法，将鼻子夸张化告诉大众这并不是一个普通的人，让羊玺在拟人化的同时不丢失其羊的特性。
(三)植物类
巍山甲马作品中植物刻画较为简约，树用简单的曲线形式来表达、花用不规则圆形来表达、山和草地用弧度不同的横向曲线来表达，在整体画面中通过这些不同符号的叠加交替展现出大自然，通过符号准确传达出想要表现的场景与信仰。如《山林草木之神》中神像前方的花草用稀疏的细线条来展现花草，背景的丛林山川用粗犷密集线条表达，通过由深到浅线条的交替，以及稀疏密度的结合将整个画面增添了它独有的空间感，明确体现了画面前后递进的关系。
三、大理巍山甲马艺术与现代视觉艺术的融合
巍山甲马继承者悠久的历史文化，是当地历史进程的“记录者”，但随着社会的进步，科技的发展，当地人民生活水平的不断提升，越来越少的民众关注它。不是因为大家不喜欢甲马，而是在高科技的印刷技术下，很难将一门低收入高要求的传统手工艺全方位发扬光大，也因甲马自身的宗教色彩，传承人无法开办培训机构。如何在快速发展的时代结合当代艺术，普及推广非物质文化遗产甲马艺术是值得我们重视的问题。
(一)表现形式的结合
巍山甲马与现代艺术中的视觉设计都包含了点、线、面的结合，当代的视觉设计多以平面化形式展现，特别是海报、书籍装帧、包装等方面尤为突出。而巍山甲马尤为突出的便是它的平面化造型及构图，不同的线、面结合展示不同的风采。
我们可将不同祭祀祈福类别的甲马艺术进行分类整合，通过将其整合梳理，保留甲马独特构图的同时添加画面的丰富度，通过不同造型的结合使甲马艺术更加便于人们的认知，更好的了解不同的祈祷类别。甲马艺术可以在现代视觉设计中提供优良、独特的设计元素和设计手法，可以迅速吸引观看者或消费者的目光，从而传递有效信息。
(二)符号特征的结合
现代视觉设计重要的是将大量的信息浓缩为有效的符号，通过简约的视觉符号高效的传达各类信息，而巍山的甲马恰恰符合这一特性。甲马将复杂的人物、复杂的自然界通过最简单的符号表达出民间文化和民间崇拜，艺术创作者可结合巍山甲马有效的融入设计中，提取具有甲马民俗文化的具有象征意义的符号，使这些符号更具有代表意义并进行创新，与现代设计融汇贯通让甲马文化在设计中绽放独特魅力。
首先，需将甲马艺术符号进行归类、筛选，保留元素内涵、审美价值、文化价值的基础上重新整合和艺术加工，让符号所代表的含义更加贴切和更具传播性。
其次，将这些元素进行重组设计，在不丢失甲马原本简约、粗犷风格的同时加以创新，一定程度上保留巍山当地甲马特征，同时融入现代文化元素，使其在传播文化内涵的同时，增强大众接受度和传播力，个性化和独特化地展现当地地域特色，同时，将其运用到广告、市场营销及产品包装中，加强甲马传统艺术的认知与传播。
1.马符号
在当地甲马一书中马元素形式多样，多为神灵的坐骑，如《本境庙神》中的马只能看到大概轮廓，马身含有多个粗犷线条，而《当年太岁》中的马，马身采用多个大色块而马头又有拟人化效果。我们可将甲马中这些不同形象的马加以修改简化，增加它的传播性，将其从二维图形展示向三维、四维方向发展，在不丢失本身风格的基础上扩大马元素的使用范围。
2.人物符号
巍山甲马中的人物形象创作主要来源于生活，他们的神仙在甲马多数作品中英雄化、拟人化。根据甲马现有的人物符号特点加以修改，取其精华、去其糟粕，在展现当地特有文化的情况下使其形成更具有代表性的传播符号，让大众一眼便识别出这是巍山甲马中的神仙形象。
3.文字符号
巍山甲马的文字并没有做特定的设计，在画面中文字只是简单随意的出现在画面中，没有其独特的表现形式。我们可将甲马中的文字进行统一设计，将字体风格统一化运用在不同作品中，增加其传播性，让作品运用于不同领域。
四、结语
巍山甲马艺术作为一个具有当地民族风格与民族文化的精神产物，体现了巍山百年历史以及大理巍山的多元文化风俗，这是传统艺术类非物质文化遗产在当代社会的一个缩影，它不是日常所需，而是成为社会历史的记忆，成为我们了解历史，了解过去的重要窗口，我们只有深入研究，结合当代设计理念才能助其发展与传承。
参考文献
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[12]方李莉.从遗产到资源创新是-种更深刻的保护[N.中国社会科学报,2011-06-16(017).
我之前写了一个关于当代艺术认识的文字，希望可以对你有帮助！中国当代艺术小“拙”中国当下物质文化的不断丰富,精神文化的极度匮乏,促使了中国当代艺术的跳跃式发展.这种跳跃式的发展极大的刺激了中国当代艺术部落的发展,出现了当代艺术家的众多云集，艺术上的”开元盛世”这是社会发展的必然；是艺术本质上走在社会前沿的必然；是文化匮乏下的迫切需要；是”天价”绘画市场的催化.但朦胧状态下的当代艺术确存在着诸多弊病．关于当代艺术本人有以下拙见:一. 发展不规范,有恶性发展之趋势,许多艺术家迷失方向.”天价”当代艺术市场的刺激致使当代艺术家众多云集,其中不乏滥竽充数之士,当代艺术市场混乱,这种混乱不仅仅体现在价格上的恶意炒作,还表现在许多艺术家意识上的盲从,许多当代艺术作品片面注重所谓的”创意”所谓的”独树一帜”内容上苍白空洞,浮于表面，甚至肮脏不堪,毫无艺术性社会性可言.成功者也仅仅是昙花一现.所谓”当代艺术”一是要体现在”当代”上反映当下社会的现状，体现社会的现实，走在社会的前沿，体现当代艺术哲学之美；反映人类现实生活；为人类精神生活呐喊―――这是身为当代艺术家的一种历史责任．所谓”艺术”，作为艺术的本质是美化人类的生存空间．当代艺术家应该适应当代，学会发现美创造美．使艺术作品不仅仅追寻唯美而且上升到一定的当下哲学的高度．二．艺术的民族化尽失，缺乏生命力．真正的的艺术是根源于自己的民族；根植于自己生存的环境（自然环境，社会环境）而并非盲从．正如”只有民族的才是世界的”许多”当代艺术家”并不了解艺术之哲学，不了解自己民族文化．中国必定是一个拥有五千年文化的文明国度，我们常常会为古人的艺术文化哲学智慧而叹为观之.任何一个细心去认识去了解去感悟她的人，都会被她的艺术魅力所倾倒．身为中国的艺术家应该了解自己的民族的文化，用自己的”艺术语言”去阐述描绘自己的民族．中国现在已经涌现出了众多在国际上顶级的艺术大师无不根植于自己的民族．如赵无极（法兰西院士）朱德群（法兰西院士）蔡国强（当代世界艺术家排名前100位）吴冠中（中国的艺术泰斗）他们都是世界当代艺术领域公认的艺术大师．他们都有留过洋，有的甚至久居国外．但他们的艺术无不是根植于我们民族的文化艺术土壤．正如吴冠中老先生看到朱德群展览作品时说道的”乡音未改”对艺术的民族化世界化概括的是如此之精辟．三.当代艺术收藏群体的盲目,缺乏艺术鉴赏力. 艺术圈有点象娱乐圈.当代社会经济的繁荣,有势力的艺术收藏群体不断壮大,这对当代艺术的发展有极大的催化促进作用,但他们大都是金钱有余,鉴赏能力不足,对当代艺术的鉴赏能力有限.大多受一些艺术炒作现象的左右.和一些不负责任的”评论大嘴巴”左右.部分艺术收藏群体收藏艺术品只是为了等待它的升值，以谋求利益，并非真正关切艺术品本身的艺术价值．当代艺术圈有点象娱乐圈,大量的包装炒作使一些似是而非的艺术作品在艺术市场飘荡.作品的好坏很大程度上受到包装炒作的影响,许多有志士的当代艺术家被埋没在没有硝烟的娱乐圈之中.中国当代艺术起步晚，发展周期短．发展上的存在弊端这也是必然现象．随着当代艺术家们的不断规范，理性的发展，中国当代艺术之路也必然会在世界上利于颠峰之地．后记：金融危机来了，这也许是对中国当代艺术的一种洗礼……（09年4月 于兆洋）祝福中国当代艺术之明天.....
视觉艺术的价值论文
视觉传达与广告设计艺术
文字是视觉传达设计中的重要元素之一，字体设计是一种整体性的概念追求，其中蕴含着无限丰富的审美文化意识。以下是我为大家整理的相关论文范文，希望能帮到大家，更多内容请浏览()。
摘要：近年视觉传达设计获得了快速发展，并形成了多语言要素的应用。在语言要素中文字、插画和色彩因素是其中的三个核心元素。视觉传达设计在广告设计和创意的背景下，能够全面性的展示视觉特征，并且能够形成产品信息的传递。视觉传达设计研究具有积极的理论价值和实践价值。
关键词：视觉传达;信息要素;广告设计;价值
一、视觉传达设计概述
视觉传达设计是视觉符号、造型和色彩多元素所具有美感、意念的一种视觉效果，通过这种视觉展示的根本目的是能够达到信息传递的目的。视觉传达中主要是通过各种传播媒介形成对各种信息的传递，目标是设计中能够进行信息传递。视觉传达设计主要体现的是两个因素，一个是视觉符号，另外一个是信息传达。视觉符号是各种元素，信息传达是对信息共享和沟通的过程。
二、视觉传达设计语言要素
1、字体设计
文字是视觉传达设计中的重要元素之一，字体设计是一种整体性的概念追求，其中蕴含着无限丰富的审美文化意识。目前世界上的文字主要是象形、意性和字母文字。在广告设计中文字是最基本的信息传递符号，它融入设计者真实的思想是思想情感表达的媒介，是记录语言的符号，因此文字是利用形体、声音和意美达到心理美感的。在进行文字设计以及文字表意都以最直接的方式展现出商品信息的特征的设计，并且取得比较明显的设计效果。文字的编排也是视觉设计构成中的元素之一。
2、插画设计
插画是一种艺术的形式，是一种为了视觉造型表现的一种艺术创作，通过非语言的因素进行展现，是广告的主要传播元素，也是最重要的视觉元素。在商品经济时代，插图被作为一种设计原，对商品经济起到了推波助澜的作用，充分的展现了情绪的，夸张的和及幽默的形态等同时能使消费者产生趣味性以及提高注意力。插图作为一种的重要视觉传达形式，同时图形具有符号性、传播性、独创性、易识别和记忆性，思想和观念也呈现出了具象化表现。人们对它具有直觉的感知，在信息交流中具有超越国界和种族的优势，它能以其独特的风格特点和表现形式来给画面增加强烈的视觉效果。
3、色彩设计
色彩是光感的作用，在视觉艺术中具有先声夺人的力量。色彩不仅能逼真再现商品信息，还能够准确传达广告的思想情感和艺术主题，是知觉和审美过程是对客观对象主观审美的一种相互作用。色彩还可以产生特殊的联觉，比如色彩和听觉、色彩和味觉、色彩和形状也可以产生联觉。色彩的调和是按照事物规律进行调整，色彩的调和可以是生理角度的，心理角度的，色彩和形象统一等角度的调和。使受众产生丰富的视觉联想.在设计具有视觉冲击力的广告中,时常利用概括和夸张的表现手法,使广告中的色彩远比传统绘画中的色彩更加明确和具有目的性,这也符合现代文化的特点。
三、广告艺术传达性
1、广告设计概念
广告是一种商业、艺术和文化现象，目标是能够形成精准性的传达作用。广告设计是一个涉及多领域、多学科的复杂系统，并且在发展过程中创造出更新的形式和内容。将表象具体化创作特定的含义和主观的色彩，意向对客观事物创作者的反映程度与引发受众所感受的意向也是不同的。
2、广告设计与创意
在进行广告艺术设计的过程中能够将抽象和具象的艺术形态进行全面性结合，在广告设计的过程中能够将点线面相互融合，促进受众强烈的知觉感受。此因素是体现创意性成败中的关键性因素，影响在相对有效的视觉强度情况下，可以刺激受众的感官引起注意和兴趣。质感是因为材料的不同，在表面组织和构造方面各不相同情况，一般情况下是粗糙感、光滑感和软硬度等，这就是能够触摸到不同的质感情况，可以通过描绘的情况展现出来。
3、广告设计视觉特征
广告视觉设计主要是以视觉传达来发挥特定的宣传作用，把握良好的视觉效果能够引起人们的注意情况。视觉是一种积极的器官视觉感官，能够形成知觉互动，在感知层面上形成积极的作用和选择。文字在广告中需要体现出刻度性，文字是进行信息交流的工具之一，促进在心理情感方面能够形成全面性的传达作用。广告在进行图形设计过程中主要体现的'是信息准确传达，也就是能够传达商品的真实属性，以及服务的全部信息等。是在推行设计的过程中具有个性和能够创新，现代广告最重要的是注重对图形的创新。广告的视觉传达过程中需要突出色彩性因素，及时将功能性、适用性和审美性进行全面性的结合。
四、视觉传达广告设计价值
1、视觉传达广告设计理论价值
视觉传达已经从单一的媒体性组合向多媒体变化，电子技术对视觉传达设计展现出了美好的前景。广告视觉传达伴随着科学技术的发展和人类文明进步，已经渗透于社会生活的各个方面。广告宣传受到社会生活影响，并且在市场经济大潮下，视觉传达对社会的发展是具有积极作用的，优秀的视觉传达能够促进社会环境的优化，对精神文明的建设，以及维护良好的社会秩序都具有积极意义。广告视觉传达设计是设计中的一个重要分支，为大众服务，并且与社会各种类型的消费者是息息相关的。同时其也涉及到了社会经济文化生活的各个方面，是一项系统性工程。
2、视觉传达广告设计实践价值
视觉传导设计是社会文化发展到一定阶段的产物，是社会发展的动因之一，视觉传达是一种文化创造。广告设计不仅仅对社会物质和文化生活会产生影响，同时对不同的国家，不同社会的精神文化层面，从思维、价值和审美等方面都会产生明显的影响。我国具有丰富的历史文化，应该充分利用文化的积淀，不断的挖掘我国的形象元素，注入现代设计理念，一定能够全面性的创造出视觉传达设计作品，这对文化传承和发展，同时对新文化的发展也是一种积极的探索过程。
五、结语
视觉传达设计是对人类本质的一种陈述，对自然描述是艺术的传统使命，主要的目的是告诉人们某种事物，从视觉图形、文字和语言等方面形成对人文价值的凸显情况。广告设计已经走向了视觉文化时代，在电影、电视、动漫和多媒体艺术相互结合，相互借鉴的情况下，已经激发出了全面性的视觉艺术设计的灵魂因素。广告的视觉传达具有引领消费的作用，能够提供一个良好的机制框架，促进产品本身价值担负一定的责任。广告视觉传达设计具有文化价值的提下，不应仅仅的停留在技术层面，应该积极寻求视觉传达设计后的文化内容，具有设计价值观和强烈的社会责任感。
作者:刘璐 单位:江苏理工学院
参考文献
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如题。视觉艺术已经成了当代美学、艺术学和文艺学的显学，这部书的最大好处在于梳理清晰。这可以为后来者提供很好的路径，指引了我们去看待这些一些问题：视觉艺术的起源、视觉艺术的演变，等等
我的视觉艺术创作批评观陈蔚的绘画给人最初的印象非常深刻，因为作为一个八零年代出生的年轻人，她所使用的油画表现方式在色彩上沉郁内敛，在技法上疏松畅快，在题材上不拘一格，与这些年深受日韩动漫和卡通风潮影响又被国内一些批评家所鼓噪的艳丽化、平涂化和幼稚化的创作风气截然不同。油画以丰富的色彩表现见长，特别是当下五光十色、光怪陆离的商业化现实生存环境景观，更带给近年来许多年轻艺术家色彩表现上强烈的心理影响，于是明度高、纯度大的原色成为他（她）们的最爱，似乎这样的色彩表现最能够接近和突出现实世界的媚惑。而陈蔚笔下流露出的色彩却总是以灰褐色调为主，即便是表现古树新枝和石榴花果，也难见翠嫩与鲜红，更多的是调和出的墨绿和黑红。这种色彩上的沉郁和保守，似乎在有意识地回避现实世界鲜亮和夸张的色彩招徕。这位年轻的女性，为何把周围世界的表面光芒表现得这般灰暗？这种困惑从她疏松涂抹的笔法得到了一种解释。陈蔚喜欢用稀薄的颜料在各种绘画基底上涂划，说她是涂划而不是涂画，是因为她的用笔方式不是由浅入深地一层层、一遍遍通过敷色来营造明暗块面关系和形体结构，而是类似书写那样追求笔势本身的造型能力。于是，画面中的形象，摆脱了学院油画训练中那种严整、规范和庄严的几大面和几种明暗调子，变得成为身体的延伸，成为身体动作的书写。这是一种拒绝观念介入的自动绘画或者准确地说自动书写，现实世界的物体景观的块面和明暗光泽因为这种时而畅快，时而纠结，时而迟疑，变得不再光鲜和严整，一种打磨、过滤和风干的伤蚀，笼罩在她涂划出的形象上。这正像中国传统书画的用笔飞白，于似断非断，欲断还连中，保持着书写者的精神意念，早已超越了现实事物原型的物理真实与否。 陈蔚最为喜爱的画家是杜马斯，我想原因在于后者用直抒胸臆的简练笔划和幽暗沉郁的色调，勾画出了人物对象的内心忧郁和神经质。而当我们仔细阅读和品味陈蔚的艺术笔记和随感文字时，我们能够发现，在她近乎才情四溢的字里行间，其实表述的不是那些植物们、动物们的现实形态，而是它们在经年更事的时间流逝过程中的所呈现出来的“剥落”与“荒废”。在《樊笼之味》一文中，她写下了这样的字句：“我是以视觉来触碰世界的，而过分的视觉也把另一个‘我’淹没了。打捞出另一个‘自己’，便仍可以继续用单纯的态度坦然面对人生。”所谓“过分的视觉”应该是指画面形象再现现实形象时的准确性、样式性和风格化，这正是她有意回避或者说放弃的。如果不是通过视觉形象来真实地再现和还原现实世界的景物，那么绘画的意义究竟在哪里呢？绘画的意义在于通过视觉“打捞出另一个‘自己’”，这个自己是一个能够透过人生的岁月感受时间痕迹的知性体，它能够仰观星云替转，俯察些微凡物，能够深入到事物的生命脉动之中，和它们同生同死。正因为如此，陈蔚会格外推崇杜马斯这样的画出人物内心巨大变化和岁月沧桑的艺术家，也正因为如此，她会在自己的油画创作中另辟蹊径，从中国传统文化的谴词造境和书写形意中，寻求字面与画面形象之外的另一种真实，哪怕这种真实展现的是侵蚀、剥落和残败，而生命原本就是脆弱和短暂的。 生命的无常和短暂，就陈蔚的视觉表现而言，不仅体现在植物们和动物们的飘摇凋零和毛发丛生，而且体现在它们的残枝短叶和伤残截肢。构图的大胆截取似乎还保存着传统花鸟画小中见大的画意，可突兀的截肢和干尸，则宣告了艺术家题材为我所用的本意——生命的脆弱和短暂不仅缘自生命本身，而且还缘自生命之外的其它力量和意图。这恰恰表明，陈蔚的艺术创作并非全然是画室里的自我解剖，并非全然不食时代烟火，倒是她宁愿将自己感受到各种外界压力转换成眼前的这些花草和动物，她要用自己的视觉形式，去触碰周围的世界，而这些树木花草和飞禽走兽，正是她触碰外界的媒介。 她像一个炼金术师那样，通过独到的色彩、用笔和构图，对这些与个人的成长记忆和内心想象有关的对象展开追问，更将这种追问从平面的画布画纸，推进到拼贴、装置和实物雕塑。她的新近作品《鹤与蛇》，则直接选用了大量的白色皮纸。纸的丰富肌理和撕、拉、揉、扯的高塑性，同样可以传递出生命的内在感觉，它“层层迭迭，细密交织，好似流逝中人剥落的记忆”（陈蔚《纸》）。对陈蔚艺术重内心生命体验而轻表面真实逼真的判断，在她最新的综合材料绘画《出口与尽头》中，得到了又一次的证明。这一次，她从可辨形体的外界自然世界抽身而出，进入到一个完全属于微观心理的世界里。这里的一切不再具有物理世界的等级分类和社会属性，不再传递出植物或动物的生命体征，也不再充满着可见世界各种事物的横向比较和此长彼消的争斗与伤害，却形成了纵向穿越层层包裹的幽暗材料的羁绊，向深处寻找微观世界精神出口的冲动和压抑之间的一种较量。这时，画面上各种材料所形成的视觉形式，不再是用来体现某个具体的生命类型的脆弱和短暂，而是象征着所有生命形态的内在共同的压力与冲突——生命本身如果想持久甚至永恒，那么它的出口在哪里？ 用视觉去触碰世界，年轻的女艺术家陈蔚，用她自己独特的方式，从具体的景物出发，开始进入到景物的深处和背后，发出了自己的提问，在今天快餐化和卡通化的艺术界，的确是难能可贵的。 找了好久啊~~~~(>_<)~~~~ 望采纳
视觉与艺术论文格式
视觉传达学术论文篇二 视觉经验与视觉传达设计 [摘 要]观者的视觉经验对视觉信息的准确传达起着重要的作用。设计者应根据观者的视觉经验充分调动其视觉心理的能动反应,使其“所看”与“所知”同时发生感觉,从而积极主动地参与到设计作品的理解和感悟之中,让观者通过欣赏与设计者的审美体验相沟通,以此达到信息传达的目的。 [关键词]视觉传达;视觉经验;视觉心理 在 现代 设计中,视觉传达设计的主要功能是调动所有平面的因素,达到视觉传达准确的目的,同时给观众以视觉心理满足。当今,视觉传达的方式变得越来越复杂和发达,设计师在视觉传达设计中,应充分考虑受众群体的视觉心理,清醒地认识到信息接受者不是机械的、被动的受纳器,而是一个具有积极主动的内驱力的主体,只有在充分理解和掌握有关视觉心理的知识之后,才能更好地在更大的范围内发挥各种现代制作技术的优势。其中,观者的视觉经验对视觉信息的准确传达起着重要的作用。设计者应根据观者的视觉经验充分调动观者视觉心理的能动反应,使其“所看”与“所知”同时发生感觉,从而积极主动地参与到设计作品的理解和感悟之中,让观者通过欣赏与设计者的审美体验相沟通,以此来达到信息传达的目的。 一、视知觉与视觉经验 视知觉有时会受到视觉生理机能和生活文化经验积淀的同时作用。人的感觉并非先天固有的功能,没有体验过的东西可能无法感受到,而丰富的生活经验又有可能使某种感觉功能格外发达。视觉所感受到的不仅是眼前所见的信息,过去积累的信息也会参与 影响 。而且,由于生活环境、视觉经验、生活体验及专业知识的不同,对同一形式的认知会出现差异,这种差异来自生活和 社会 ,与先天的个性差异有所不同。正如阿恩海姆在《 艺术 与视知觉》一书中指出:“眼前所得到的经验,从来都不是凭空出现的,它是从一个人毕生所获取的无数经验当中 发展 出来的最新经验。因此,新的经验图式,总是与过去所知觉到的各种形状的记忆痕迹相联系。” 1.生理机能上的视觉体验 英国著名的视觉心 理学 家格利高里告诉我们:“对物体的视觉包含了许多信息来源。这些信息来源超出了我们注视一个物体时眼睛所接受的信息。它通常包括由过去经验所产生的对物体的认识。这种经验不限于视觉,可能还包括其他感觉。例如触觉、味觉、嗅觉,或者还有温度觉和痛觉。”由于生活经验的参与,视知觉还具有一种能动作用,“知觉不是简单的被刺激模式觉得的,而是对有效的资料能动地寻找最好的解释”。我们能从倒立的金字塔形上“看出”不稳定感,是来自对实物的印象。我们有了在斜面上的物体会滑落的生活经验,才能在看斜线时感觉到动感。在色彩构成中,白色分量“轻”,黑色分量“重”,红色使人兴奋、刺激,蓝色给人以沉静感,这些感觉同生活中对实物的感受经验也是大致吻合的。再如,我们能从以频闪式样制造的霓虹灯广告牌上看到字母、图案、花边等不停地移动,但实际上仅仅是灯光的时亮时灭,它们自身并没有运动。由于灯光迅速地相继在相距不太远的位置上出现时,会在人们的大脑皮层中产生某种生理短路,神经兴奋就从一个点迅速传向另一个点,与这样一个生理过程相对应的心理经验就是我们看到的同一个光点的位移。正如鲁道夫·阿恩海姆所说:“我们在不动的式样中感受到的‘运动’,就是大脑在对知觉刺激进行组织时激起的生理活动的心理对应物。这种运动性质就是视觉经验的性质,或者说,它与视觉经验密不可分……事实上,一切视觉现实都是视觉的活动造成的。只有视觉的活动,才能赋予视觉对象以表现性,也只有具有表现性的视觉对象,才可能成为艺术创造的媒介。” 因此,在视知觉的能动反应中,有着生理机能基础,虽有智性的成分,但又不同于理性判断。由于感知与经验上的相通,这种“所看”与“所知”同时发生感觉,密不可分。 2.文化经验的视觉体验 (1)个人文化经验的视觉体验。人的感觉能力一部分是先天的功能,也有一部分来自生活的体验和积累。不同的阅历和体验会导致感觉上的差异,专业素质的差别也会影响艺术感受。 人们在观看理解物体时,并不满足于把看到的东西“组织”成一种视觉意象,还要进一步把这个直接看到的形象与另一个形象联系起来。由于很多视象都是模棱两可的,可以按照各种不同的结构式样对其加以组织,所以在生活中就会出现有趣的现象:专家和外行人会看到不同的东西,不同的专家从中看到的东西也不相同。例如,美术中的三维空间感来源于生活与专业训练,没有受过美术专业训练的人,不可能在石膏像上看出诸多的“素描关系”。对于红色,观者会联想到革命或恐怖暴力,还有喜庆,这都取决于观者的阅历与体验。“只要头脑中预先形成了所观察目标的意象,不管在多么复杂变换的形状中,都能够将这些意象认出来,知觉对象能从以往的视觉经验中得到填充或补足。” 同样的道理,设计中各种不同的表现形式也不可能让所有的人都有所感悟,对于同一设计作品,感受会有简单与丰富之分,体会也会有高下之别。一个人的现时观察,总会受到以往所见、所闻、所知的影响,积累越多,感受就越丰富。这种潜在的经验图式对观察的影响,在设计活动中同样无时、无处不在。熟悉几何抽象画家蒙德里安绘画的观者一眼就能从服装设计大师依夫·圣·洛朗设计的时装中看出两者之间的联系,而不了解蒙德里安画风的观者则可能只是将它看成大格子式样。 过去的视知觉经验和知识修养有助于人们正确地观察面前的对象,也可以妨碍正确地观察,这取决于观者视知觉经验和知识修养的正确程度及水平高低,还有他们与观察对象的关系如何。 (2)集体 文化 经验的视觉体验。在人的视觉 心理中具备一种推论倾向,可以使不连贯的、有缺口的图形尽可能在视觉心理上得到弥补,格式塔心 理学 家称之为视知觉的“完结效应”。能否在视觉的“完结效应”中正确地“填补空白”是与观者的阅历、感悟、想象有关系的。大量事实表明,对色彩、形状的把握能力会随着观看者所在的物种、文化集团和受训练的不同而不同。这就是说,一个集团能理解的,另一个集团的成员就可能无法理解、把握、比较和记住它们。观者对对象越熟悉,填补的空白就越准确。正如贡布里希所说:“由于我们是生活在一个熟悉的 环境中,我们见到的事物总是与我们的预期相符,所以视觉的节省也就越来越增加了。”对此, 社会 学家BenedictAnderson也提出了“想象的共同体”这一概念,他认为 现代 民族国家的形成,源自在地球上不同地方的人类对身为一个命运共同体的集体想象。系统的印刷 语言、普及的新媒介(主要是报纸)以及共同的“受难经验”,乃促成“想象共同体”的要素。不经意间,我们的脑海中早已先入为主地为许多未曾谋面的事物定了性,想当然地认为它理应如此。这样一种知觉,其直感性是非常强的,它不是在一件物体和它的用处之间作某种联想,也不是对于某种东西的实际用途的理解,而是对一件因未经实际使用而看不到其功能的物体在视知觉中的直接“补足”或“完结”。 在视觉传达中,任何一种图形或符号的意义都会随着时间和地区的变化而变化。博厄斯在其《原始 艺术 》中提到:不同部落的美洲印地安人所赋予的某些基本图案的各种意义在很大程度上取决于他们不同的文化背景。文化背景的变化会引起人们对纹样的意义作出不同的解释,这种不同的解释反过来又会作用于纹样,使纹样发生进一步的变化。例如, 中国 古人素来喜欢莲花,它象征着高洁,出污泥而不染,尤其深得中国文人的喜爱。在佛教传入中国后,莲花更成了清净、圣洁、吉祥的象征,成为吉祥纹样“暗八宝”之一,各种艺术品中到处可以看到莲花的图案,与佛教有关的 建筑和建筑物的柱、柱础、砖、瓦等也都有用莲花作纹饰的。而在日本,莲花的意义却大相径庭,它是祭奠的象征。 基于这一点,设计师应充分考虑到观者所属集团的文化背景,在设计 内容 和对象的选择上应具有针对性,否则将导致观者视觉经验的认识混乱。 二、视觉经验与视觉传达对象 好的设计作品需要知己知彼。所谓知己,就是有从视觉主体方面了解人的视觉功能、 研究 感知过程的真实状态;所谓知彼,就是从视觉的对象方面认识形式的相对关系。 对设计而言,不仅仅是解决传播方式和传播速度 问题 ,更重要的是要传播有效的信息。传播有效、准确、可靠的信息是设计信息传播的首要法则,它是设计成功的重要保证。传播的对象是人和人群结构而成的受众群体。设计元素是否能引起观者视觉经验的共鸣,取决于刺激物的结构所拥有的力量与它唤起的有关记忆痕迹的力量相互作用的结果。在视觉传达中,设计是以单一的或连续的作品形式与受众进行对话,如何选择对话的焦点是传播成功与否的关键。观众通过与设计作品的接触(视感、听感、动感等途径),接受某种信息,随即他会以自己的生活经验和审美经验、以社会公众的标准、以生活本身作参照来检验这信息,从而对它作出准确与否、可靠与否的判断,决定是否接受该设计信息,并且以自己的态度 影响 身边的人们对该设计信息的态度。因而,将视觉传达设计的视觉表现置于特定文化背景中来感染受众的精神世界的确是一个不错的选择。 我们可以将东西方文化做一个比较。由于地域环境和人文环境不同,所以东西方形成了不同的文化价值观和不同的心理结构与审美心理,这种差异在视觉传达设计中有突出的表现。 例如:中国人有对万物祈福的心理,并由此形成了特有的吉祥文化,希望事物朝着美好的方向 发展 ,标志设计中有吉祥的寓意就容易被受众接受。中国联通公司的标志设计(见图?)就是针对人们吉祥如意的心理期待,标志中的“中国红”是蕴含着中国人几千年情结的颜色,无形中又增加了 企业 形象的亲和力,进一步拉近了与观者的距离。联通标志还采用中国古代盘长纹样的“同心结”图案,造型中的四个方形有四通八达、事事如意之意;六个圆形有路路相通、处处顺畅之意;标志中的十个空穴则有圆圆满满、十全十美之意。总之,无论从对称性还是偶数的讲究来说,该图案都洋溢着古老东方民族流传已久的吉祥气息。 正是基于对中国吉祥文化的认同,我们才拥有了许多喜闻乐见的、充满吉祥意味的晶牌名称,如恒源祥、金利来、金六福、万利达、永乐、旺旺、福满多等。同样,外国品牌进入中国市场也要入乡随俗,进行语言文字的文化适应,品牌的翻译要符合中国人的心理,如可口可乐、百事可乐、喜来登、吉百利、都乐等正是注意了这一点。当然,中国的吉祥用语包含着特定的民族文化内涵,在中国乃至全世界的华人圈内是老少皆知的,不需做过多的解释大家都心领神会。而其他文化背景的人们却因为风俗习惯、宗教信仰、思维方式等方面的不同,对事物的联想就会有很大差异,因此中国的某些吉祥物在一些西方国家就会引起误读。如白象、金龙、孔雀、喜鹊等品牌在国外就缺乏认同基础,这是由于白象在英美国家被视为中看不中用的东西,龙在西方许多国家被视为恶魔与灾难的化身,孔雀在英、德、法等国被视为淫祸之鸟,喜鹊在 英语 里是指爱唠叨、饶舌的人,所以凡是出口商品用象、龙、孔雀、喜鹊等作为商标名称的都要音译或做其他处理,从而避免引起观者的误解与反感。 相同的视觉符号放在不同的文化背景中,它所表达的意思也不同,只有当知道在特定文化背景或特定阶段里使用的普通平凡的习俗化的程式时,人们才能把视觉符号的信息译释出来。如十字图形,在宗教中象征着上帝,在医疗中表示看护和更深层次的人类救护之爱,在数字中则理解为数据运用的加号。因此,设计者在为国际流通的商品设计时,要注意各地审美观念和价值观念的差异性,切忌把本国消费者的审美偏好和价值观念强加给目标市场国的消费者,以免造成沟通障碍。 在相同的文化背景和地理环境下,民族化、地域化的图形语言是人们了解和熟悉的,不需要任何解释,便于直接解读。设计师可用一种同构的思维方式,将图形语言折射到另一种与其有着某种联系的相通之处的事物上,并造成一种心理暗示,引导人们去联想、想象。心理预设因素显示,人的理解活动发生之前,存在某种根据生活经验而形成的心理期待,它事先设定了理解对象的应有面貌,这种心理定势常常在审视符号时将理解重心导向理解者本人所期待的方向。如,熟悉中国传统文化的观者,能很容易地从图2中领悟出书法、太极、砚台、篆刻、碑拓、章法之间的玄妙。 当然,视觉传达设计在体现民族化、地域化的同时,还应利用传统的、地域的图形语言优势来表现现代的精神观念,用解构的民族化图形与现代设计思想相结合,创造一种既有传统文化元素又具现代意识的形象,以独特的个性参与世界文化的发展。香港著名设计师靳埭强的作品就具有浓厚的东方文化色彩。他的构图结构稳健,画面清丽,色泽时而欢悦,时而雅致,立意隽永而弥满禅机。在作品中我们时时发现设计家对简约空灵的水墨语言精妙的阐释,还不时可见中国传统文人智慧与现代商业文明的和谐对话。如图3,设计中既有水墨、笛子等极具中国传统文化意蕴的视觉元素,又有西方设计的构成形式,简洁而意味深长。 综上所述,如果一幅画、一个图形、一种抽象的形式可以唤起观赏者丰富的审美感受,那是视觉“调动”了观者以往的生活体验和视觉经验并由专业知识参与的结果。因此,设计作品要想具有强大的感染力,设计者必须与观赏者所处的环境条件相适应,以观者的共有经验为根据,充分考虑到观赏者视觉心理的能动反应,与观赏者一道,把与传达信息有关的知、情、意等心理联系起来并统一到“一种经验”中,从而形成互动。 看了“视觉传达学术论文”的人还看： 1. 视觉传达专业论文 2. 视觉传达教学改革毕业论文 3. 视觉传达开题报告范文 4. 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1、论文题目：要求准确、简练、醒目、新颖。 2、目录：目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录） 3、提要：是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。字数少可几十字，多不超过三百字为宜。 4、关键词或主题词：关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。 主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。 5、论文正文： （1）引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义, 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。 〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、 论证过程和结论。主体部分包括以下内容： a.提出-论点； b.分析问题-论据和论证； c.解决问题-论证与步骤； d.结论。 6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。 中文：标题--作者--出版物信息（版地、版者、版期）：作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是： （1）所列参考文献应是正式出版物，以便读者考证。 （2）所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。
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