美术作品批评论文1000字内容
弗雷德里克·莱顿（ Frederic Leighton ， 1830——1896 ）是 19 世纪末英国最有声望的学院派画家，他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响，成了英国皇家学院派的代名词。不像 19 世纪大部分画家那样，莱顿并没有在皇家艺术学院学习，他在布鲁塞尔、巴黎、法兰克福接受绘画训练， 1852 年他搬到罗马居住，古典艺术给了他很大影响。 1855 年，他回到英国，他的作品 Cimabue's Madonna 展出并被维多利亚女王购买，这是他事业的转折。 1878 年，莱顿当选为（英国）皇家艺术学院院长。 1896 年受封为男爵。他是英国唯一获此殊荣的画家。他于同年去世。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《缠毛线》 1878年 弗雷德里克·莱顿 英国 3cm×3cm 布 油彩 悉尼 新南威尔士美术馆藏 画家沿用古典绘画法则，以学院派绘画的严谨，描绘了缠毛线的母女。年轻的母亲坐在凳子上，姿态优美地绕着毛线，衣裙的表现呈现古典风格；小女孩全神专注地配合着母亲，扭动着身体，一幅稚气。莱顿以古典手法去表现生活，因而使作品有呆板僵化之感，并且流露出缺少真实情感表现的缺陷。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《阅读》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 2×1cm 布 油彩 利物浦 萨德利艺术博物馆藏 这是一幅富于情节性的肖像画，一少女盘腿坐于地摊上，认真、专心地在阅读画册。女孩身着的浅黄色衣裙极富质感，与深色的背景形成对比，更衬托出女孩的专注神情。女孩面容娇好，纯洁严肃，显示出较好的教养。整个画面体现出一种学院派的严谨与优雅。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《炽热的六月》 弗雷德里克·莱顿 这幅画模特 Dorothy Dene 自 80 年代（十九世纪）中期之后成为莱顿许多作品的灵感来源。独特的视角，加上模特身体优美的弯曲（拉斐尔的许多作品因此而成功，评论家把这称为女性身体的韵律）使这幅画与众不同。艳丽的色彩也使这幅作品格外抢眼。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《海边的希腊少女》 弗雷德里克·莱顿 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《陶醉》 弗雷德里克·莱顿 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《音乐课》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 8cm×1cm 布 油彩 伦敦市政厅美术馆藏 莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着六弦琴。这只是一幕普通的音乐课情景，却被画家描绘得极富美感韵味。女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，显得十分可爱。衣服、面部及背景的描绘，都体现出学院派画风，但是这幅作品却有着内在的充实。
是哪种风格的美术作品呢 应该分时代和国家吧？
你最好是自己去找，我也懒得从别处复制过来贪你这几分
美术作品批评论文1000字
从《兰竹图》，看郑燮高超的绘画技艺 《兰竹图》是“扬州八怪”中的奇才郑燮所作。 挥毫已写竹三竿，竹下还添几笔兰。 总为本源同七穆，欲修旧谱与君看。 这首《兰竹图》的题画诗，较早的，见录于中华书局上海编辑所于1962年编印的《郑板桥集》，而事隔近40年的今天，即在2000年朵云轩的秋拍现场，当《兰竹图》报出25万元的起拍价后，买家纷纷亮牌，各不相让，此图竟一路飚升至150万元落槌，创下境内书画市场中郑氏兰竹的最高价，震动海内外收藏界。 郑燮（公元1693-1765年），字克柔，号板桥，江苏兴化人，康熙秀才，雍正举人，乾隆进士，是一位有“三绝诗书画”之称的清代著名文学家和书画家。在绘画方面，郑燮擅长兰、竹、石，偶作梅、菊、松，作品数量和艺术成就以兰竹为最高。他的兰竹画轴和杂品，存世较多，流传较广，自清代以来，成为人争之宝。 《兰竹图》卷中有蒋士铨的题跋：“平生爱所南先生及陈古白画兰竹。既又见在涤子画石，或依法皴，或不依法皴，或整或碎，或完或不完。遂取意构成石势，然后以兰竹弥缝其间，虽学两家，而笔墨则一气也。”从这一题跋中可知，这幅画取法于郑所南、陈白阳和石涛，但却是“取其意之法而成为自成一体”。 兰竹图，纸本卷轴，以半边幅作一巨大的倾斜峭壁，有拔地顶天、横空出世之势；壁岩以皴染间施的笔法运筹，空白见平整，峰峻显倔巍，用笔用墨都恰到好处。峭壁上有数丛幽兰和几株箭竹，同根并蒂，相参而生，在碧空中迎风摇弋。虽然丛生于岩缝，但又不囿于岩壁；自有“竹劲兰芳性自然”，“飘飘远在碧云端”那种不为俗屈的活力。兰竹用焦墨挥毫，乱中求正，密中见疏，水墨斑斓，使其表现出欣欣向荣又独傲萧爽、清静秀逸的风格。画面提拔云：“饮牛四长兄，其劲如竹，其清如兰，其坚如石，行辈中无此人也。屡索予画，未有应之。乾隆五年九秋过予寓斋，回检家中旧幅奉赠。竹无干，兰叶偏，石势仄。恐不足当君子之意，他日当做好幅赎过耳”。以兰竹的自然特性比拟人的秉性情操，字里行间，包含着对友人的深情。题跋以隶书和行书相参共用，飘然有致，不仅起到了补叙画意和弥合画面空白的作用，而且给人以精美的书法艺术享受。整幅画面，较好地表现了画家所作兰竹的纯美意趣，以及把握整体，挥洒成章的作风。郑燮作过盆兰篱竹，但他犹其嗜好描绘“乱如蓬”的山中野兰。据说，他为此 曾自种兰花数十盆，常在三春之后将其移植到野石山阴之处，使其来年发箭成长，因而得山中兰“叶暖花酣气候浓”的贞美实质。郑燮爱赏竹，在题《竹》一文中，他写道：“余家有茅屋二间，南面种竹。夏日新篁初放，绿荫照人，置一小榻其中，甚凉适也。秋冬之际，取围屏骨子，断去两头，横安以为窗棂，用均薄洁白纸糊之。风和日暖，冻蝇触窗纸上，咚咚作小鼓声。于时一片竹影零乱，岂非天然图画乎！”因为郑燮画竹是经过了从“眼中之竹”，转化为“胸中之竹”，再倾注了画家的主观感受，借助于笔墨，挥洒于纸的“画中之竹。”所以，他的竹画自然就比生活中的竹子更美，更具有艺术魅力。郑燮曾说：“凡吾画竹，无所师承，多得于纸窗粉壁日光月影中耳。”他作兰竹，并不排斥传统技艺，相反，直接取法于石涛，并得益于徐渭、文与可等先辈的笔意。他认为，这种学习必须“略其迹”而“取其意”，有所取舍。
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弗雷德里克·莱顿（ Frederic Leighton ， 1830——1896 ）是 19 世纪末英国最有声望的学院派画家，他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响，成了英国皇家学院派的代名词。不像 19 世纪大部分画家那样，莱顿并没有在皇家艺术学院学习，他在布鲁塞尔、巴黎、法兰克福接受绘画训练， 1852 年他搬到罗马居住，古典艺术给了他很大影响。 1855 年，他回到英国，他的作品 Cimabue's Madonna 展出并被维多利亚女王购买，这是他事业的转折。 1878 年，莱顿当选为（英国）皇家艺术学院院长。 1896 年受封为男爵。他是英国唯一获此殊荣的画家。他于同年去世。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《缠毛线》 1878年 弗雷德里克·莱顿 英国 3cm×3cm 布 油彩 悉尼 新南威尔士美术馆藏 画家沿用古典绘画法则，以学院派绘画的严谨，描绘了缠毛线的母女。年轻的母亲坐在凳子上，姿态优美地绕着毛线，衣裙的表现呈现古典风格；小女孩全神专注地配合着母亲，扭动着身体，一幅稚气。莱顿以古典手法去表现生活，因而使作品有呆板僵化之感，并且流露出缺少真实情感表现的缺陷。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《阅读》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 2×1cm 布 油彩 利物浦 萨德利艺术博物馆藏 这是一幅富于情节性的肖像画，一少女盘腿坐于地摊上，认真、专心地在阅读画册。女孩身着的浅黄色衣裙极富质感，与深色的背景形成对比，更衬托出女孩的专注神情。女孩面容娇好，纯洁严肃，显示出较好的教养。整个画面体现出一种学院派的严谨与优雅。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《炽热的六月》 弗雷德里克·莱顿 这幅画模特 Dorothy Dene 自 80 年代（十九世纪）中期之后成为莱顿许多作品的灵感来源。独特的视角，加上模特身体优美的弯曲（拉斐尔的许多作品因此而成功，评论家把这称为女性身体的韵律）使这幅画与众不同。艳丽的色彩也使这幅作品格外抢眼。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《海边的希腊少女》 弗雷德里克·莱顿 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《陶醉》 弗雷德里克·莱顿 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《音乐课》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 8cm×1cm 布 油彩 伦敦市政厅美术馆藏 莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着六弦琴。这只是一幕普通的音乐课情景，却被画家描绘得极富美感韵味。女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，显得十分可爱。衣服、面部及背景的描绘，都体现出学院派画风，但是这幅作品却有着内在的充实。
艺术来源于生活，而高于生活。这是家喻户晓的名言。生活是什么呢？生活是指人在自然界中的一切活动。如：种田、吃饭、旅游、休息等等。艺术是什么呢？艺术是指人在自然界的一切活动中，对自然现象进行的体验、感悟、提炼、加工，并用艺术的形式去表现它。例如：用音乐去表现高山流水，用绘画中去表现梅兰竹菊，用书法去表现阴晴圆缺。总之用艺术诠释自然、生活之规律。其目的是：从宏观上说，使人们了解自然、认识自然、溶入自然、人和自然能更好地协调发展。从微观上说，达到净化心灵、陶冶情操之目的。 生活中充满着艺术 在生活中，到处都是艺术。从视觉上，我们看到蓝蓝海洋之宽阔、小河流水之细腻、花儿盛开之美丽、春风抚柳之温心；从听觉上，我们听到惊涛拍岸、高山流水、鸟儿争鸣；从嗅觉上，我们嗅到花儿的清香、从味觉上、我们尝到酸甜苦辣；从肢体上，我们感觉到冷热温凉、粗糙光滑；我们从这些生活中感悟出美好，感悟出艺术无处不在。但生活是有限的，生活是在自然当中的，不是所有的人都登过喜马拉雅山，不是所有的人都登过太空；世界太大了，我们没有去过的地方太多了，可这不等于我们不了解喜马拉雅山、不了解太空，因为书本、电视去过哪个地方，所以我们在自然中感受不到的，可以到书本、电视那里寻找，一定能找到的，这样艺术的资源就更加丰富了，就能为创造更好的艺术做好铺垫。 生活不全是艺术 现实生活不全是艺术。怎么说呢？艺术的形成是需要选择、需要取舍的，而不是纯粹地照搬自然。比如说沙子里面有金子，但沙子并非全是金子，要想获取金子必须经过提炼才能获得，而不是把沙子全部收藏起来。如果把金子比做艺术的话，那么沙子就是自然，我们要想获取金子，就必须要具备获取金子的工具，还要有筛选、分离、冶炼、提纯一整套技术。我们要掌握艺术就要具备获取艺术的工具和技术，达到技术熟练、精湛，知道怎么去选择，怎么去取舍，从而创造出更优秀的艺术。 艺术来源于生活 艺术中到处都体现着生活、体现着自然。艺术来源生活，生活来源自然。生活是千姿百态的，自然是变化无穷的，因此，艺术也是丰富多彩的。在书法中，王羲之的平和，如春暖花开，风和日丽；米芾的飘逸，如春风拂柳，婀娜多姿；颜真卿的粗犷，如彪形大汉，威猛魁悟；赵松雪的柔眉，如窈窕淑女，丰韵挺拔；弘一的空灵，如禅房入座，清新幽静等等，这些都是用自然、用生活来述说艺术家心灵的。 艺术高于生活 艺术来源于生活，却高于生活，艺术是生活的提炼、加工和再创造。艺术家从生活中提取有价值的、有意义的内容，运用到艺术中去，反过来又充实人们的生活，给人们带来新的享受。作为艺术的表现方法，决不是生搬硬套生活、或者重复生活，而是有取舍地提取生活中的精华。在这个提取过程中，由于每个人的生活的时代不同、内容的不同、环境不同、感受也不相同等等，所以产生的作品也不相同，正是这些不同，才能满足不同人的需要。人们站在不同的角度去看审视、品味作品，从中得到美的享受。 艺术来源于生活，而高于生活，他们相互依存，相互促进。自然、生活给艺术提供了肥沃的土壤，而艺术尽情地表现自然，表现生活，并使生活更加丰富多彩。我们在自然、生活中体验到花儿的开放、鸟儿的歌唱、江河的奔腾、高山的耸立，通过认知，产生感悟，花儿为谁开放？鸟儿为谁歌唱？江河为谁奔腾？高山为谁耸立？抒发我们对自然、生活的情感；把这些情感转换成其他的艺术形式，如书法、绘画、雕塑、音乐、舞蹈等等，使我们能更好地融合在自然中
从《兰竹图》，看郑燮高超的绘画技艺 《兰竹图》是“扬州八怪”中的奇才郑燮所作。 挥毫已写竹三竿，竹下还添几笔兰。 总为本源同七穆，欲修旧谱与君看。 这首《兰竹图》的题画诗，较早的，见录于中华书局上海编辑所于1962年编印的《郑板桥集》，而事隔近40年的今天，即在2000年朵云轩的秋拍现场，当《兰竹图》报出25万元的起拍价后，买家纷纷亮牌，各不相让，此图竟一路飚升至150万元落槌，创下境内书画市场中郑氏兰竹的最高价，震动海内外收藏界。 郑燮（公元1693-1765年），字克柔，号板桥，江苏兴化人，康熙秀才，雍正举人，乾隆进士，是一位有“三绝诗书画”之称的清代著名文学家和书画家。在绘画方面，郑燮擅长兰、竹、石，偶作梅、菊、松，作品数量和艺术成就以兰竹为最高。他的兰竹画轴和杂品，存世较多，流传较广，自清代以来，成为人争之宝。 《兰竹图》卷中有蒋士铨的题跋：“平生爱所南先生及陈古白画兰竹。既又见在涤子画石，或依法皴，或不依法皴，或整或碎，或完或不完。遂取意构成石势，然后以兰竹弥缝其间，虽学两家，而笔墨则一气也。”从这一题跋中可知，这幅画取法于郑所南、陈白阳和石涛，但却是“取其意之法而成为自成一体”。 兰竹图，纸本卷轴，以半边幅作一巨大的倾斜峭壁，有拔地顶天、横空出世之势；壁岩以皴染间施的笔法运筹，空白见平整，峰峻显倔巍，用笔用墨都恰到好处。峭壁上有数丛幽兰和几株箭竹，同根并蒂，相参而生，在碧空中迎风摇弋。虽然丛生于岩缝，但又不囿于岩壁；自有“竹劲兰芳性自然”，“飘飘远在碧云端”那种不为俗屈的活力。兰竹用焦墨挥毫，乱中求正，密中见疏，水墨斑斓，使其表现出欣欣向荣又独傲萧爽、清静秀逸的风格。画面提拔云：“饮牛四长兄，其劲如竹，其清如兰，其坚如石，行辈中无此人也。屡索予画，未有应之。乾隆五年九秋过予寓斋，回检家中旧幅奉赠。竹无干，兰叶偏，石势仄。恐不足当君子之意，他日当做好幅赎过耳”。以兰竹的自然特性比拟人的秉性情操，字里行间，包含着对友人的深情。题跋以隶书和行书相参共用，飘然有致，不仅起到了补叙画意和弥合画面空白的作用，而且给人以精美的书法艺术享受。整幅画面，较好地表现了画家所作兰竹的纯美意趣，以及把握整体，挥洒成章的作风。郑燮作过盆兰篱竹，但他犹其嗜好描绘“乱如蓬”的山中野兰。据说，他为此 曾自种兰花数十盆，常在三春之后将其移植到野石山阴之处，使其来年发箭成长，因而得山中兰“叶暖花酣气候浓”的贞美实质。郑燮爱赏竹，在题《竹》一文中，他写道：“余家有茅屋二间，南面种竹。夏日新篁初放，绿荫照人，置一小榻其中，甚凉适也。秋冬之际，取围屏骨子，断去两头，横安以为窗棂，用均薄洁白纸糊之。风和日暖，冻蝇触窗纸上，咚咚作小鼓声。于时一片竹影零乱，岂非天然图画乎！”因为郑燮画竹是经过了从“眼中之竹”，转化为“胸中之竹”，再倾注了画家的主观感受，借助于笔墨，挥洒于纸的“画中之竹。”所以，他的竹画自然就比生活中的竹子更美，更具有艺术魅力。郑燮曾说：“凡吾画竹，无所师承，多得于纸窗粉壁日光月影中耳。”他作兰竹，并不排斥传统技艺，相反，直接取法于石涛，并得益于徐渭、文与可等先辈的笔意。他认为，这种学习必须“略其迹”而“取其意”，有所取舍。满意请采纳
美术作品批评论文1000字怎么写
罗马雕刻家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外，还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。 历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。法国的安高莱姆教堂，康城的三圣教堂，德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻，都具有代表性。 罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化，各色各样轻巧玲陇的雕花图案和壁上的雕塑，都有助于加强宗教神秘的气氛。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等，都是哥特式教堂。而哥特式雕塑则基本上代表了中世纪保守落后的宗教艺术。 14世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。 从15世纪后半叶开始一直16世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。文艺复兴时期的雕刻，继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统，使雕刻艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕刻家，差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕刻大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。 西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛)，甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！
浅谈米勒及其作品《拾穗》① 于 博 (佳木斯大学美术学院，黑龙江佳木斯154007) [摘 要]让·弗朗索瓦·米勒，是法国近代绘画史上最受人民爱戴的画家。他那纯朴亲切的艺术语言，尤其被广 大法国农民所喜爱。他出身于农民世家，幼年时便显露出绘画的天才，受到老师的鼓励而立志学习绘画。本文简要 介绍了米勒的生平，并结合他所处的时代背景及生活经历，着重分析了其巅峰之作《拾穗》的艺术特色。作为现实主 义的代表画家，他在现代美术的发展中所做出的贡献，以及在绘画上所表现的大手笔、所揭示的劳动人民与乡土的 深刻感情，永远都是艺术宝库中的重要财富。 [关键词]米勒;拾穗;现实主义绘画 [中图分类号]J205 [文献标识码]A [文章编号]1007-9882(2008)04-0132-02 米勒(Jean Francois Millet 1814-1815)是19世纪法 国最杰出的以表现农民题材而著称的现实主义画家。 批评家朱里亚·卡莱德在他撰写的巨著《米勒艺术史》 中，指出米勒的作品刻画出他当时那个时代一般平民的 心理和思想，表现了近代思想，是位高贵而不朽的人性 画家。他的艺术一直在表现生活与感情，作画不仅是造 型的问题，更重要的是思想的传达，这是米勒艺术的精 髓，所以他的画思想集中，构图坚实，描写单纯化，而且 具有古典主义的象征性。在另一方面他的画可说是生 活与艺术的交流，他以对人生的感受，形之于绘画作品 中。 一 米勒是诺曼底人，1814年10月4日生于曼修县波 蒙镇格雷维尔教区的一个小村庄葛黎修。那是在科旦 旦的北方，以居民具有善良的天性与土地贫瘠著名。他 的家庭是到今天还保存法国贫穷人家的道德力量与高 尚思想的典型。米勒一家人的特征是:具有健康的身体 与精神，绝对纯洁的行为，强烈的宗教信念与真挚的心 灵。米勒的童年和青年时代都在农村度过，对农村生活 和在那里劳动的人们，有深刻的了解和深厚的感情，了 解他们的欢乐与痛苦，也分尝着他们的信仰和偏见。他 说过:“我生来只知道土地，所以将我在土地上劳动的所 见所感，都忠实表现出来。” 23岁时米勒到了巴黎师从于画家德拉罗什，画室里 的同学都瞧不起他，说他是“土气的山里人”。老师也看 不惯他，常斥责他:“你似乎全知道，但又全不知道。”他 也曾因他的“乡下佬模样”和质朴的画风被巴黎沙龙中 的某些同行冠以“森林中的野人”的绰号。这位乡下来 的年轻人实在厌恶巴黎，说这个城市简直就是杂乱荒芜 的大沙漠，只有卢浮宫才是艺术的“绿洲”。当他走进卢 浮宫的大厅时惊喜地说:“我好像不知不觉地来到一个 艺术王国，这里的一切使我的幻想变成了现实。”米勒在 巴黎贫困潦倒，亡妻的打击和穷困压得他透不过气来。 为了生存，他用素描去换鞋子穿，用油画去换床睡觉，还 曾为接生婆画招牌去换点钱，为了迎合资产者的感官刺 激，他还画过庸俗低级的裸女。有一次他听到人们议论 他说:“这就是那个除了画下流裸体、别的什么也不会画 的米勒。”这使他伤透了心。从此他下决心不再迎合任 何人了，坚决走自己的艺术道路。米勒住进农舍，创作 内容转向描绘农民的田间劳动和他们的家务活动。从 风格上看，已经抛弃了洛可可画风，这些都得到了贝尼 亚及卢梭等人的支持。在日后米勒经济方面出现困难 时，卢梭也伸出了援助之手，有的朋友还替他偿还债务， 他们一起抵制古典主义及宗教画，坚持如实地面向自然 界、如实地面向人生的立场。这些都对印象派的年轻一 代画家产生了重要的影响。在米勒笔下的农民，每幅作 品中不过三两个人，人物形象高大、严峻，画面宏伟、朴 素，颇具纪念碑的气势，使当时的资产阶级从中感到一 种潜在的威慑。 1849年巴黎流行黑热病，他携家迁居到巴黎郊区枫 丹白露附近的巴比松村，这时他已35岁。在巴比松村 他结识了科罗、卢梭、特罗容等画家，在这个穷困闭塞的 乡村，他一住就是27年之久。米勒对大自然和农村生 活有一种特殊的深厚感情，他早起晚归，上午在田间劳 动，下午就在不大通光的小屋子里作画，他的生活异常 困苦，但这并没有减弱他对艺术的酷爱和追求，他常常 由于没钱买颜料就自己制造木炭条画素描。他爱生活、 爱劳动、爱农民，他曾说过:“无论如何农民这个题材对 于我是最合适的。”他在巴比松的第一幅代表作品是《播 种者》。以后相继创作了《拾穗者》和《晚祷》等名作。 部分作品中的人物具有宗教感情。画风以质朴、凝重、 富有抒情气氛著称。他并不关心政治，不反抗资产阶 级，也没有改变社会的要求，甚至是逆来顺受。在作品 中，他只是如实地反映出劳动和劳动者的苦难，从痛楚、 折磨中去表现伤感的美。但直至晚年，他的作品才引起 人们的重视。 米勒与当时的社会上层阶层的隔离，更驱使他接近 以他唯一喉舌的民众。当时的法国美术依然像17世 纪，是贵族的专利品，根本没有于一般民众有所接触。 在这种情况下，米勒独自关心那些因工作忙碌而保持沉 默的大多数人的心声。米勒看到农村生活的艰苦，并深 入到农民的内心深处，和他们同呼吸共命运。但他也画 出农村生活的另一方面———充满希望和生命律动的温 馨光镜。透过他的大量素描和精炼的油画，我们清楚地 体认到米勒的真诚、淳朴，米勒的艺术语言含蓄而深沉， 饱含人生哲理。 二 《拾穗》是米勒最重要的代表作，也是现实主义绘画 的杰作。 《拾穗》所表现的是三位农村妇女，这三位农村妇女 穿者粗厚朴实的衣裙，正在收割后的麦田俯身拾取落在 田地上的麦穗。三位妇女的造型，正与远景隆起的麦草 堆和马车遥遥呼应，使画面产生一种律动美。右方妇女 的头与地平线交叉，主题与背景紧密地结合在一起。据 专家的研究，这三位拾穗的农家妇女，可能是祖母、母亲 和女儿。右方站得较高且一手扶着膝盖的是祖母;中间 的是母亲，她最耐劳苦，拾得麦穗最多，袋子装着重重的 麦穗垂在前方;左侧的是一位年轻的农家女，因此被推 测为这位母亲的女儿，戴着蓝色头巾，遮着颈部使她不 致被阳光晒黑，她俯身的动作很敏捷，右手拾起麦穗，又 马上由左手拿到背后，这种动作的姿态显得非常优美。 她们穿着粗布衣裙和沉重的旧鞋子，在她们身后是一望 无际的麦田，天空和隐约可见的劳动场面。米勒没有正 面描绘她们的面部，也没有作丝毫的美化，她们就如现 实中的农民一样默默地劳动着。在造型上，米勒用较明 显的轮廓使形象坚实有力，很好地表现了农民特有的气 质。色彩沉着，加之丰富细腻的暖调子，使作品在纯朴 浓厚浑厚中，具有撼人的力量。在秋收后的田野，到别 人的麦田里拾取落穗，是过去农村里常见的景象。米勒 的这幅画，1857年首次在巴黎的沙龙公开展览，后来被 珍藏在巴黎的卢浮宫美术馆。一百多年来，这幅名画一 直受到人们的喜爱。 罗曼·罗兰曾评论说:“米勒《拾穗》画中的三位农妇 是法国的三个女神”。 《拾穗》的艺术魅力首先在于对生活的真实描绘以 及隐含其中的社会批判意识。这幅画没有什么复杂的 情节，只是以写实的手法真实地刻画了三位普通的法国 农妇，她们弯着腰在收割后的麦地里捡拾被一落的麦 穗。画面上那衣着俭朴粗陋的农妇，在空旷平原的麦田 里默默拾穗，正是法国乡村生活的缩影与社会现实的写 照。作品无声地倾诉着农民的贫困与饥苦，焦虑与哀 愁，隐含着强烈的社会批判意识。 其次，《拾穗》的艺术魅力还在于通过刻画劳动的 美，表现出一种淳朴自然的情感。米勒以深厚的生活基 础，用坚实而凝练的笔调描绘出法国农妇朴实、勤劳、诚 挚的品格。不事夸张但充满内力的人物动作，不加粉饰 但十分含蓄的乡间情景，饱蕴着一种宁静的生活意趣。 《拾穗》的艺术魅力还在于其绘画语言的凝练与厚 重，浑朴与自然。三位法国农妇的形体是以雕塑般的手 法刻画的，尽管没有细腻和精微的局部表现，可是一切 精神与情感都显现于这整体的粗犷美中。 米勒的一位艺术辩护人朱理·卡斯塔奈里曾这样来 描述这幅画:“现代艺术家相信一个在光天化日下的乞 丐的确比坐在宝座上的国王还要美;……当远处主人满 载麦子的大车在重压下呻吟时，我看到三个弯腰的农妇 正在收获过的田里捡拾落穗，这比见到一个圣者殉难还 要痛苦地抓住我的心灵。这幅油画，使人产生可怕的忧 虑。它不象库尔贝的某些画那样，成为激昂的政治演说 或者社会论文，它是一件艺术品，非常之美而单纯，独立 于议论之外。它的主题非常动人，精确;但画得那样坦 率，使它高出于一般党派争论之上，从而无需撒谎，也无 需使用夸张手法，就表现出了那真实而伟大的自然篇 章，犹如荷马和维吉尔的诗篇。” 从这幅画和他的许多以农民生活为题材的绘画中， 我们可以看出他对农民生活的深刻认识以及对田园生 活的热爱。他把一些平凡的景物，描绘得深刻而突出。 他试图把我们引入土地的深处，在开阔而又静穆的景观 中去感受她的沉重与充实，倾听她深沉宁静的呼吸，体 会她朴实顽强的生命，体会土地与土地上的农民自然般 运行的命运。米勒在艺术上的诚实表现，形成他的独特 性，使他的作品，永远能够打动人们的心怀。 [参 考 文 献] [1]中央美术学院美术史系外国美术史教研室外国美 术简史[M]北京:高等教育出版社，207- [2]何政广米勒———爱与田园的画家[M]石家庄:河北 教育出版社， [3]马波世界艺术大师图文馆———米勒[M]长春:时代 文艺出版社，
弗雷德里克·莱顿（ Frederic Leighton ， 1830——1896 ）是 19 世纪末英国最有声望的学院派画家，他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响，成了英国皇家学院派的代名词。不像 19 世纪大部分画家那样，莱顿并没有在皇家艺术学院学习，他在布鲁塞尔、巴黎、法兰克福接受绘画训练， 1852 年他搬到罗马居住，古典艺术给了他很大影响。 1855 年，他回到英国，他的作品 Cimabue's Madonna 展出并被维多利亚女王购买，这是他事业的转折。 1878 年，莱顿当选为（英国）皇家艺术学院院长。 1896 年受封为男爵。他是英国唯一获此殊荣的画家。他于同年去世。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《缠毛线》 1878年 弗雷德里克·莱顿 英国 3cm×3cm 布 油彩 悉尼 新南威尔士美术馆藏 画家沿用古典绘画法则，以学院派绘画的严谨，描绘了缠毛线的母女。年轻的母亲坐在凳子上，姿态优美地绕着毛线，衣裙的表现呈现古典风格；小女孩全神专注地配合着母亲，扭动着身体，一幅稚气。莱顿以古典手法去表现生活，因而使作品有呆板僵化之感，并且流露出缺少真实情感表现的缺陷。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《阅读》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 2×1cm 布 油彩 利物浦 萨德利艺术博物馆藏 这是一幅富于情节性的肖像画，一少女盘腿坐于地摊上，认真、专心地在阅读画册。女孩身着的浅黄色衣裙极富质感，与深色的背景形成对比，更衬托出女孩的专注神情。女孩面容娇好，纯洁严肃，显示出较好的教养。整个画面体现出一种学院派的严谨与优雅。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《炽热的六月》 弗雷德里克·莱顿 这幅画模特 Dorothy Dene 自 80 年代（十九世纪）中期之后成为莱顿许多作品的灵感来源。独特的视角，加上模特身体优美的弯曲（拉斐尔的许多作品因此而成功，评论家把这称为女性身体的韵律）使这幅画与众不同。艳丽的色彩也使这幅作品格外抢眼。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《海边的希腊少女》 弗雷德里克·莱顿 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《陶醉》 弗雷德里克·莱顿 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《音乐课》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 8cm×1cm 布 油彩 伦敦市政厅美术馆藏 莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着六弦琴。这只是一幕普通的音乐课情景，却被画家描绘得极富美感韵味。女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，显得十分可爱。衣服、面部及背景的描绘，都体现出学院派画风，但是这幅作品却有着内在的充实。
你选的是那个 我也要写这个
美术作品欣赏论文1000字内容
欣赏《蒙娜丽莎的微笑》有感“蒙娜丽莎她是谁，她是否也曾为爱寻觅好几回，她的微笑那么神秘那么美。”曾经风靡一时的歌声，我们都已经淡淡的忘记，现在想起那个微笑，是否你还会去疑惑这中间的迷，是和蔼可亲的温婉的微笑，是多愁善感的伤感的微笑，还是内在快乐的标志？《蒙娜丽莎的微笑》这幅名画，又称为“微笑”。画中的蒙娜丽莎确有其人。她是佛罗伦萨一位富有的女市民。达芬奇刚开始为她画像时，她年仅二十四岁。据说，在此前不久，蒙娜丽莎心爱的女儿刚刚夭折，因此她整天闷闷不乐。为了唤起模特儿发自内心的微笑，画家一边为她画像，一边请人在她身边奏乐，如此这般千方百计引出了这位美人的一刹那的微笑，仿佛稍纵即逝。你看：蒙娜丽莎嘴角微皱，眉宇舒展，脸部则显示出了刚可察觉的微笑。这微笑似乎是从脸上掠过似的，既显示了她内心的激动，又没有失去安详的表情，显露了人物内心深处微妙的心理活动，引人遐想，令人神往。蒙娜丽莎微笑的神秘之处在于：当你注视她的笑容时，先是看到微笑，既而似乎隐去，然后微笑重新出现，过一会儿再次神秘地隐去。 蒙娜丽莎的微笑，有时候让你觉得温文尔雅令人陶醉；有时仿佛内涵哀愁似显凄楚；有时候又略呈讽刺之状，虽则美丽动人却又有点不可接近。这种朦胧又若隐若现的感觉，就是一种艺术吧。
美术的主要特征是什么：美术是造型艺术中最重要的部分，感知方式上是属于视觉的，在存在方式上要占有一定的空间，因此具有造型性视觉性和空间性 。造型性（塑形，但，不能因此而认为美术只能反映生活的外在现象，对于反映内在的本质，精神，心理等就无能为力。美术作品可以通过艺术形象的外部牲，表现内在的精神，思想，情感和意义等。） 静止性（是静止的，不同于某些艺术种类所创造的可视的活动图像。） 美术的主要类型：绘画（以线条，色彩，块面等造型手段，塑造具有一定内涵意味的平面礼堂的艺术样式。使用的物质材料和技法的不同，分为许多品种，其中主要的是油画，水墨画，版画，水彩画，水粉画，壁画，素描等。油画具有极高的表现力，创造了辉煌成果，对世界绘画的发展也产生了极大影响。油画色彩丰富，能体现色调层次，光线，质感和空间感，能真实生动的描绘一切有形事物。水墨画主要使用墨和水质，中国画是其代表，因此中国画也经常成为水墨画的同义词。主要用线条勾画形象，十分重视笔墨技法，采取散点透视的观察与表现方式，形象创造和画面构图有更大的自由度。因侧重点不同，形成工笔画和写意画。版画是通过制版来印制作品的一种绘画样式。有木刻，铜版，石版，麻胶版，丝网版等。壁画是指绘制在内外墙壁和天顶上的作品。它的制作手段多种多样，除了一般描绘 之外，还有镶嵌，拼贴，雕刻，陶瓷工艺以及综合手段等等。） 雕塑（雕塑是最有实体感的造型艺术类型，雕塑的题材，只适合于可以通过表态形态来表现的内容。从长期的来看，雕塑主要是表现人，特别是人体，有时也可以动物为题材。雕塑形象具有单纯性。还注重发挥材质的审美作用，表现形式上由于实际深度的不同，分为圆雕和浮雕两种类型） 工艺美术（传统工艺美术有陶瓷工艺，金属工艺，竹木工艺，纺织工艺，印染工艺，玻璃工艺，漆器工艺，服饰工艺和石雕，玉雕，骨雕等等。） 现代工艺设计（一方面满足人们对于新的物质产品的需求，同时也使众机械化生产的产品缺乏美感，只须使 工业技术和美术设计结合起来，才能生产出在市场上更受欢迎的产品，同时满足人们对于物质和精神两方面的需要。） 素描的概念（素描是一切造型艺术的基础，是造型艺术中的一门基础学科。） 学习素描为建筑设计，室内设计，装饰设计，规划设计，园林设计，工业造型设计等专业打下了基础。造型艺术的核心是形与色。其中形为主导，色是表达的语言，说明形的因素很重要，列形的色在造型中是无意义的。素描作为造型艺术的一门基础学科，最重要的是培养正确的观察，分析，综合分析，并把它生动，形象的表现出来的能力。 素描的种类（根据绘画工具的不同分类 根据绘画内容的不同分类 根据造型 方法或表现方法的不同分类（结构素描线的粗细，浓淡，虚实，长短，曲直，刚柔，疏密的变化来表现对象的开头，结构，体积，质感空间等变化）明暗素描（通过明暗调子的深浅，虚实，强弱等多种对比和变化的手法来表现和塑对象立体感，空间感质感和光感等。）） 素描的工具：铅笔，能表现丰富细腻的层次，调子色域宽，固定，而且又易擦拭，修改，也能大笔涂抹。 纸：质地分软，硬，粗，细，厚，薄这分。 橡皮：“擦，打，扫，贴，润，提，画”。 画板：大，中小多种型号，初学者用中号画板60cm#45cm最为适宜。 素描基本术语：（形体 结构 轮廓 明暗 空间感，体积感和质量感） 作画的基本步骤与方法：落笔之前 构图起稿 大体明暗 深入刻画 整体调整 静物写生应注意： 如何摆静物。静物在内容上要尽可能协调，合理。如木工的工具和水果茶具不协调。 形体上要有对比。 物体的造型要鲜明，有主有次。物体的色彩应有差异。一组静物必须考虑具有黑，白，所作的事三大明暗层次，同时也要注意它们相互间的轻重分量和位置的搭配。物体质地应有差异。摆放静物时，应考虑到不同质感物体组合在一起形成的对比，如软与硬，厚与薄，光滑与粗糙以及的轻重对比等。 静物写生的基本步骤：选择写生的最佳角度。 具备了和谐的构图，大致正确的形体造型后，把整体的明暗块面作概括的 表示。然后，把静物色彩的黑白灰关系比较一下，按转折的层次在形体中表现出来。这一步也恰 好是画水粉静物时涂大色块。从主体的前景开始，深入具体地象。由于有了初步的色彩明度，现在的重点应是体明暗色调的变化，使其进一步充实起灭，造型更加完整 。盘中的水果具有丰富的中间色彩层次，要注意归纳，概括，使其层次分明，具有立体感。同时要考虑与后面的陶罐，背景布的关系，要把它们之间的距离拉开。 速写的目的是培养画者敏锐的观察力和艺术概括的表现能力，用精练，简洁的笔墨捕捉物体的内在精神。速写是素描的一部分，二者不可侵害，又不能相互代替，它们各有特点，互相促进。 速写可分为速写和习作性速写两种。速写是为积累素材进行的速写，其目的不以提高基本功为主。习作性速写由慢到愉，由静到动，由浅到深，由简到繁，循序渐进的练习方式，反复多次的训练，提高敏锐的观察力和动手能力。 速写的基本要求：速写时面对繁杂的事物，画什么，怎么画，要求画者要精心观察，心中有数。根据自己感受，抓信对象的主要牲，做到胸有成竹地下笔。速写由于时间短，不能把对象作细致的刻画，因而用笔力求洗练概括，自如浏，生动准确。。作画时不能只顾用笔的酒脱，而不顾内容的表现，把线条的作唯一的目的去追求。否则，会导致速写的公式化， 缺乏准确性，真实性。 准确性在速写中一般不作严格要求，由于时间和环境的因素，能与对着物体精描细绘的素描要求相一致。过于强求速写的准确性，势必会产生用笔刻板，生涩，失去其轻松，流畅的韵律。 默写和记忆：默写记忆训练对增强速写的能力，对素描的理解及想象能力大有帮助。在平时的训练当中，只要做到持之以恒，必有收获。 构图：广义的构图指全部过程，即从构思到作品完成的立意。所形成的一种含有画面组合，构成关系，其中包括了作者的思想，感情等一毓艺术活动在画面表现上的体现。狭义的构图即是指置拜布势，经营位置而言，强调的是一幅画的。 美术构图类型：以线性分类的构图，垂直线，水平线，斜线和s曲线 以形分类的构图形态 十字形，L字形和三角形，圆形。 怎样把握美术构图的主次关系：主要形象除战友有重要的位置之外，往往分量较重色，色彩较为鲜明，笔触，结构较为严谨，姿态，气势较为突出。
弗雷德里克·莱顿（ Frederic Leighton ， 1830——1896 ）是 19 世纪末英国最有声望的学院派画家，他辉煌的艺术光芒甚至冲淡了雷诺兹的影响，成了英国皇家学院派的代名词。不像 19 世纪大部分画家那样，莱顿并没有在皇家艺术学院学习，他在布鲁塞尔、巴黎、法兰克福接受绘画训练， 1852 年他搬到罗马居住，古典艺术给了他很大影响。 1855 年，他回到英国，他的作品 Cimabue's Madonna 展出并被维多利亚女王购买，这是他事业的转折。 1878 年，莱顿当选为（英国）皇家艺术学院院长。 1896 年受封为男爵。他是英国唯一获此殊荣的画家。他于同年去世。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《缠毛线》 1878年 弗雷德里克·莱顿 英国 3cm×3cm 布 油彩 悉尼 新南威尔士美术馆藏 画家沿用古典绘画法则，以学院派绘画的严谨，描绘了缠毛线的母女。年轻的母亲坐在凳子上，姿态优美地绕着毛线，衣裙的表现呈现古典风格；小女孩全神专注地配合着母亲，扭动着身体，一幅稚气。莱顿以古典手法去表现生活，因而使作品有呆板僵化之感，并且流露出缺少真实情感表现的缺陷。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《阅读》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 2×1cm 布 油彩 利物浦 萨德利艺术博物馆藏 这是一幅富于情节性的肖像画，一少女盘腿坐于地摊上，认真、专心地在阅读画册。女孩身着的浅黄色衣裙极富质感，与深色的背景形成对比，更衬托出女孩的专注神情。女孩面容娇好，纯洁严肃，显示出较好的教养。整个画面体现出一种学院派的严谨与优雅。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《炽热的六月》 弗雷德里克·莱顿 这幅画模特 Dorothy Dene 自 80 年代（十九世纪）中期之后成为莱顿许多作品的灵感来源。独特的视角，加上模特身体优美的弯曲（拉斐尔的许多作品因此而成功，评论家把这称为女性身体的韵律）使这幅画与众不同。艳丽的色彩也使这幅作品格外抢眼。 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《海边的希腊少女》 弗雷德里克·莱顿 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《陶醉》 弗雷德里克·莱顿 %%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%%% 《音乐课》 1877年 弗雷德里克·莱顿 英国 8cm×1cm 布 油彩 伦敦市政厅美术馆藏 莱顿以学院派极其严谨的态度描绘了音乐课的情景。女教师微微俯身帮助女孩调试琴弦，女孩则依在女教师胸前弹拨着六弦琴。这只是一幕普通的音乐课情景，却被画家描绘得极富美感韵味。女教师面庞秀美清丽，身着长裙，花纹、质地被画家描绘得十分逼真；小女孩则被描绘得天真烂漫，纯真无邪，表情认真，显得十分可爱。衣服、面部及背景的描绘，都体现出学院派画风，但是这幅作品却有着内在的充实。