其他论文发表与艺术创作
体验生活，从生活中来，对于生活中某一件事情给与你的突如其来的灵感，加以捕捉，创造，再用艺术的手段表现出来。题目可以：从生活中来，到生活中去，(*^__^*) 嘻嘻……，很平实吧！
英国美学家克莱夫贝尔说：“艺术是有意味的形式”。从古希腊、文艺复兴时期的作品中，我们可以很明确地看到，写实性的风格是占了绝对的优势的：无论是从数量上，还是从质量上。著名雕塑大师罗丹就多次表示：艺术家应该抄录自然。抄录自然，简而言之就是写实，是对自然的再现。艺术要反映客观世界的真实性，就是说，艺术品中所表达的形象要符合它所反映的客观事物的实际，符合它所反映的社会生活实际。对于一般的写实作品来说，再现的真实是基本要求和基本特征。但写实有来自于各方面的限制性。在写实上首先要处理的就是来自于风格的限制。风格又分为时代的风格、个人的风格。同一时代的作品总是有一个相关联的风格。古埃及公式化的绘图方式是时代性的风格，波斯细密画在一定阶段有意识地忽视透视法则的绘画方式，也是时代的风格化的体现。生产方式和生产力水平是相适应的，不同时代各有不同的时代性风格。这就在写实的道路上给艺术家们划定了一个范围。“心理定向”的存在，使艺术家们具有了各自不同的关注焦点。在艺术创作这个过程中，艺术家们不是在表现他所看到的东西，而是在看他所能表达的东西。艺术家在创作中所表达出来的不同的要点，正是他们的风格之所在。与此同时，技法也限制了写实。毕加索说：“我在他们这个年纪时就能画得像拉菲尔一样好，但我却花了终生的时间去学习如何画得像这些孩子一样。”但事实上儿童画为何不能被称为是优秀的艺术作品呢？儿童受限于艺术语言的学习。他们无论有再敏感的内心，但还是没有没有过硬的表达技巧。正是因为这个原因，他们的作品不能，也不可能被看作是优秀的写实作品。写实之路充满了主观方面的种种阻碍。在当代艺术的语境里，写实好像已经变得无足轻重了，这样的时代风格是不是也是作为写实的限制性的一种新的应对方式。事实上，我所理解的再现的真实并非是表现出视网上的所见，而是如罗丹所说：“通过表达外在形像，体现内在真实。”也就这才是对应写实的限制性的行之有效的方案。（1）艺术用形象反映世界，艺术与哲学等其他社会意识形态的根本不同，最基本的一点就是它的具体可感的形象性。一切文学艺术作品都具有一定的形象性，可以说，形象性是文学艺术区别于其他社会意识形态的基本特征。如读李白诗，观庐山画。李白诗，庐山画都是艺术，而这些艺术是通过形象去反映认识庐山的。有些理论文章，理论著作也有形象的成分，有丰富的形象语言，如《欧也妮。葛朗台》是通过塑造一个个活生生的人物形象，揭示资本主义社会虚伪的家庭关系的。来看看葛朗台临死时的表现：“本区的教士来给他做临终法事的时候，十字架，烛台，和银镶的圣水壶一出现，似乎已经死去了几小时的眼睛立刻复活了，目不转睛的瞧着那些法器，他的肉瘤也最后的动了一动。神甫把镀金的十字架送到他的唇边，给他亲吻基督的圣像，他却做了一个骇人的姿势想把十字架抓在手里，这一下最后的努力送了他的命。”他至死都在想着占有别人的财富。总之，没有形象，就没有艺术，失掉形象性这一基本特征的作品，也不能称作文艺作品。（2）艺术形象是感性与理性的统一。米开朗基罗的《大卫》和《奴隶》，莎士比亚的《哈姆雷特》、贝多芬的《英雄交响曲》等等，都是以生动的感性形式表现出深刻的理性内容。（3），艺术形象是客观与主观的统一。罗中立运用照相写实主义手法创作的《父亲》，表面上看起来似乎是完全客观的再现，非常注重细节的逼真。但观众站在这幅画前被强烈地感染和震撼了，他们体会到，在这一客观地再现的艺术形象里面，恰恰表现了作者强烈的情感和主观态度，以及他对现实的认识和理想。 （4），艺术形象是内容与形式的统一（5），艺术形象是个性与共性的统一。艺术创造艺术美。比起现实美来，艺术美则是比较鲜明，比较集中，比较完全，比较充分。比如郑板桥的《竹》，其作品的美虽根源于现实中竹子的美，却不是现实的机械反映，而是他对现实审美认识的表现。他在一篇“题画”中写道：“江馆清秋，晨起看竹，烟光日影露气，皆浮动于疏枝密叶之间。胸中勃勃遂有画意。其实胸中之竹，并不是眼中之竹也。因而磨墨展纸，手中之竹又不是胸中之竹也。”郑板桥在这里提出了四种竹子：园中之竹，这是现实中的竹子；“眼中之竹”，是画家所直接看到、观察到的竹子，虽经过眼球的改造，但改造不大，基本上是现实的忠实反映；“胸中之竹”则是经过画家头脑改造而形成的审美意象，这意象由于主体审美认识时的精神作用而使现实美得到强化、集中化、概括化或典型化，同时也渗透进画家的思想情感和审美理想；“手中之竹”即是完成了的作品。画家在用笔墨纸张传达表现其审美意象即“胸中之竹”时，舍去了一切与美无关或关系不大的枝节，使意象中的美又一次得到强化和改造。于是“手中之竹”的美比起园中之竹的美，更为鲜明和完满，因此是更高一个等级的美。启发：情感是人类喜怒哀乐等心理形式，它反映人对世界的对象和现象的主观态度，情感是在一
艺术创作性的典型性分析论文
摘要： 创作性典型性过程的意义，就在于要把艺术家在意识形态上“对世界的感受”的内容、他对生活的直接的、意识形态上的认识的内容，加以系统化。艺术家性格的艺术典型化的全部特点，包括在描写中将某些方面提高到最重要地位，人物个性化的程度，性格结构中夸张与幻想的作用等，这一切都取决于一个艺术家在意识形态上“对世界的感受”如何，在他的创作内容里哪种思想倾向居于主导地位。
关键词： 创作性；典型性；艺术家
艺术家在开始创造一个作品的时候，是用表现思维的，只是随着创作过程的逐渐深化和趋于复杂，表象才变为形象。而艺术形象的特点，是艺术创作过程本身的特点造成的。那么艺术从哪里开始的呢？似乎可以这样说：为了把某种社会特性在对直接的、意识形态上的理解与评价中再现出来而使用的某种手段和材料开始形成之时，艺术便开始了。艺术，按其本性来说，乃是在意识形态上认识生活的一个特殊部门，它有助于个人在社会生活的历史地具体的条件下内在地确定其在生活和社会中的地位，并不断开辟其所特有的认识与评价现实的原则，以此丰富全人类的精神（包括审美方面的）文明。与此同时，艺术又逐渐在俞来俞大的程度上成为积累有关人类社会生活客观规律的知识的一个特殊部门。然而艺术始终是通过其特殊途径作到这一点的，在这方面，它也不同于科学。艺术反映现实规律的特殊途径是怎样的？它能够反映的又是哪些规律呢？不言而喻，这是那些为艺术的特殊对象本身——生活的社会特性所固有的规律。这是人们性格的内在规律，这种规律是由一定国家在一定历史时代的历史地具体生活条件下的社会关系创造的。而艺术反映这类规律的途径，则是在意识形态上去理解和评价生活的特征，在对于有代表性的事物从意识形态上加以认识中间把它创造性地再现出来。艺术的概括可以说是通过个性来认识共性的；在艺术中，个性一般都是展示共性的，不管这“共性”本身以何种程度的历史具体性被认清，也不管在这“共性”中，“特殊性”——即其民族、时代、社会的特点能够被认识到何种程度。在艺术家开始再现生活的外在过程之前，在他的意识中便产生了另外一个过程，即把有代表性的事物再现出来的内在过程。这个内在过程的意义，就在于要把艺术家在意识形态上“对世界的感受”的内容、他对生活直接的、意识形态上认识的内容，加以系统化。这种系统化具有特殊性，正如艺术作品本身具有特殊性一样。它是对于生活特性的创造性的典型化。
典型性也就是高度的代表性。在实际生活中，这种典型性存在于一种可以说是稀释了的、冲淡的、分散的状态中。它在这里一般缺乏内在的连贯性和外观的完满性。并且，生活的本质性特点本身也不是千篇一律的'，不是一成不变的。它们的内部是充满矛盾、变化不已的。它们的各个方面和各种倾向不断发展，从一个方面朝另一个方面转化。实际生活的实质就是不断变化的各种相互关系的盘根节错。而且，它的内在连贯性与外观的完满性还经常被外界的不相干的力量所干扰。艺术在生活中寻求高级的代表性，寻求典型性，为此，它把仿佛分散在生活之中的典型的事物加以综合，赋予它们以更大的内在连贯性与外观的完满性。因此，从这个角度来看，艺术家的任务就是要把纷然杂陈于一个个生活现象中的典型的事物收集起来，联结起来，仿佛把它们加以浓缩和集中，由此创造出形象，这些形象较之作为它们的出发点和基础的一切生活现象更典型、典型性更完善。关于这个问题，许多艺术理论家们和艺术家本身有过很多正确而令人信服的论述。例如，高尔基在他的文章里提出：（注①）“像上面列举的这样一些人在生活里是没有的；过去和现在存在着的只是和他们类似的人物，这些人物比他们要渺小得多和零碎得多，而语言艺术家们却从他们这些渺小的人物中想出了‘虚构’了经过概括的人的‘典型’——普遍的典型。”艺术家为了说明创造性典型性的过程，常常使用“夸张”这个概念。然而要有一个条件，就是要把“夸张”的含义理解为把有代表性的东西提高到更高级的质的过程，而不是从量上加以扩大的意思。从量的方面加以夸张，这仅仅是创造性典型化的一种外在手段。这种对于有代表性的事物的创造性典型化过程，早已被公认为在艺术中反映生活的基本原则和为艺术所独具的原则。对于有代表性的事物加以创造性的典型化——这就是把在意识形态上对“世界的感受”的内容，直接的、在意识形态上对生活的认识的内容以一种独具一格的、特有的方式加以系统化，其目的是在艺术作品中把这种内容的普遍意义展示出来。当艺术家在自己的想象中把现实现象的最富代表性的属性挑选出来，把代表性较差、甚至遮掩其本质的其他属性放弃掉，又靠自己的想象加进新的、有更大代表性的特征，并把这一切综合与为此而创造的人、事件、感受的虚构的个别性之中。但是，艺术家在意识形态上对“世界的感受”的内容，他的直接的、在意识形态上对生活的认识的内容，不仅包括对象的反映，生活中有代表性事物的反映，而且还包括从感情上对它的评价。把直接的、在意识形态上认识的对象在艺术作品中加以再现，就是为了表现对认识的对象在感情上的理解。因此，在生活的创造性典型中还有另一个方面——通过生活中有代表性事物的经过改变的个体的属性和特征，把对于被典型化的生活中有代表性的事物的感情上的评价表现出来。
艺术家从思想上和感情上领会现实，还使具有代表性的事物的创造性典型化过程获得了另一个重要方面，创造性的典型化给艺术打开一个新天地，使艺术能够加深在其对象的认识。在艺术家所创造的新的、经过改造的个体中，艺术家所认识的生活中那些社会特征，他从意识形态角度发生兴趣的那些方面、因素或倾向，会得到特别鲜明、有力而又首尾一贯的体现。当艺术家遵循这条道路前进时，他便能够在被认识的生活特征中猜测到其内在的可能性，并在对它们的感情态度中把这种可能性加以发展。例如，当作家展示自己对于人物的意识形态上的理解时，便把人物置于往往是虚构的境池中，这时，他能够有力地揭示出人物的这样一些属性，使他们作出这样一些行动、表现这样一些思想和体验这样一些感情，这一切，在现实生活中这种类型人身上都表现得不特别明显、不特别强烈。在生活中，这一切都作为一些潜在的可能性隐藏在被认识的社会性格的深处，反映着他们的生活的某些倾向。在社会性格的艺术典型化中，对这些性格的一定方面从认识上和创作上加以发展的原则，是世界艺术最伟大作品的基础。在莎士比亚和狄更斯、巴尔扎克和果戈里的作品中，在伦勃朗、戈雅的绘画中，特别完美地运用了这个原则。又例如,还有这种情况：艺术家同他所描写的那些人物的院校处于某种私人关系之中。有时他又把自己本人当作某些人物的原型。他还可以把自己个人生活中的内心感受里有代表性的事物作为创造性再现的对象。这一切都不可避免地在他对生活中有社会代表性事物的感情认识上打下艺术家个人好恶的印记。因此，在创造新的、经过改造的个性，从其中排除偶然性和外来性因素时，艺术家也使自己在意识形态上对生活中有代表性的事物的理解和感情态度摆脱个人的偏颇。在对艺术对象进行创造性典型化的过程，艺术家的主体本身摆脱生活中经验性的偶然因素，在其意识形态规律中表现出来，从而获得普遍意义。但是艺术家虽然使自己在感情上对生活的领会摆脱个人的兴趣与好恶，但就在客服它们的过程中，在自己的意识形态性思维过程以及对有代表性的典型化过程中，他无疑依然保持着自己独一无二的创造个性，并在其作品上留下自己的印记。正是由于自己的个人禀赋，艺术家才能够即在对生活作概括认识的方面、也在创造活动本身中间如此深刻地反映他所认识的性格，如此完美地把它们再现出来，以致使他的作品能够成为对本国乃至世界艺术历史的杰出贡献。
生活的社会特性乃是共性与个性两者平衡的相互渗透的统一性。在典型化过程中，艺术家对有代表性的事物加以改造。这里，由于自己意识形态思维的一定特点，艺术家会这样或那样地破坏某种生活特性中共性与个性的这种平衡和相互渗透。这时会发生两种可能，倘使艺术家在意识形态上“对世界的感受”受到他的意识形态理论，他的宗教的、道德的、政治的和法律观念的很大影响，而这些观念又有很大的历史抽象性，那么这种影响就不能不在他的创作过程中反映出来。在这种情况下，当艺术家把有代表性的事物加以典型化时，他就会或多或少表露出要把个性融化到共性，融化到社会的属的东西中去的倾向，使共性丧失其表现欲个性之中的那种不可分割的具体性，从而使之贫乏化。这样，艺术中典型的事物本身便会在某种程度上带有理性主义的、感情上的抽象的特点。但是艺术家也会陷入另一种相反的极端。在把有代表性的事物加以典型化的过程中，他可能会不自觉地把个性提到首位，但他这样做不是使共性更加清楚、更加深刻地显现出来、而是以个性掩盖了共性。这样一来，他的艺术慨括就在或大或小的程度上变成经验主义的了。这时，他把力量集中于没有根据的和不必要的偶然性事物上，而这些事物并不能揭示生活的本质性特点，反而使人们离这些特点更远。可以把这称作有代表性事物的创造性典型化中的自然主义倾向。这种倾向通常发生于下述情况，即当艺术家“对世界的感受”在意识形态上不够成熟、不够明确和尚未定性，当艺术家缺乏积极而稳定的世界观，当他所接受的意识形态观点并未深入到他的创作意识之时。
换而言之，当艺术家在自己的作品中把“有代表性的事物”提高到最高程度——“典型事物”的程度时，他之所以如此作，并不是由于理应如此，或依照自古以来的准则，而首先是由于他是要通过这种作法来表达自己对于有代表性的事物在意识形态上的理解和评价。因此，性格的艺术典型化的全部特点，包括在描写中将某些方面提高到最重要地位，人物个性化的程度，性格结构中夸张与幻想的作用等，这一切都取决于一个艺术家在意识形态上“对世界的感受”如何，在他的创作内容里哪种思想倾向居于主导地位。综上所述，可以看到，在表现对有代表性的事物的思想上的认识和评价的过程中，对有代表性的事物加以富有表现力的、创造性的典型化，确实是艺术创作的一个普遍原则，是艺术的通用“法则”。至于典型化本身的原则与手法，在社会发展的不同阶段和不同流派的艺术中，自然是各不相同、多种多样的。如果要找出有代表性事物的创造性典型化各种原则之间的重大差异，那就应该再一次把注意力引向艺术对象本身中在这方面所潜藏的那些可能性。
注释
①注：摘录高尔基：《谈谈我怎样学习写作》，见《论文学》，中译本，人民文学出版社1978年版，第162页。
参考文献
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谈谈艺术创作的过程 艺术创作是一个复杂的过程，可以分为艺术体验、艺术构思和艺术表现三个阶段。这三个阶段表现为连续的和不可分割的整体。 艺术体验，是艺术创作的准备阶段。它是创作主体在审美经验的基础上，充分调动情感、想象、联想等心理要素，对特定的审美对象进行审视、体味和理解的过程。通常情况下艺术体验包含三部分：材料的储备和审美经验的积累；审美发现和审美领悟的发生；创作欲望的萌动及动机的生成。艺术创作是我们对客观生活的主观认识和能动创造，是主客体的遇合和主客观的统一。只有积累了大量的生活素材，我们才能从中生发出独特的感受激发出强烈的感情，提炼出深刻的思想，创造出鲜活的形象，从而真实的放映生活的本质。在艺术创作过程中我们不是被动的而是主动的，社会生活是艺术创作的逻辑起点，我们要进行创作，就要深入生活，积累生活素材。如果没有生活的原材料，我们是不可能凭空加工，生产出艺术作品的。如元四家之冠的黄公望在年逾古稀之时，还常“云游在外”，以山川为师，随身带着纸笔，时时对景写生，长达数年之久，才创作出著名的《富春山居图》。石涛说：“搜尽奇峰打草稿也。”这些都是饱含创作艰辛的经验之谈画家达·芬奇认为艺术家应当“自然的儿子”，不要当“自然的孙子”，就是要直面生活在大自然之中，寻求创作的源泉，而不要与自然成“隔代”的间接关系。他为了创作《蒙娜丽莎》，表现那富有魅力的一笑，他运用解剖知识，研究笑的规律，还有大自然的微妙变化。在长期的感受与积累中，他终于从微风吹拂的流涟的湖水中受到了启发，创作了举世谜人的微笑，表现了高贵端庄的娴静之美。。 艺术构思，是指艺术创作者在艺术体验的基础上，以特定的创作动机为引导，通过各种心理活动和特定的艺术思维方式，对原始素材进行加工、提炼、组合，在头脑中形成艺术意象的过程。艺术意象是艺术创作者的审美情感与客观事物相融合的产物。它是艺术创作的中心环节和关键一步。在艺术构思中最重要的确定题材和主题。题材是主题的载体有了优秀的材料才可能更好的表达深刻的主题。主题是题材的灵魂。在创作中，这两者互动互进，辩证统一。确定了主题和题材后，还要提炼情节，更好的展示作品的内容，还要考虑用恰当的结构将他们构造成有机的艺术整体，提升作品的艺术水准。艺术构思的方法是多种多样的，有典型化 简约化 变形化 夸张化 陌生化。法国印象派大师莫奈，曾对一个稻草垛不惜花巨大的精力观察与研究，他根据朝、夕、明、晦、春、夏、秋、冬等不同光照时间进行反复地写生，研究不同的光色变化，终于创作了15幅不同色调的《稻草垛》。这一切都是“外师造化，中得心源”的结果。没有训练有素的眼力和灵敏的心灵，是无法创作出这微妙变化与差别的作品的，也无法去捕捉美丽的光和色。 艺术表现，是指艺术创作者选择并运用特定的艺术语言，将自己艺术构思中已经基本形成的艺术意象最终呈现为物态的存在，使之成为具体可感的艺术形象或艺术情境。它必须遵循形式服从内容和形式美的双重原则。脱离内容的艺术形式是没有价值的。艺术构思是“形之于心”，艺术表现则是“形之于手”。巧妙的构思不等于就有精美的作品。因为艺术构思是一个充满艰辛的心里运作过程。艺术表现则是更为坚辛的实际操作过程。艺术表现不仅是艺术构思的的实现过程也是艺术构思的深化 充实 修正和提高的延续过程。艺术技巧是 实现艺术构思的手段，在艺术表现中起者举足轻重的作用。 我们可从中领略绘画创作的甘苦与追求。正如宗白华先生所说：“人生有限，而艺境之求索与创造无涯。”愿我们以此来勉励自己，使每个人的艺术思维之花常开，纷芳留香。
论文发表与其他人一样
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论文其他作者不同意发表
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我觉得这种情况应该和导师好好商量一下，看看究竟是哪里的问题。
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发表论文及其他
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格式步骤写。1、没有论文或其他研究成果能容可以先写“题目”也就是标题。2、其次写作者姓名单位。3、然后写摘要内容解释，写完技巧后写总结完成后即可等待发表。
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