中国刀刻书画艺术研究院论文
篆刻是一门独特的艺术，有悠久的历史，是优秀的中国传统文化的有机组成部分，下面是由我整理的关于篆刻的学术论文，谢谢你的阅读。
浅谈清代篆刻艺术
摘要：篆刻艺术是一门独特的艺术，有悠久的历史，是优秀的中国传统文化的有机组成部分，体现“金石味”、以刀代笔、在仅有的“方寸天地”之内抒发文人的情怀、表现天地万物是篆刻艺术对人类文明的一大贡献。文章以清代篆刻艺术为研究对象，探讨清代篆刻艺术兴盛的原因和代表人物、作品及影响。
关键词：篆刻艺术;清代;代表人物
篆刻艺术，就是在金属、象牙、犀角、玉、石等材质上雕刻篆体文字的艺术。因以制作印章为主，故而又称印章艺术。虽然历代有隶书入印、图形入印、楷书入印等，但在历史的选择中均没有成为制印的主流，因其印面多用篆书体，所以习称篆刻。
一、篆刻艺术的发展历史
我国篆刻艺术博大精深、源远流长。自先秦古玺、秦汉印开始至今，出现了许多印人大家及风格流派。然就其整个发展过程来看，如同社会发展，是从无到有、从小到大，繁荣、衰落、繁荣的循环往复的历史过程。
(一)印章艺术的发展
自商代出现印章，在春秋战国时，因政治经济的发展，手工业逐渐发达，印章的用途也逐渐扩大。到秦汉，印章艺术进入第一个繁荣时期。由于国家的统一和政权组织的扩大，社会昌盛，官私印章的使用更为广泛，佩印成为普遍风气，从而促进印章工艺空前发展。印章的文字、形制也发生了重大转变。在印文书体上，由体势趋于平正端和的小篆、摹印篆代替了六国文字，布局均衡严谨和富有装饰，并形成了多样的因势布白手法和构图形式，线条挺劲浑厚，气势雄强，达到很高的艺术水准。秦汉时期还奠定了完整的官印制度。
(二)篆刻艺术的出现
魏晋时期的印章风格多受汉代影响，到了唐宋时，篆法开始衰微。魏晋以后因真行草书盛行，篆书脱离了实用功能，印篆中掺进了隶楷笔法，这种现象越到后来越严重，以致随意改动笔画，篆法错写比比皆是，所以，篆印艺术的衰微似乎也是历史使然。不过唐宋时期的书画艺术逐渐发展起来，开始把印章用于书画。文人士大夫官场不得志，或不满社会，消极厌世，或寄情于山林，致力诗文书画。印章因而也成了他们抒发闲情逸志、诉诸喜怒哀乐的“方寸天地”。特别是宋元以来的中国画越来越明显地趋向于“诗、书、画、印”四位一体的“文人画”形式，更加促进了篆刻艺术的发展。唐宋元是印章发展从实用向欣赏发展的过渡时期。
(三)篆刻艺术繁盛
我国真正的篆刻艺术是从明代兴起，文彭以汉印规范印学，推广石质篆刻材料，广收门徒，普及篆刻艺术。到了清代，篆刻艺术在形式和内涵上超越了前代，出现了万紫千红、派别林立、百家争鸣的局面。像皖派、浙派、邓派、吴派、赵派等众多的印学学派，造就了赵之谦、吴让之、邓石如、吴昌硕等一大批印坛巨匠，成就卓著。清代的印风一直支配和影响着中国印学的发展，对当今的篆刻家来说，仍有继承和借鉴之意义。
二、清代篆刻艺术兴起的原因
进入清代，在金石、文字学迅速复兴并推动书法界好古风气的同时，篆刻艺术也获得了极大的提高。大家为了深入研究、把握第一手实物资料，一时汉碑、汉印、金文款识等的收集、整理之风随之而起，这就大大推动了书法、篆刻艺术的繁盛，同时清朝时期相对安定的社会环境、繁荣的国内经济、清廷注重文化的政策，清代主流学术的影响，以及其它艺术对篆刻艺术的滋养均对篆刻艺术的繁盛起了重要作用。
(一)文字的影响
从乾隆朝开始，书法的发展异军突起，一批长于金石古刻的书家从帖学的包围中突围而出，举起了振兴篆隶的大旗。篆书和隶书在历史上都曾有过辉煌的年代，邓石如、钱坫、桂馥等，他们的成就可以说直接秦汉远在唐人之上了。在“帖学”之外为清代书法的发展另辟蹊径，篆书和书法的结合引起了清朝书法艺术的复兴，有了“篆隶中兴”的成功经验，书法界学习古碑刻的热情进一步高涨，在新书法形成的发展浪潮中，清朝的篆刻艺术也进入了一个全面振兴的新时代。篆刻离不开篆书，清代篆书的复兴，为篆刻艺术提供了必要的艺术载体和肥沃的生长土壤。
(二)金石学的影响
金石之学始于宋，它的任务是“研究中国历代金石之名义、形式、制度、沿革，以及所刻文字图像之体例、作风。清代金石学的兴盛对当时篆刻的发展也产生了重要影响，金石学还有玺印的研究在清朝这一形势下，治印者与学者们一样，也接触了大量金石文字，并在赏鉴、研究过程中触发了艺术的灵感，提高着印章的审美能力，并潜移默化地影响着他们的篆刻实践。金石学对古代印章的研究，加深了人们它的理解，也直接丰富、深化了篆刻艺术的各种风格，金石学中各门类的研究，扩大了篆刻艺术以资取法的范围，直接孕育了“印外求印”理论。从现象上看，清代著名篆刻家数量之多，成就之高在印史上都是空前的，而且他们常常是篆刻家、金石家、书法家、画家等双重甚至多重身份集于一身，也统一于一身。
(三)其它影响因素
清朝篆刻艺术的兴盛从更深的层次去探讨，与清朝的文化背景、政治质素有着千丝万缕的联系。首先，清王朝的建立，割断了明末诸贤所形成的浪漫书风，把偏离主线的书法革新局面重新扳回到中和体系上来。石质印材引入制印领域对篆刻艺术的发展也起到了推动作用。同时还有清代稳定的社会经济和文化生活的丰富、发展对篆刻艺术产生了需求。另外作为篆刻主体的制印者，他们在社会中的地位不断提到，文化层次的提高对篆刻艺术的发展也产生了一定的影响。
三、清代篆刻艺术代表人物、作品及影响
清代是篆刻艺术发展史上的又一座高峰，风格各异，流派独立，特别是在清代碑学盛行时，碑学家无不兼擅篆刻，可以说清代的碑学与篆刻学是相辅相成的。在清代，最有影响者当属浙派、邓派和黔山派。浙派为丁敬首创。以古玺和秦汉印为宗，有刚劲朴茂、雄健苍古之目。邓派亦称新皖派，以邓石如为代表。石如工四体书，“书自印出，印由书出”，推崇阴柔，以圆取胜，作品苍劲质朴，恢弘酣畅，洒脱清新，自成面目。对吴让之、赵之谦、吴昌硕等后学晚辈有较大影响。黔山派，为黄士陵所创。士陵早年学吴让之，取法古玺，于浙、皖两派之外另辟蹊径。布局峻峭，用刀凌厉，平洁光滑，静中见动，古雅秀美。承继者有黄石、李尹桑、乔大壮等。现着重介绍两个颇具代表性的派系―浙派和邓派。 (一)丁敬和浙派
浙派兴起于清代乾隆嘉庆年间，由丁敬创始，继起的有蒋仁、黄易、奚冈等人。四人篆刻风格较近，但又各具特色，蒋仁以朴拙取胜，黄易和奚冈则以秀逸著称。与陈豫钟、陈鸿寿、赵之琛、钱松继合称为“西冷八家”。“西冷八家”是浙派的代表，反映了国人对乡先贤的尊崇，因都是浙江杭州人，后人就把他们及效法他们艺术风格的印家，总称为“浙派”。浙派崇尚秦汉玺印，应用坚挺的切刀来表现秦汉风貌，以其古朴雄健的风格有别于柔美流畅的皖派诸家，所以有“皖派阴柔，浙派阳刚”的评论，浙派艺术支配清代印坛这一个多世纪，影响极深远。
丁敬远承何震，博采众长，不主一家。著有《武林金石录》、《砚林印谱》等，以“碎刀”为技法，千变万化，强调节奏起伏，锋颖明快，线条呈现轻重疾涩的变化，能有效的克服明人浮华的风气、纤巧的弊端。丁敬的篆法特点在于简洁工稳，自然平淡，不假华饰，达到脱尽豪华见真淳的境界。他的“两湖三竺万壑千岩”、“洗句亭”、“采菊东篱下”、“心无妄思”、“启淑私印”诸白文印，篆法逐渐删繁就简，参以隶法，简古平淡，尚率真而厌华巧，颇有高古含蓄、大智若愚之风度。如其中的“水”字旁，多参用隶书写法，“无”字写法则完全借用隶书结体，“启”字则参用简体字。尤令人惊异的是，丁敬在五十五岁时为其诗友大恒和尚所刻祝寿印，以佛教的一个吉祥标志“�”来代“万”字，此符号本梵文“吉祥万德之所集”之义，丁敬将此字置于印的中部，取佛典所云“如来佛胸现大人相”之义，蕴义甚深。自此，后世多有模仿者。
蒋仁诗书画兼工，印风师丁敬，朴拙苍劲，洗练简古，自有创格，别具情趣。因性情耿介，不轻易奏刀，流传作品不多，其代表作有 “真水无香”“邵志纯字曰怀粹印信”等。
黄易著有《小蓬莱阁金石文字》、《秋景庵印谱》等。专研金石学，善山水画，书法以篆隶名世。其治印受业于丁敬，而以稳中求变、灵动清劲出之，章法注重虚实对比，耐人寻味。有“蒋仁尚拙，黄易尚巧”之说。他的“小心落墨，大胆奏刀”，深得个中三昧。
奚冈著有《蒙泉外史印谱》，诗词书画皆有声于当时。篆刻服膺丁敬，印风能拙中见放，透落秀逸之气。篆法方圆互见，更得自然率真。
总之，蒋、黄、奚三家从不同方向对丁敬平方正直一路的朱文印和仿汉白文印有所发挥并走向精熟稳定的阶段，碎刀、短切的刀法进一步强化，呈现出浙派上升期的勃勃生机。
(二)邓石如和与邓派
在清代的印坛上，邓石如是一位别开生面的杰出巨匠，有《完白山人印谱》传世。清代魏锡曾对其作过“书从印入，印从书出”的评论，可以说是对他的艺术特征及其形成因素的深刻剖解。在书写工具上，他突破“秉笔烧毫”之法，充分发挥羊毫刚柔相济的特性，形成体势方圆互见，结构宽阔开张，意态千变万化，线条富有笔情墨趣的雄浑朴茂的篆书新体。篆书风格的变革，为他印风的更新奠定了基础，在书法和刀法、笔意和刀味完美统一上，邓石如大大超越了他的前辈和同时代的人。
他的代表作“意与古会”、“江流有声断岸千尺”、“淫读古文甘闻异言”，具有“古不乖时，今不同弊”的独特印风。前二方在章法上颇有特色，“意”印三密一疏，构图自有空灵之处;“江”印篆法流动自然，婀娜不失刚健，拿浙派驻涩势切刀相异，对角虚实交叉，读来饶有起伏，堪称绝胜之作。“淫”印可以视为邓氏的基本风格，以小篆作白文，颇为大胆，不落陈规。无显匠意，一气呵成，流露明确的自然主义倾向。在刀法方面，此期作品则开始走出徽派印人讲求笔画匀整、工致的习尚，以较为自由的运刀手法表现线条，走刀如笔、转运轻浅的特点已经形成。从这一点上看，邓石如刀法的“写意”性格也已经十分鲜明。
邓石如的篆刻美学思想，直接催生了他的艺术新面目并启迪了后世印人。他提出“刻印白文用汉，朱文用宋”，阐发了不同形式的印章用篆的差异性：他以“刚健婀娜”这一审美境界作为自己追求的目标。他在章法上强调“计白当黑，奇趣乃出”、“疏处可以走马，密处不使透风”的对比效应。以求生动出奇趣，呼应得平衡的视觉效果。
三、结语
篆刻艺术作为国粹之一，它经历了漫长的发展过程，记载着厚重的悠久传统。篆刻是书写、刻印、转印相结合的艺术，是浓缩的、有蕴含的美，其融万千气象于方寸之间，篆刻艺术作为中华民族多种艺术形式中的奇葩，除了它具有实用价值以外，还有独特的审美价值。寸方天地、刀石生趣的篆刻艺术，以其独特的创作形式和艺术魅力，深受历史文人雅士的青睐。千百年来，传承演进、异彩纷呈、经久不衰。
参考文献：
[1]邓散木.篆刻学[M].贵州人民出版社， 2006.
[2]韩天衡，孙慰祖.印章艺术概论[M].高等教育出版社， 1998.
[3]韩天衡.历代印学论文选[M].杭州：西泠印社，1999.
[4]高文亮. 试论篆刻艺术的形式美[J].内蒙古大学艺术学院学报，2007(3).
[5]戴林.中国印章艺术[M].北京：北京美术摄影出版社，1990.
(作者简介：褚晓琼()，女，浙江嘉兴人，本科，副研究馆员，浙江省嘉兴市文化馆，群文专业书法艺术。)
点击下页还有更多>>>关于篆刻的学术论文
恕我直言，有篆刻研究院，从未听说刀刻研究院
去数据库看看 输入篆刻二字 应该会有很多关于篆刻论文名字的 然后再去百度看看 很多网上数据库是要钱的 所以可以去免费的大型图书馆试试 专著嘛 沙孟海的《印学史》貌似比较经典 其他什么邓散木的《篆刻学》，什么什么的篆刻技法多少多少讲啊的也可以适当参考
中国刀刻书法艺术研究院论文
书法艺术是中国传统艺术中的奇葩，是中华民族精神文明的载体和象征，是中国古代传统文化的宝贵遗产。经历了一场传统文化向现代文化的百年转型，书法艺术遇到了前所未有的困境和挑战。书写技术的现代化，使毛笔书写工具和技法基本消失了实用性的功能。作为一门传统艺术，书法艺术又受到不同文化理念的碰撞和冲击。改革开放以来，随着国家政治、经济的迅速发展，人们对物质文化生活的需求日益强烈，书法艺术面临老树新生的发展机遇。 继承和发展中国书法艺术，是繁荣祖国先进文化的一项重要的历史任务。首先，前提应该建立在深刻理解书法艺术本质的基础上，保持传统书法艺术精神文明的内涵。文字的创建代表着文明的开始，以汉字为载体的书法艺术正是我们这个伟大民族精神文明的写照和生动体现。通过继承传统书法艺术的基本技法和美学理念的方式，积极推进书法艺术创新。“笔墨当随时代”，时代的发展，必然推进艺术表现主题和内容的变化，也将推动艺术表现形式的进步和发展。但只有建立在继承基础上的创新，才是有源之水、有根之木，才会焕发长久的生命力。 其次，大力提高书法教育水平，拓宽书法教育的途径，加强书法教育师资人才的培养，才能有效地教育出高素质的优秀书法人才，扩大书法爱好者队伍，提高社会整体审美。同时，使书法艺术产生更大的力度为社会服务，在与时代“会意”中书写神采，书写时代的最强音。表达社会的真情感，既是书法艺术的任务，也是书法审美的要求。我们不能把审美情趣简单地定位在“传统”二字上，对传统书法采取盲目的、静止的态度，从形式到内容上，不敢越过雷池一步。能不能把书法的“意”表达出来，需要书法家具有一种与时俱进、与社会同行的觉悟和意识。时代在前进，书法艺术只有在为时代服务中与时代“会意”，才能书写出时代的风姿神韵。当我们召唤书法经典大家的时候，我们不仅仅要看到一位书法家的字象风格、技巧技法，更要品评他的文化内涵、书作内容和书法作品的综合影响力。 理论是实践的先导，任何社会实践活动的进步和发展，都是先进理论指导的结果。中国传统艺术在历史发展过程中，存在着严重的重技轻理问题。受“善鉴者不写，善写者不鉴”思想的影响，古代书法理论研究大大落后于书法实践。所以需要加强书法学术理论研究，为书法艺术发展提供科学的理论指导。百家争鸣，创造健康活跃的学术研究环境。 繁荣新时代书法艺术还有一个重要的内容就是书法交流。自汉、唐以来，汉字书法艺术就伴随着中华民族的政治、经济发展，成为对外文化交流的重要组成部分，传播到祖国周边和世界上许多国家、地区。二十世纪八十年代改革开放以来，书法艺术又一次走出国门，对推动对外文化传播，扩大“两个文明”建设成果的影响，产生了重要作用。与此同时，书法艺术也从国际书坛和世界多个国家文化中汲取营养，获得启迪，促进了自身的变革与发展。因此，我们要建立国际交流机制，不断扩大书法艺术的影响作用。 我们要充分认识中国书法艺术的地位和价值。理解它对整个中国文化、精神文明、爱国主义的思想，对人的综合修养，对我们社会建设的综合影响，才能把握中国书法艺术的传承和发展。 孔见： 孔见，祖籍江苏扬州，生于北京，1969年入伍，历任侦察大队长、师参谋长，军事科学院战略部研究员、研究室副主任、战役战术研究部军队指挥研究室主任，师长，集团军参谋长、副军长，广州军区副参谋长，少将。中国书法家协会会员、第六届维权鉴定工作委员会副主任，中国书法理论家，中国书法艺术研究院理事，中国教师书画院名誉院长，广西壮族自治区书协名誉主席。主要著作有：《中国书法艺术通论》、《毛泽东兵法十三篇》、《各国国防概观》、《现代军事训练评估》、《孔见书法集》、《八桂流韵---孔见咏广西诗书集》等。
恕我直言，有篆刻研究院，从未听说刀刻研究院
书法是中国及深受中国文化影响过的周边国家和地区特有的一种文字美的艺术表现形式。下面是我整理了书法学术论文范文，有兴趣的亲可以来阅读一下!
书法艺术·艺术书法
摘要：此篇论文旨在探讨研究中国传统书法艺术在当代艺术环境中的际遇，通过对书法艺术的学习以及对当代艺术的了解，发现当今的先锋艺术中许多作品(包括架上绘画，新潮美术，装置艺术，甚至行为艺术)都运用到了书法的元素，有的甚至直接将书法作为主要的表现形式。例如，在国内外颇受关注的徐冰等人的艺术作品，还包括近几年在书法界热闹过一番的“流行书风”现象等等。
不难发现，当代的书法艺术越来越远离传统的创作模式`风格，而更多的是对视觉艺术，形式美感的关注，传统的书法艺术逐渐发展成了“艺术书法”。书法艺术的这种逐渐走向多元化的现象是如何形成，其存在的主要表现，对于书法艺术发展的影响，以及人们的此现象的反思是本文主要研究的内容。
关键词：书法;艺术;多元化;现代转型;反思
20世纪80年代以来，随着改革开放和科技进步，新材料，新工艺的产生在人类社会带来前所未有的转变的同时，也为书法艺术打破了原有的格局，开拓了新的领域，全方位多维度地扩展了欣赏者的视野。现代书家们已不在一味追求传统的创作模式与风格。而更多的是对视觉艺术，形式美感的关注。可见，书法艺术已逐渐开始走向了多元化。而这种多元化现象产生的原因，此现象对书法艺术发展的影响，以及如何反思该现象是本文需要探讨的问题。
中国是书法的故乡。中国人把书法作为中华民族优秀传统文化的一个组成部分，并以此为骄傲。“书法”一词的意思，一直不十分明确。很早时是说写文章的一种笔法，以后转成为书写汉字的一种规范。然而如果只是把书法局限在书写法度之内会降低、“书法艺术”的高度。如果把“书法”概括起来，无论规范、方法、书迹、评论、分析、鉴赏、考订，甚至文字学、用具等等都积聚梳理在一起，说这是一门“学问”，倒是很合适的。另外，一些书法理论、书法史、艺术理论等论著也做了大量研究，试图对书法的“本质”做出概括和规定。如，书法是“线条艺术”、“造型艺术”、“具象艺术”、“抽象艺术”、“表达情感的艺术”、“生命艺术”、“纯粹艺术”、“最高的艺术”等。这些概括、界定和解说，或出于名家之口，或见于著名论著，它们对“书法艺术”的“高”度、“纯”度等都有认识上的差异，有趋同也有对立，但有一个共同点，即书法是“艺术”，是中国古代传统艺术。这在书法界、艺术界、学术界基本是一个共识。而“书法艺术”这一概念的出现则是在2004年底，文化部直属中国艺术研究院成立的“中国书法院”、标志着归属于人民政府的国家文化机构第一次正式予书法以“书法”身份。
五四以来，书法的存在意义一直遭到质疑。一位知名学者和作家曾哀叹中国书法所依托的“社会氛围”和“人文趋向”已经消失①，“古代书法是以一种极其广阔的社会必须性为背景，因此产生的特别自然、随性、陈恳;而当代书法终究是一条刻意维修的幽径，美则美矣，却未免失去了整体上的社会性陈恳”。更重要的是，由毛笔文化所涵养出来的那种文人品格和人格构架在现代文化语境中也失去了意义，甚至会成为民族生命力和创造性的阻碍。很明显，在当代书法创作中，人们为了推陈出新，想尽办法崭露头角，往往在创作中采用的是背离传统的方式，说的更具体一些，就是利用各种手段的创新来博得大众的认可。在书法界出现的这种现象我们命名它为：艺术书法。
“艺术书法”这一名词是由王镛老师首度提出的。顾名思义是将“艺术”提前，注重艺术的表现，而相对弱化书法的本事。这在当代表现为书法的民间化倾向上，近几年流行的“流行书风”就是其典型代表。纵观这几年来的各大书展，我们都不难发现书法正经历着从“书法艺术”向“艺术书法”转化的过程。导致此种现象出现的原因是多方面的。
第一，几千年的二王书风，颜筋柳骨看下来的确让人有点累，出现审美疲劳是很正常的。许多作品让人看下来已经不是艺术而是复制品了。于是更多的作品开始追求视觉上的感觉，开始抓形式感，尽管这在有些人看来是丑态百出，但你不得不承认它确实让人有眼前一亮，有豁然开朗的感觉。
第二，展览和比赛的效应不容小觑。近二十余年来，各种书法展览和比赛此起彼伏，尤其是两年一届的全国展和中青展对流行书风的兴起起着十分重大的推动作用。在展览和比赛中，某种风格的作品得到了专家的认可或者受到了媒体的关注，那么效仿这一风格形式的人马上就会一哄而上。为了获得好的名次，参展和参赛者往往会投评委所好，纷纷追摹评委的风格。正是因为书法流行现象的出现，以王镛为代表的几位书法艺术家共同主持了“首届流行书风、印风提名展”，并连续成功做到了现在。展览中的作品坚持汉字书写及线条原则，基本上仍属于传统书法的范畴，与更具前卫意义的“现代书法”有着较大差距。但参展作品基本反映了近二十年来中国当代书法在观念和实践上的一个最主要的趋向：随着书法实用功能在现代社会的日益消减和信息时代东西方文化资源的不断丰富，中国书法的艺术性和创作意识正日益凸显和升华，传统的书法艺术正经历着前所未有的现代转型，以适应新时代的需要。虽然流行书风遭到了不少人的批判，但其批判者们也许不得不接受这样的事实，即“流行书风”经过二十多年的发展，已成为多元化时代中国书法艺术的流行风尚，并显示出相当的风格魅力和艺术史价值。
当代书法创作者对书法艺术现代视觉效果的不断追求，是书法艺术家们不甘寂寞的表现，也是书法艺术走向新的发展的富有生机的动力。他们已经不满足于传统书法的自娱雅玩和记事交流，而更多地注重用笔墨线条表达自己的创意与性情，并通过幅式、材料、颜色、结构等方面的突破来制造视觉上的特殊效果。现代展览中大多是顶天立地的鸿篇巨制，而且多为竖式，很少见到传统的尺牍和卷轴。这样的幅式比较适合现代化的展厅格局，同时也使观众有仰望之感，增强作品的视觉魅力。在用纸上，书法家们广泛取材，从传统本色的纯白净宣到富丽堂皇的洒金(银)宣，从有作旧效果的仿古宣到简单脱俗的手边纸，不一而足，除了在纸张上以背景色增加厚重感等手法以外，石开等书法家还大胆地以色彩入书，寻求新鲜的视觉感受。当然，更明显的是作者们对文字结构的个性化变形和章法布局方面的大胆探索。另外，从展览的布展风格较过去也有不小的突破，新颖协调，将作品拓裱在统一底色的展板上或装置于精美的画框里，旁边配有考究的标签，印有详细的说明、创作自述和主持人评语等，无形中提升了作品的档次。也极大的增强了观赏者的兴趣。 然而，“书法艺术”转化为“艺术书法”，也是具有自身必然性的。首先，书法在其漫长的历史轨迹中，曾经具有两面性，即书法具有实用性和艺术性两个相辅相成的方面。随着现代书写工具的革命性变化，中国人的书写方式发生了根本的改变，书法的实用性要求正在减弱，而艺术性要求则日益增长，人们力图在书法中获得艺术情感的表现和人格精神的追求，日益脱离书写实用价值的书法，应按照艺术的本性来发展。艺术的本性是不断地否定自己和永无止境的创造，不满足既有的艺术形式和风格，向传统挑战，追求原创性和超越性。这是艺术得以发展，繁荣的规律。其次，现代审美方式的改变，对书法艺术提出了新的要求。高科技、高节奏的现代信息社会，改变了人们对艺术品欣赏的方式。优雅精美的印刷术和发达的出版业，消除了艺术品的神秘性和复制失真性，人们可以及时掌握大量的艺术信息;良好的展览条件和收藏条件，提高了人们欣赏和品评书法艺术的维度，人们希望书法作为中国文化精髓所体现的艺术感受性和表现力有更为切实的现代体现。最后，书法家们面对书法的日益专业化和高度艺术化，以及大量优秀的异质文化成果的挑战，更有来自艺术消费市场的巨大竞争力，因此，他们无法停留于固有的书法观念和传统书法模式。他们的现实处境使他们不得不探索新的发展途径。
当然，形式上的现代感和丰富性并不能代表作品的本质特征。其关键所在其实是创作者们对传统书法艺术在当代社会发展创新的历史使命感及其作品中所反映出的当代社会文化特色。他们更多地思考传统书法的当下状况和未来走向，或者说他们希望书法艺术不要固步自封，而应再创辉煌。古今之变重要的不是形式，而是艺术的核心理念和书法家的心性品质的改变。古人重“格调”与“意境”的“高”与“低”。因此，从作品的艺术语言上，更多地使致力于从传统的资源中发掘出新的可能性。例如作品以墓志残纸为基调，并掺杂一些破坏性的用笔，力图表现结构、章法的动荡感和上下左右的呼应关系。不过，这样的书风也并不是那么好把握。不少创作者过于重视书法形式技巧上的翻新，而对书法文化本身缺乏深刻体悟，对传统书法艺术语言也缺少系统研究，因而其创新显得底气不足，粗浅浮躁。其次，由于创作者取法相似，观点相近，且互相影响，因而存在风格面目趋同的隐患，在强调个性的同时可能就失去了个性。
中国书法在全球一体化进程中不断探索这新的发展维度，原有古典的书法系统，正由文化封闭走向文化开发，尝试着汲取其他艺术的养料，来充实自己的表现力。“艺术书法”常常招致人们的非议，斥之为非书法、不识“传统”。但事实上，书法艺术不应躺在传统的、古人的艺术成就上面沾沾自喜，书法家们也不应该是艺术创造方面的懒汉，笔墨技巧固然是书法艺术的基质之一，然而它也能扼杀人的活生生的艺术感受性。由于我们肩负着沉重的历史传统，因此书法艺术的现代转换中，更应注重主体的分辨力，突出主体的创造性，以之开掘新传统，整合新方法，窥视书法艺术现代发展的生长点，在面向新生活的诸种尝试中把握书法艺术现代转型的契机。
由此看来“书法艺术”转向“艺术书法”也未尝不可。当然也可以毫不夸张的说书法艺术的这种发展变化是有贡献的，它在一定程度上也推动了书法形式美的建设。试想，如果一个歌唱家如果只是在舞台上向大家展示她的发音有多到位多准确，仅仅只是展示她的基本功，而不拿自己独具艺术个性的歌声展现给大家看，那观众又如何会有兴趣。中国古代的书法经典精华，被大众认可的就是那么几十个人的几十件作品，如果大家都去宗法他们的作品不去创造，书法艺术就不会形成勃勃生机，风格也不会在竞争中互补，而更严重的，书法这门艺术也会因此而衰落。
注释：①20世纪90年代初，余秋雨先生在《笔墨祭》一文中哀叹中国书法所依托的“社会氛围”和“人文趋向”已经消失。
参考文献：
[1] 当代书法论文选(理论卷)[M].荣宝斋出版社，2010.
[2] 当代书法论文选(书史卷)[M].荣宝斋出版社，2010.
[3] 历代书法论文选[M].上海书画出版社，1979.
[4] 书法研究[J].1993(01).
[5] 文艺研究[J].2008(12).
[6] 欧阳中石.光明日报――文化与书法[J].2007(621).
[7] 王岳川.流行书风的文化问题[J].2008(7).
作者简介：秦兆诗(1989―)，女，湖北武汉人，湖北美术学院硕士在读。
点击下页还有更多>>>书法学术论文范文
新中国版画艺术作品研究论文
版画艺术形式招贴设计论文
一、版画招贴的概述
1、版画的诞生
版画的历史源远流长，其萌芽于远古原始社会。最早的形式便是原始人类以手拓色印于岩洞的类似游戏的活动，我国长江以南的广大地区出现了一种以在陶体印压几何装饰纹样而得名的几何印文陶。陶体上的几何形纹样，是在陶坯未干前，用印模摁印上去，然后烧制。这些属于新石器时期先民的“印刷”尝试。中国古代的封泥、图章以及汉代画像石画像砖可以说是雕版印刷的重要历程，尤以画像石、画像砖最为典型，艺术成就也最为突出。其内容丰富多彩，有的描绘社会风俗和社会生活的场面，如宴乐、杂技、舞蹈等，有的则描绘了神话故事，但最主要的是宣扬忠孝节义的历史故事，展现了忠臣孝子、节妇烈女和古代圣贤的典故,如闵子骞芦衣顺母画像石，展现闵子骞以德报怨，孝顺后母的故事，可以理解为当时的“公益招贴”了。随着墨、纸等印刷材料依次出现（商代已经出现人造墨，周代，墨已经被广泛使用，秦时期固体墨开始使用，公元六世纪墨已经应用于印刷，并推动印刷术的发展；西汉时出现草纸，品质低劣，上流社会不认可，东汉和帝元兴元年即公元105年，蔡伦在总结前人造纸经验的基础上，在洛阳发明了适合书写的植物纤维纸，才使纸成为普遍使用的书写材料），中国古代雕版版画的出现，便是顺理成章的事了。版画起源于印刷，我国是世界公认的版画起源国，迄今为止发现世界上最早的且保存完好的版画作品为公元868年的《金刚经扉页画》早于西方至少五百年。早期版画的复制性已经成为艺术界公认的事实，然而中国传统版画从一开始就不仅仅是一种版画形式，而是蕴含了中华民族特有的文化意识形态的技法。中国的传统版画如同一棵参天大树，其深埋地下的根系蕴含了深厚的文化底蕴。印刷术作为我国四大发明之一，伴随着中华文化的诞生而萌芽，随中华文化发展而成熟，是一门一刻也没有离开文化熏染的古老艺术。
2、招贴与版画的溯源
正如德国思想家沃尔特.本雅明所说，艺术品的社会影响力，往往更多的是取决于复制传播，而不是技术本身。招贴和版画从诞生的那刻起，就注定了相互依存。造纸术的发明，是雕版印刷极为重要的一环，东晋桓玄帝曾令废简用纸，纸的应用日益普及，自此，中国人就开始用纸这一媒介传播信息。这种传播的媒体被称之为“告示”，这便是中国古代的招贴。在这些招贴中有些是直接手书或手绘完成的，随告示张贴数量及范围的不断升级，直接手书绘制已经无法满足招贴量的需求，于是推动了雕版间接转印招贴的发展。北宋庆历年间，山东济南出现了世界上最早的招贴印刷实物———刘家针铺的铜版广告，现存于中国历史博物馆，铜版上雕刻着“济南刘家功夫针铺”的标题及白兔捣药的图案，图案两侧注有“认门前白兔儿为记”，招贴下方甚至附有较为完整广告文案。招贴构图工整图文并茂，既有象征店铺标志的捣药白兔，又有宣传产品质量和售卖方法的广告语。这副铜版画招贴比世界上公认最早的印刷广告———1473年英国的第一个出版商威廉凯克斯顿为宣传宗教书籍而印刷的广告还早四百年。明清时期，由于手工业的发展，文化领域的繁荣活跃，对于出版业起到了巨大的推动作用，也成就了版画的鼎盛时期。明代的雕版印刷技术日渐成熟，所涉及的内容题材非常广泛，各地形成了各具刻印风格的刻书中心，如安徽徽州、江苏苏州、南京、福建建阳刻书中心等。也可能源于竞争，各地书商特别注重利用精美的版画吸引读者。明万历年间书籍版画出现了群采纷呈的局面，众多优秀刻工、画家投入到书籍版画的创作中。这些繁花似锦风格各异的版画作品以小说、戏曲插图的形式深受社会欢迎，对于当时文学作品的传播、普及以及加强对读者的吸引力感染力方面起到了不可低估的广告作用。其中以元王实甫的《西厢记》和明代施耐庵所著《水浒传》最具代表。雕版印刷术在我国宋代逐渐兴盛，也奠定了另一种招贴艺术———木版年画。比较著名的有苏州桃花坞年画和天津杨柳青年画，并称为“南桃北柳”。此外还有山东潍坊杨家埠年画、陕西凤翔年画、河南朱仙镇年画、广东佛山年画等。这些传统年画都具有招贴的艺术功能。因为木版年画除了满足美的欣赏外，也是传达民间文化生活“辟邪纳福”、“欢乐吉庆”一种招贴设计（《平面招贴设计艺术》作者：季阳）。直至今日，年画仍然在招贴设计中刮起阵阵“中国风”，弘扬了中国传统文化。1866年，法国画家、设计师朱尔斯.谢雷特在其印刷厂设计制作出世界上第一张彩色石版招贴，而被誉为“现代招贴之父”。这张石招贴作品的问世象征着现代招贴的诞生。20世纪初期西方表现主义绘画对招贴创作产生了深远的影响，这些影响来自于画家为自己的画展制作的木刻风格的招贴作品，这些作品以强烈的黑白对比、错综的线条以及具有表现力的刀法运用来诉说创作主题。这些夸张的表现形式无疑深深触动了人们感官。在设计领域，表现主义招贴风格的影响一直延续到20世纪60年代。
二、招贴中的版画艺术形式及表现
1、招贴中的凸版版画艺术形式及表现
凸版画是最古老的印刷术之一，原理也较为简单，就是将不需要印刷的地方用刀刻去，并将油墨上于刻制后平板上凸起处，并转印到纸张上即可。其中，手工雕刻的木刻版画是最为常见的凸版。这项起源于中国的古老技艺通过伊斯兰传遍欧亚，并随着十五世纪造纸的工业化发展，使得雕版印刷作为一种独特的视觉成像语言，承载着传达各种信息的功能。值得一提的是凸版版画常会选择有肌理表面的材质进行印刷，如衣服、地砖或其他具有特殊纹理的表面。这种创新也是招贴设计的本质要求，肌理效果是招贴设计中独特的表现手法和视觉艺术语言。肌理效果作为美的要素之一，本身就具有一种强烈的视觉性，这一点在版画和招贴创作设计中被高度重视，也成为两种艺术形式的重要纽带。版画招贴的制作主要因其创意主题及风格的不同选择不同种类的木板，实际上，除了木板板材之外，几乎所有不同性质的媒介都会为设计师带来创作的灵感，如橡胶、塑料、复合材料，甚至包括人的`指纹，这些材质具有光滑、柔软以及特有的肌理等特性而更加利于即兴创意。
2、制版与招贴风格
首先从现代招贴的发展与制作来看，与版画的历史是有重叠的一段经历，20世纪20年代招贴作品多以绘画为主，这一阶段的招贴经历了从黑白到彩色的转变，这个时期很多的招贴设计工作都是由版画艺术家来完成。版画家将自己对艺术的感悟体现在招贴作品当中，在国内外出现了一大批经典的黑白版画招贴作品，这些作品既展现了版画的艺术魅力又承载了招贴的传达功能及艺术家的社会责任感。
（1） 以黑白块面表现的版画招贴艺术语言作为版画招贴，在版面的刻制上以两种方式比较多见，一是阴刻，在黑底上刻白纹；一是阳刻，在白底上留黑线。一般来说，刻制白线较为简单便利，所以这种方法刻制的招贴版画比较多见。黑白作为最单纯的色系，具有宽容的特点而荣登极度色彩境界。黑白对比色本是木版画表达大千物象常用的视觉语言，渐渐受到众多平面设计师的青睐。黑白块面的静谧、简洁、单纯也是招贴设计大师冈特兰堡极力主张的设计创作理念。他的招贴作品多以块面表现为设计基调,形成了独特的设计风格。
(2) 以线条表现的版画招贴艺术语言表现“黑线”要更困难一些，在制版的时候既要考虑造型又要模仿手绘的效果，这就要小心谨慎地对待线条两边的刀法处理，并且要将线条外侧的区域铲平。具有代表性的版画招贴作品《怒吼吧，中国》，是20世纪30年代反帝救亡热潮中的经典力作。作品采用阳刻技法，表现一个被蒙住耳目，紧紧捆绑受尽屈辱的男人躯体，招贴运用犀利的刀法把因奋起挣脱枷锁，而扭曲的肌肉和躯体的线条展现得淋漓尽致，传达出作品所具有的强烈视觉冲击力。不同质感的线条表达，在人们的情感中具有一定的象征意义和性格特征。版画招贴通过线条的处理，以其独特的艺术魅力及强烈的视觉反差对招贴的主题给予直白而又微妙的诠释，形成了独特风格的招贴艺术，这也许就是设计师一直钟情于它的原因吧。
3、印刷与招贴特色
印刷可以看成制版的衍生，尤其作为具有招贴功能的版画，印刷更是展现其最终效果的重要形式。在彩色凸版印刷中有两种方法，一种是减版套色法，前后版色彩叠印，形成混合色的方法；另一种是多版套色技术。上世纪初的套色版画招贴对20世纪60年代诞生的“波普”艺术产生较大的影响。设计师在社会变革，流行文化当道的背景下，更加关注视觉语言的活力。采用最常见的视觉形象作为创作元素。下图为波普艺术家创作的招贴作品《新的希望》采用多套色制作的招贴。
4、招贴中的凹版版画艺术形式及表现
凹版是通过雕刻或腐蚀的方法制作金属溯到旧石器时代的阴线雕刻、石刻、骨刻。最初的金属版画是金银工匠们通过拓印的方式来进行金属上的图案设计。随着化学的进步，设计师开始尝试用腐蚀的方法进行雕刻，这种雕刻作品的线条更加细腻流畅，可以表现更为丰富的招贴艺术作品。凹版的制作更加注重对工具和材料的理解，能将创意和构思通过蚀刻的方式表现出来，需要熟悉材料的特征和熟练地掌握工具。刻针和画线刀能表现精致细密的平面设计作品，在招贴作品的表现中，一些电动工具、钢丝绒、砂纸可以营造出丰富的肌理效果，这种艺术创作的微观形式在招贴设计中往往是不可或缺的元素，无论在审美还是视觉传达的功能上都扮演着重要的角色。中国当代的很多平面设计作品经常会使用一种具有悠久历史的非酸蚀制版技术，其中生肖邮票的设计制作就是采取了凹版线雕的传统方式刻出，由于线条精细，传统纹样的细节均能完美表现。除了邮票以外，各种纸币的平面设计也是属于线雕图像。
三、结语
版画招贴的创作过程本身就蕴含着极大的创意，会牵涉到色彩的选择、图形的处理以及文案的推敲与设计。招贴创作的终极目的就是在人的心灵深处印下让人难以磨灭的印迹，那么，不同的印版在创作制版的过程中就是在讲述一个个慑人的故事，这些制作招贴的材料、技术无不具有生命力，它们都包含了特定的时空信息。版画除了技艺本身可以为招贴带来灵感，在观念艺术传承中，版画也一直将文化关怀作为创作的动力，强调对社会的干预。在信息时代来临之前版画一度将招贴的功能推向高潮。招贴是大众的艺术，而版画又有着丰富的文化资源，版画融合了传统美学和大众媒体，具有多样性的特质。版画可以运用不同的印刷方法来制作、传播各种信息。任何形式的海报、公告、招贴等大众传播的印刷通讯，都可以通过版画来进行全新的诠释。虽然这些作品可能具有时效性，但是它又以一种独特的完全不同的方式存在。在大众的眼里版画招贴是招贴中的艺术品，而在艺术家眼里，招贴又是版画实现社会功能的平台，展示其独特的审美价值。
作者：王晓玮 单位：滁州职业技术学
如何面对中国画创新问题绘画是创造性的艺术，绘画的艺术价值就在于创新。绘画的创新与自然科学中的发明创造没有什么区别，唯一不同的是，绘画属于社会科学的范畴。绘画的创新除了能给人带来全新的感官刺激外，其艺术内涵要与观赏者的心灵沟通，达到震撼人心的效果。绘画艺术的创新如果离开了这个根本，也就不存在什么价值了，绘画艺术正是在不断的创新中向前发展。中国画的发展同样存在着创新的问题，然而，当今的中国画家面对中国画的创新问题，却存在着截然不同的认识。绘画的创新决定于技法的变化与艺术风格的体现，为了达到这个目的，多数画家都倾向于在“术”的环节中煞费心思，其结果，要么是局部的改良，要么是人为的制作，要么是嫁接西方的油画技法。尽管如此，其结果却难以令人满意，面对如此结局，有时连作者本人也为之感到惭愧。更有甚者，为了强夺人意，硬要为其冠以“现代”或“前卫”的名头，实际上恰恰暴露了一些人的浮躁与急于求成的心态。从这个现象中反映出一个重要的问题，那就是，失去理论指导或根本就没有理论作为创新的基础，抑或只刻意在“术”中求“术”的框框中寻求创新，最终只能使中国画的发展走向衰落。中国画的创新问题出现了这么多不尽人意的现状，其主要原因是，一些画家虽然深知只有解决了技法这一最基本的要求，才能够达到创新的目的，但是却不知解决技法创新的问题并不是单凭着画家的主观臆造可以获得，中国画技法的创新与变革来自于“理”，没有“理”作为研究技法创新的基础，很难实现创新的目的。创立新的艺术表现形式与新的技法表现形式是件十分严肃的学术问题，因此面对中国画的技法创新问题必须认识到一个事实：要以中国画发展之“理”认识中国画的技法创新问题。这样可以从理论上看到中国画技法创新之根本，产生有理论根据的中国画新的艺术表现形式与新的表现技法。现在有许多中国画家面对创新问题，很少有人以中国画发展的根源研究中国画的创新，更谈不上以哲学与史学的理念认识中国画的创新问题，这就造成了看不到中国画创新的关键之所在，因此导致一些人忘记了事物发展的客观规律，反而以人的主观臆断、自以为是的心态去面对一个十分严肃的学术问题，这种既没有理论根据，又没有正确的艺术思维主导的所谓创新，又怎么会达到创新成功的目的？尤其那种对本民族传统文化无知的鄙视、无原则的失落，这不仅反映出了一些画家由于自身知识的肤浅而造成的偏见，更多的是对自家文化的不负责任，故此也就不难理解当今中国画界出现的那些所谓的“前卫”艺术，为什么会有变相抄袭西方之嫌的问题了。所谓创新应体现出两个方面的问题：其一是创新方法，其二是以正确的艺术见解表现其艺术内涵的深度。解决创新方法的问题最重要是要建立起新的艺术体系，使其更加完善，这是中国画建立新的艺术表现形式与新的技法表现的最基本条件，离开了这个条件，以其主观臆想而产生的某种技法与风格都难以成立。只有在符合中国画发展的艺术体系与艺术思维的指导下，才能够产生出全新的中国画表现形式与表现技法。然而，这一切直接触及到的就是如何对待“笔墨”的问题，有人认为过分强调“笔墨”，会窒碍中国画的发展；也有人认为强调“笔墨”，中国画就无法“转型”等等，以至近百年来多数人对此一筹莫展，莫衷一是。事实上这种提法非常主观臆断，缺少足够的理论依据，中国画的“笔墨”一直是随着“理”的原则在改变，以中国画之“理”来认识中国画的“笔墨”问题：“意象”之理必然会产生表现“意象”笔墨之方法；“象意”之理必然会产生表现“象意”笔墨之方法；“悟象”之理必然会产生表现“悟象”笔墨之方法。然而万变不离其宗，这个“宗”即中国传统文化，脱离中国传统文化就无法表现出具有中国文化内涵的艺术风格。面对中国画创新问题，只有沿着中国画艺术规律而行才能顺利向前发展。中国画家如果对自己民族传统文化没有深入彻底的认识，那将永远不知道如何去面对当今中国画的创新问题，当然也不可能在中国画界以及中国画发展史中占有一席之地。以此理而论，中国画发展并不存在怎么“转型”的问题，实际这种所谓“转型”的提法，完全是由于一些人对中国传统文化认识的匮乏，对西方文化的一知半解而产生的主观臆断。除此，还有人在中国画发展出现问题的今天，提出了中国画应与西方艺术“接轨”的论调，然而他们并未搞清楚，中西方存在着不同的哲学理念。中西绘画无论是哲学体系，还是艺术体系，它们不仅是独立的，而且均体现出各自不同的民族特性、文化底蕴与思维形式。一些中国画家及理论家面对中国画的前途问题，提出“接轨”的论调是不切合实际的，表现出他们对中国画艺术发展的悲观心态。中西绘画是在两种不同的艺术思维与艺术体系引导下产生的艺术形式，那种不问其“理”，只谈“接轨”的论调，只会将中国画的发展引向歧途。如何以正确的艺术见解表现出新的艺术思想，即表现出艺术作品之灵魂，这是画家们应该认真思索的问题。一个没有成熟艺术见解的画家，不可能创作出具有深厚内涵的艺术作品，更不可能产生震撼人心的艺术效果。当前一些青年画家对中国画创新问题，多倾向于所谓的“实验”，甚至一些评论家对此也大加欣赏、极力鼓吹，然而这种实验的结果又当如何呢？事实并不乐观，反而却给中国画的发展与创新带来了更大的困惑。何谓“实验”？“实验”即是一种尝试，或成功，或失败。积极地看，当前出现的所谓“实验”美术，客观上反映出了一些关心中国画发展前途的画家为之做出的努力。然而由于这种“实验”是在一种缺乏理论依据的前提下出现的产物，不可能形成一种体系，更无法表现出更深刻的艺术内涵，因此，这种“实验”无法成功，不乏带有一定的盲目性。这就成了一种失去理性的盲动，其唯一可以依靠的理论，即画家的所谓“感觉”或主观臆测，这种缺少理论根基的谬误之“理”，又如何能够成其为“实验”美术的理论支柱呢？因此也就很难达到其“实验”的目的，以及具有理论性的说服力。面对这种所谓的“实验”作品，不难看出一些作者无非是受了当代西方抽象思潮的影响，将西方所谓的抽象转嫁到中国画的宣纸上而已。因此可以断定，这些画家对西方绘画的发展与现状，并未从理性上去认识，只是在表面得到某种偏激的启示，岂不知自己已经跟随西方绘画走向无奈。浮浅的认识带来了错误的理解，错误的认识必然导致不伦不类的作品，其表现出来的东西要么奇丑无比，要么糊涂乱抹，甚至连作者本人也说不清自己在表现什么，对此还能有什么艺术内涵而言，更谈不上以创新而论。虽然有人将这个现状看作是与西方艺术的“接轨”，但是以吾之见，这种所谓的“接轨”实则是在“搭车”，是在步西方早已失去理论支柱的所谓“前卫”的后尘。当前在中国画发展中出现的这种毫无理念与理性，盲从“接轨”、盲目实验的结果，最终导致的是对本民族传统文化的变相否定与放弃，得到的则是非中非西的“夹生饭”，很难产生独立的艺术体系与代表中华民族文化的中国画艺术。另有一种以标“新”的文字游戏而出“新”的所谓“新文人画”，更是令人啼笑皆非，细观其作品，无论从“字”到“史”，从“意”到“雅”，都难以与“文”搭上关系，更不可能与以苏东坡为代表的古代文人画相提并论。甚至有些“文人画”作者标榜为绝句的诗，竟连平仄都分不清楚，还如何谈得上“文”，更不要品其艺术内涵了。真不知如今的“新文人画”究竟“新”在哪里，也不知其中的“文”是超越了古人，还是落后于古人，对此其作者是否真的搞清楚了？无论是“实验”出的作品，还是“新文人画”，为什么很少博得专家的赏识，以及人们的喜爱呢？其原因并不是欣赏者的水平差，重要的是人们需要的是美的艺术，需要的是能与人心灵相沟通的艺术，需要的是有深邃艺术内涵的作品以及货真价实的艺术作品。并不喜欢那种丑陋、脏乱、说文不文、说雅不雅、不伦不类的作品。事实说明，无论丑与美，重要的是与人的心相通皆可谓之美，那些并不知道丑中之美为何物，缺乏理性的以丑为美的所谓作品，只能使人感到一种狂燥与变态的心理在宣纸上的自我发泄，以及江郎才尽的表现。可以说人的意识、学识、心态决定了画家作品中的艺术含义，那种对西方艺术肤浅认识，以及不文充文的半瓶醋作风很难登上艺术的顶峰。中国画的发展越是到高级阶段，所体现出的艺术内涵就应该愈加深刻，这就要求一个画家必须具备真才实学，才可能体现出在当今文明发达的时代中，一个画家所应该具有的艺术深度。自古以来，绘画创新一直是画家通向成功的唯一出路，同时也是一条艰难曲折的道路。这就要求画家必须建立起良好的艺术心态，提高自身的艺术修养，才能够在创新的道路上走向成功。然而历史上有成千上万的画家在这条道路上摔倒，甚至至死不悟，就算是有成就的画家，往往都是耗尽了大半生的精力才获得成功，这足以证明绘画创新的艰难程度。绘画艺术是天才加勤奋的事业，无论谁，只要拿起画笔将其作为事业，就意味着在用自己毕生的精力赌其成败，故切慎之。
木刻版画刻板技巧研究论文
黑白木刻就是黑白木版画，它是中国的传统特色艺术，是中国的艺术家们多年探索的结果，黑白木刻也是版画的最早起点。它使用的绘画材料和工具具有特殊性，因此表现出来的不是我们常见的彩色绘画，而是黑白色。它通过各种黑白符号组成一幅完整的画面，以此来表达作者的创意和心境。那么黑白木刻的特点有哪些?它的制作过程又是怎样的呢?我们一起去看看吧。
黑白木刻的特点
(一)“以刀代笔”，用力作画，是画面上每根线条、色点、色块都具有鲜明刻刀雕凿的味道。我们谓之“刀味”和“木味”。
(二)黑白对比强烈、明快、朴素的魅力，是木刻最有生命力的艺术语言。
(三)不强调物象表面真实和烦琐细节、更加注重物象结构和神韵内在本质，又是木版画一个特点。
(四)没有“纯粹”灰色，它的灰色调是用黑白相间的“线丛”或“点丛”组成。
黑白木刻制作工具：
五合板(木质较细的木板)砂纸若干、木刻刀一套(大、中、小 圆刀、三角刀各一把，平刀、斜刀各一把)美工刀一把，白蜡烛若干或香蕉水一瓶，复写纸若干，电熨斗一个，滚筒，黑色胶版油墨，树脂油，调墨刀。 另外需要一张稿子，复印稿或手工稿。
纸张：能够很好的附着油墨的纸张(初学者建议温州皮纸)
步骤
1 木版的处理。
A 表面不平可用木工刨，薄薄的刨掉一层;
B、砂纸打磨，打磨时注意将磨下的木屑;
C、如还有小裂纹，用乳胶调和磨下细木屑填充。过稿打蜡，过稿后在整版上上一层蜡，更好填平细小的纤维缝，在印刷时也更容易，同时，上过蜡的木制变脆一些，好刻，用电熨斗加热，干后用刀刮平，有人也涂清漆作用一样。
2 上稿：用复写纸把手工画制的稿子反着复写上去，或者直接用香蕉水把复印的稿子直接转印上去。
3 刻板：刻板之前，必须了解各种刀的不同用法，和刀口的特点。根据刀口的不同特点刻出木刻的味道。
4 调墨 上墨：把油墨用树脂油调和到所能用的粘度。然后用墨滚均匀的滚上去。
5 把一张纸附到上面，拿到木板机上或者手工印制(用牛角、刀柄或者勺子)。
以上就是黑白木刻版画的特点以及制作过程。在前文我们了解了，黑白木刻版画是只用黑色与白色来表现画面，用简化了的形式来表现绘画的艺术。在黑白木刻的特点中我们了解到，黑白木刻版画是以刀代笔的，可以说它是绘画与雕刻的结合体。如果你是一名对中国传统黑白木刻版画艺术感兴趣的人，那么这篇文章对你来说可是大有用处的，要好好收藏哦!
土巴兔在线免费为大家提供“各家装修报价、1-4家本地装修公司、3套装修设计方案”，还有装修避坑攻略！点击此链接：【】，就能免费领取哦~
幼儿在美术活动中可以提升自己的审美能力和鉴赏能力，幼儿园教学离不开美术教育。版画是幼儿美术教育的一种基本形式，幼儿教师并没有过多地接触过版画，因此需要很长的学习之路，而如何将版画教学开展好，更是一个值得思考的问题。文章从开展版画教学活动的好处和开展版画教学活动的措施两方面进行探讨。
一、开展版画教学活动的好处
幼儿版画教学是一门图画和手工相结合的综合课程。它符合幼儿艺术活动的总目标：培养幼儿感受生活和艺术美的能力，能用自己喜欢的方式进行艺术活动并大胆地表现自己的情感和体验。幼儿版画以其表现手法多样、操作性强、画面新颖、表现形式富有创造性而深受幼儿的喜爱。版画从创作画稿、制版到拓印，有一系列连贯的过程，有利于培养幼儿的创造性思维，丰富他们的想象力，提高他们动手实践的能力。因此，版画教学活动的开展符合大班幼儿的学习特点，能够提升他们的绘画能力。
二、开展版画教学活动的措施
（1）创设宽松环境，激发幼儿兴趣。幼儿版画教学完全是一种在游戏中获得知识和快乐的活动，教师应当像引导幼儿游戏那样去开展教学工作，要创设宽松、自由、活泼的环境，引导幼儿细心观察周围事物的形体特征，用眼睛去捕捉美，去发现、挖掘周围美的现象、美的事物。教师要采取生动活泼的教学形式，善于把幼儿引到想象的王国中去。比如怪兽是幼儿现实生活中夸张了的事物，有很大的创作空间，教师应该给幼儿提供这样创作的机会，让他们发挥想象进行创作。
（2）图片欣赏要层次分明。怪兽的怪体现在眼睛、鼻子、嘴巴、头、身体、表情、动作等诸多方面，教师出示的图片是为了激发幼儿的创作兴趣，但更重要的是为了让幼儿在接下来的创作中找到设计的灵感，知道自己画什么，怎么画，因此这个环节非常重要。教师要重视图片的选择，出示的每张图片要传递一两个鲜明的信息。比如九头怪的图片，很明显这只怪兽怪在它有很多的头，每只头上有很多的眼睛，这样，教师在引导幼儿观察的时候，就会特别注意这两个方面。总之图片的层次要鲜明，出示的先后顺序应该由简到繁，从怪异的程度来说，也要越来越怪异。
（3）工具和材料的选择合理，颜色的搭配协调。版画最终还是要呈现出来，看创作效果，才能衡量这节课的失败与成功。教师指导学生创作《半面打怪兽》选用的是吹塑纸，吹塑纸颜色的选择要和底色相搭配。在多次的实验中，教师发现浅色的吹塑纸映在黑色的卡纸上面效果比较好，但是吹塑纸的颜色比较混乱，视觉效果不是很好。幼儿创作版画勾勒的'线条不是很清楚，和两方面有关系，一是吹塑纸的厚度和材质。厚一点的、细致一点的吹塑纸比较容易勾勒出痕迹。二是刻板的用笔。笔头不能太尖，钝一点的笔头更好用。最后是颜色的搭配，既然是黑色的卡纸，那么选用亮色或浅色的颜色才能清楚，深色印在黑色卡纸上反而不清晰，影响视觉效果。
（4）拓展幼儿思维，表现创造力。从一次次磨课到最后的作品，在对比中发现，幼儿创作的怪兽有很多相似性，全都是圆圆的头，两只眼睛和全身的刺。在涂色方面也大多以黄、红、蓝为主，整体看起来也有很大的相似性，幼儿的创造力没有得到有效发挥，怪兽的怪异特点不突出。幼儿的思维没有拓展开来，这和教师之前的引导有关系。从怪兽身体的形状上来讲，怪兽可以有各种不同的形状，比如长方形、葫芦形、三角形，等等。形状的不同可以让幼儿的作品看起来丰富多彩。
（5）减少示范的过程，降低模仿的程度。在版画教学中，教师教授构图技能时，不能片面强调技能，让幼儿过多地模仿、学习，使幼儿的学习目的和结果最终停留在教师所教授的技能上，而应该适时地对幼儿进行引导，让他们从多方面去考虑问题，看待问题，把简单的技法变成丰富的思维创造工具，发展幼儿的思维和创造力。对于怪兽，教师越示范完整的绘画，幼儿在操作的时候就越会完全地去临摹，没有更多的空间去创造，所以教师介绍材料和使用方法是很有必要的。对于绘画的内容，教师要尽量不去设定，给予幼儿足够的想象空间。
（6）评价方式的多样化。对幼儿版画活动评价，教师不应将其理解为仅是一个单一的孤立的活动环节。要取得良好的评价效果，就要与多种活动结合起来，灵活安排。教师组织幼儿版画活动评价，要与作品指导结合起来，评价是指导的基础，指导是评价的深化和升华，两者密不可分。教师可引导学生采取表演的形式将自己创作的怪兽用动作和神态表现出来，使课堂气氛活跃轻松。
三、结束语
综上所述，版画教学需要创设宽松环境和激发学生学习兴趣，图片欣赏要层次分明，工具和材料的选择要合理，颜色的搭配要协调。在版画教学中，教师只有拓展幼儿思维，培养幼儿表现力和创造力，才能提高幼儿的版画创作能力。
参考文献：
[1]姜旭昌.综合版画的教学运用研究[J].美术教育研究，2017（01）.
[2]郭阳.中班幼儿版画教学活动的实践[J].教育教学论坛，2010（36）.
[3]章小慧.幼儿园版画教学的基本方法[J].学前教育研究，2014（01）.
黑白木刻版画有以下一些艺术特点值得注意：1 尽可能利用对象的本色，显出木味。2 巧妙利用“留黑”手法，对刻画的形体作特殊处理，获得版画特有的艺术效果。3 发挥刻版水印的特性，让大块阳刻产生强烈的艺术效果。4 通过巧妙构图，以丰满密集和萧疏简淡等不同风格来衬托表现主题。这里有几位木刻版画-版画家 你可以搜索他们的作品丰富论文特别推荐珂勒惠支 和 克。别人的大概看看如果个人喜欢也可以多 挖掘挖掘。德国 凯绥·珂勒惠支(en:Kathe Kollwitz)（1867年-1945年）挪威 爱德华·蒙克（Edvard Munch）（1863年-1944年）西班牙 巴伯罗·毕加索（Pablo Picasso） （1881年-1973年）中国 陈洪绶（1588年-1652年）改琦（1774年-1829年）彦涵（1916年-）古元（1919年-1996年）叶浅予（1907年-1995年）日本 东洲斋写乐（生卒年不详）铃木春信（1725年－1770年）鸟居清长（1752年--1815年）溪斋英泉（1791年--1848年）喜多川歌磨（1753年--1806年）葛饰北斋（1760年--1849年）歌川广重（1797年--1858年）具体的资料在百度百科 里都有西方版画对于传统技法的传承是很看重的 所以将西方古老的黑白木刻版画家的作品和内容技法分析透一项就是很完美的一篇论文了目前国内对于新材料的开发比较执着 所以新型材料也是一个着眼点
中国现代硬笔书法艺术研究论文
弃粗取精 去伪存真——试论硬笔书法不排斥“馆阁体”●王晋任何一门艺术的产生、发展无不与人类社会的进步有着千丝万缕的联系，书法亦然。观中国书法史不难看出，“馆阁体”现象的出现是有其特定的社会、政治背景的。上溯盛唐，太宗开“以书取仕”之先风，乃绵延千百年，科举制成了束缚书法艺术的一副精神枷锁，“馆阁体”的产生乃至泛滥也就绝非偶然了。“馆阁书风”在一定程度上确实对书法产生了消极的影响，它压制书家的创造性．使书法的艺术价值大打折扣。清代，“碑学”大兴，给沉寂的书法注入了无限活力，同时也使“馆阁体”遭到了灭顶之灾。“碑学”代表人物康有为曾把“帖学”批驳得体无完肤，于“馆阁体”更是彻底否定，继之各派书家多也对其不屑一顾。及至今日，在书法界一谈到“馆阁体”，绝大多数人仍是嗤之以鼻。现代硬笔书法中许多创作者也入云亦云，不假思索就把“馆阁体”说得一无是处。但我认为，如果客观、公正地加以分析，“馆阁体”对于当今硬笔书法的繁荣是有一定现实意义的。实用书写 “馆阁书风”仍从容实用书写和书法艺术与生俱来地纠缠整个书法史，如何把这一对矛盾更好地统一起来，事关书法的发展。硬笔书法之所以能在短短的十余年间得以空前繁荣，就是因为较成功地化解了这一矛盾。硬笔书法深厚的群众基础和广泛的实用性为其艺术价值的充分体现推波助澜，实用性与艺术性二者相辅相成，不可偏废。当今硬书界有这样一种观点，即认为弘扬硬笔书法艺术就要大力强调艺术性，使之成为“阳春白雪”，才能显示出其所谓高雅。殊不知，一门“曲高和寡”的艺术怎能引起广泛的共鸣呢?由此，笔者以为硬笔书法的艺术性必基于实用性之上。而“馆阁体”正是书法实用性的典型代表，明清科举取仕，考卷的字要求写的乌黑、方正、光洁、大小一律，书写水平高者可被召入翰林院，凡重要文书，典籍必命书之。当今社会，人们的日常生活、工作、学习离不开文字的书写，一手清晰、整齐、美观的硬笔字于人于己都大有裨益，而模糊、潦草、怪异的字常会带来不必要的麻烦。试想学生作业、作者投稿、机关公文等所用的文字都以“馆阁体”这一美学标准为准绳，读者会十分乐于接受的。此意不是提倡每个硬笔书写者都成为馆阁书家(实际上也是不可能的)，只想藉此呼吁人们在实用书写时尽量认真些，把字写得端正、清晰，使读者能一目了然，这于我们社会都有着不寻常的意义。硬笔书法 初学分布求平正硬笔书法艺术的发展历经坎坷，其间出现的诸多问题常使人们喜忧参半。“大赛热”、“展览热”、“出书热”、“入会热”曾一度席卷了整个硬笔书坛，在一定程度上无疑会扩大硬笔书法的影响，促进硬笔书法的普及。但过多过滥也会使一些人无所适从，不能冷静下来正视自己的真实水平，不客气地讲，这是人们急功近利思想作祟的缘故。时至今日，仍有相当一批初涉硬笔书坛的入门者，刚刚写了几天字，就大谈创作，捧着买来的(事实上可以这样说) “获奖、入选证书”、各式各样的硬书典籍、“会员证”乃至“特邀书画师、客座教授聘书”到处眩耀，沾沾自喜，以为自己当真就是“硬笔书法家”了，而其书写水平实为很低。 《书谱》云：至如初学分布，但求平正；既知平正，务追险绝；既能险绝，复归平正。又云：图真不悟，习草将迷。都是强调基础学习的重要性。当前，在硬笔书法界一谈创作，必追求“新、奇、变”，而摒弃传统的创新实为无源之水、无本之木。再谈到“馆阁体”，许多基本功平平者似也唯恐避之不及，生怕被人说成是“媚俗”。事实上，真正的馆阁书家们都有着相当深厚的书写功底，绝非一般初学者所能企及。笔者在此要奉劝那些尚未省悟者：习字之始，必先求平正。弃其糟粕 尚有精华在其中一瓢先生在《书法》杂志九四年第五期中撰文道：“馆阁体小楷其实古人早已有之，如唐之经生书、干禄字书，宋有院体，明有内阁诰敕体，虽皆有科举习气，但并以工整见长，以法度相胜，古代统治者其所以提倡，意在示人以规矩，初学者岂能嗤之以鼻而等闲视之。馆阁小楷亦极难写，所不足者只是风格雷同，殊少意趣耳。”笔者曾认真研究过明代“台阁体”祖师沈度的作品，观其书法，点画之精到、法度之严谨，令人叹为观止。沈度曾对“二王”及欧、赵诸家法帖下过苦功，只是后来被功名所累，终不能创出自己的风格。但其高超的书写技巧不能不令人叹服，不然的话，他也不会被朝廷冠以“我朝王羲之”的美名。笔者认为，对于“馆阁体”，硬书界应效法鲁迅先生的“拿来主义”，这里所说的拿来，不是眉毛、胡子一把抓，而是要“扬弃”，即取其精华、弃其糟粕。“馆阁体”的形式过于僵化，体势过于死板；但其法度谨严，点画精到。那我们就在习字时多领会其用笔之准确，结构之精巧，而大可不必写得干篇—律，状如算子。发展我们的硬笔书法事业，就要广泛地汲取营养，只要有可取之处，尽可大胆地“拿来”，为己所用。有鉴于此，硬笔书法就不应一味排斥“馆阁体”。毋庸讳言，有识之士如能淘尽泥沙，食之精华，必受益匪浅。原载于《中国钢笔书法》杂志1997年第2期
通过学习书法，能促进学生养成细致、专注、沉着、持久的学习品质。正如郭沫若先生曾经说过的，“要把字写得合乎规格，比较端正、干净、容易认。下面我带给大家的是硬笔书法论文：
硬笔书法论文内容：论书法的力在速度中的问题
下面我们谈谈“速度”问题。书法当中的运笔，讲“迟”和“疾”，迟是慢，疾是快，快慢是速度问题。从起笔到收笔，假如说速度始终一样，则是均匀的，但在我们书写实践中，运笔往往有迟有疾，有时由疾转迟，有时又由迟转疾，这是一种“变速度”。运笔要求有变速，因为变速最能够体现用笔的技巧，最能塑造笔画之力的不同形态美。
运笔“迟”和“疾”，可用带有形容性质的两个字来说明，一是雕塑的“塑”，一是绘画的“画”，是书法中的“塑”与“画”。写字，运笔慢的时候，是为笔画“塑造”艺术形态，运笔快的时候，则是在为笔画“画”形，它同样是为笔画“绘画”艺术形态。但是，“塑”是“精雕”，“画”是“写意”。在“塑”这个笔画形象的时候，就像雕塑运刀不忽细节;在“画”这个笔画形象的时候，就像写意画在快中抓住神态。如果在运笔中能兼用“塑”和“画”，则两全其美了。笔法的“活法”是无穷的，活法才能表现笔画之力的多变的形态。“塑”的形态重，“画”的形态劲。—我非常反对拿起笔来随便画，随便画，与我们所说的“画”有本质的不同。它潦草随便，没有艺术的严肃性。书法艺术有它的尊严性，我们要维护书道尊严。“塑”和“画”要体现力的形态美，所以它在速度中必须遵循美的要求，认真做到“行乎所当行，止乎所当止”。“行”和“止”中包含速度。因此掌握好速度，才能达到得当的要求。
硬笔书法作品欣赏：
在一画之中，还有一个“段”的问题。在运笔过程中，有匀速段，也有变速段。写一横画，如果把它看做一段，从起笔到收笔，运笔的速度是均匀的，即是匀速段;如果把这一横画看做三段，即起段、中段和收段，这就要求写到一定距离，速度要有变化，即是变速段。一画之中有变速段，笔画就不会死。清代包世臣在《历下笔谭》中注意到笔画中的“截”。“截”相当于我们所说的“段”。包氏说:“用笔之法，见于画之两端。而古人雄厚态肆，令人断不可企及者，则在画之中截。”他认为古人写一笔画，中截表现为雄厚态肆，我们后人不容易做到，原因是因为运笔到中段时，笔力不够，会出现“蜂腰”现象。包世臣只注意到笔画中截，而没有重视笔画整体，笔力要贯彻笔画起收的整体中，才能达到包世臣所强调的笔画中截要“实”的实。运笔到了变速段，往往一不注意就突然轻细飘浮，呈现不实。所以用“突然”一词，是要说明变速的过程不是突变，而是渐变，只有渐变，笔力才不中断，才能贯彻笔画的始终。所以书评家强调要笔笔送到。起段、中段和收段速度多是不匀的，是一种“加速度”。书写的加速度是连续的，它表现的形态，轻重粗细不太悬殊，因此，才取得了“实”的效果。包氏认为“实”是他的发现和发明，他说“古今书诀，俱未及此”。他以“圆满遒丽”为“实”的内容，其实“实”是力足的表现。
变速在字的点画中都有，不仅是横画，如一撇的下笔，速度一般较慢，到中段，速度逐渐加快，到最后出锋时，速度比中段又快一些(整个笔画的运笔速度是逐渐加快的。有人不注意，在撇画的起段到中段几乎是同速，而在出锋时，却突然冒出一个细尖，像黄蜂圆满的屁股后刺出一根针—“蜂针”，这在书法中与“蜂腰”一样是犯忌讳的。
作用力在书法中是力的主要来源。书法中的作用力概括有两种:一是向外的冲力，一是向内的潜力。谈到冲力与潜力，就要先讨论书法中的“内撅”和“外拓”这两个术语概念。对于这两个术语，理解不同，争论很多。潜力和冲力，即和这两个术语有关。
唐孙过庭《书谱》说:“或恬淡雍容，内涵筋骨;或折挫差桥，外耀锋芒。”孙在此段话中提出“内涵”跟“外耀”两个词。相传的晋卫夫人《笔阵图》说:“善笔力者多骨，不善笔力者多肉，多骨微肉者谓之筋，多肉微骨者谓之墨猪。多力丰筋者圣，无力无筋者病。”她又把“力”和“筋”、“骨”联系在一起，以“筋骨”使“力”形象化。“筋骨”在人的体内，指的是向内的力。相对而言，孙氏说的“锋芒”就是指向外的力了。孙氏已经明白地用了“内”与“外”，因此，我把“内涵”、“外耀”都归到“力”的表现方面来。
北宋《宣和书谱》说:“虞则内含刚柔，欧外露筋骨。”他的“内含”和“外露”说法，讲的也是力。宋米莆认为“右军中含，大令外拓”，这个“中含”即孙过庭所说的“内涵”;“外拓”比孙氏的“外曜”更明白地指出是属于力的表现。书法理论传下来的“内擫”和“外拓”，见于元朝袁裒《总论书家》。袁说:“右军用笔内擫而收敛，故森严而有法度;大令用笔外拓而开廓，故散朗而多姿。”但一直到现在，这两个术语，还各有各的解释。袁氏是在讲右军和大令的用笔方法时，才提出“内擫”和“外拓”的说法。当然“内擫”和“外拓”都是讲的笔法。“擫”和“拓”从字义讲也都是讲力的，字形也都从手旁。
我不能同意“内擫”是骨(骨气)胜之书，“外拓”是筋(筋力)胜之书的说法。我也不同意把“内擫”和“外拓”理解为书法之性情和意境。更不同意内撤的结果是圆笔，外拓的结果是方笔。“内涵”与“外曜”，“内含”与“外露”，“中含”与“外拓”，“内擫’与“外拓”，这些都是相对的两个概念，只是用词不同，意义却是差不多的，都是指用笔的方法，通过这种不同的方法表达出力的美。
硬笔书法的时代性
硬笔书法是书法艺术百花园中一朵璀璨的奇葩。它的书写工具包括钢笔，以墨水为主要载体，来表现汉字书写技巧。这是我给大家带来的硬笔书法的时代性，一起来看看吧。
时代性亦称时代精神，即在一定历史时期，许多艺术家在创作活动中所呈现出来的一种主导风格。这种主导风格代表了当时的创作倾向和审美倾向。古往今来的书法家，都是在他们所处的特定时代中从事书法活动的，他们的书法活动必然要受到时代的制约和影响，其书法作品也必然要打上时代的烙印。钢笔是从外国输入的，传到中国不过百来年的历史。这百年的风风雨雨．硬笔书法也跌跌撞撞地走到了今天。当我们回眸过去，可以清楚地看到：时代对推动硬笔书法艺术的发展起到了不可低估的作用。与此同时，书法家们也反作用于时代，影响一代书风．书法与时代，有着许多微妙的联系。
一、依附期
十九世纪末，戊戌变法夭折，受西方思想影响的进步人士，被迫四处流浪，躲避风险，如碑学大师康有为就逃到日本，利用其书法优势，竭力宣传救国良策，试图东山再起，有的则云集到相对比较安定繁华的上海、浙江一带鬻书为生，他们在一定程度上带动了各地书法发展。随着八国联军的人侵，资本主义列强渗透我国，闭关自守的对外政策逐步动摇，外国势力趁机通过各种手段，来达到瓜分中国的野心，伴随着坚船利炮，一种由鹅毛或鹅毛管转化而成的蘸水笔传入我国，因为它使用便当，在一些场合中，人们便用来替代毛笔书写记事，但从书法角度看，它要与几千年历史的毛笔书法争一席之地，无疑会引起那些遗老遗少和守旧派人物的反对，它的销售和使用最初仅见于天津、上海、广州大城市及沿海口岸，满足了人们一时对异域书写工具的新奇感，而并未真正立足。
随着第一次世界大战的爆发，外国势力忙于欧战，暂时放松了对中国的侵略，中国资产阶级、无产阶级的力量得以不断壮大，他们在辛亥革命潮流的影响教化下，革命民主主义思想日渐活跃，引触了“五四”新文化的爆发，千余年的科举制度随之土崩瓦解，大大解脱了“馆阁”书风的束缚，新文艺社团和流派蜂起，一些书法家组织了各种书法艺术社团，进行学术研究．如上海成立了书画研究会。书法艺术正在悄悄发生变化。这使得硬笔书法艺术崭露头角，新文化运动中的作家郁达夫、巴金、胡适、丁玲等大都提供并使用过钢笔书写手稿，鲁迅也曾在南京和日本的学校积极倡导使用钢笔写字，并身体力行，常用钢笔记事著书。但由于他们“无心成书家”，加之又对传统书写工具的依恋和钟爱，后来仍一直用毛笔，只是在久病卧床或动作不便时，才偶尔使用钢笔写字，这些钢笔字无论从笔法、字法、章法上看都完全脱胎于毛笔书法，所以20世纪初到三十年代末尽管出现了硬笔书法，仍多依附于毛笔书法，书家都是毛笔书法家，他们基本上不能较好地驾驭钢笔，充分发挥钢笔线条的艺术表现力。甚至有些入还不承认钢笔写出来的是书法，他们把钢笔或其它硬质书写工具，仅仅是作为一种单纯的实用书写工具。这一时期的硬笔书法呈现出以下几个特征：一、毛笔书法痕迹重；二、自然率真；三、粗糙少变化；四、基本上是手札。如“新月派”诗人徐志摩(1896-1931)的硬笔手迹，信手拈来随意挥洒，线条拙朴遒健，但因是自然流露，看起来有点漫不经心，点画、字形缺乏变化。又如鲁迅先生，他的书法上通篆隶、直攀魏晋，不仅重北碑，且不废南帖，更倾心于名碑名帖之外的民间碑刻，但他30年代在病中写给何清（董源）先生的钢笔短札，仍嫌笔势缺少照应，特别是第二行、第三行开头，点画过于零碎，除“或有”等四处字出现连带外，其余之呼应欠佳。至于其他大多数的书法家，随着抗日战争和解放战争的全面爆发、深入，有的凭手中的硬笔进行正义战争的宣传，积极支持革命，但字迹大多潦潦草草，不成体统。这一时期的硬笔书法，只能是毛笔书法的附庸。
二、萌芽期
1949年7月，在北京召开的中华全国文学艺术工作者第一次代表大会上，政冶报告和郭沫若的《关于新中国文艺运动》的报告，着重强调了团结文艺工作者，文艺为工农兵服务、为人民服务的.问题，恰好这时硬笔已由蘸水笔改进为自来水笔，发生了质的变化，钢笔主要是美国派克公司生产的“派克笔”，圆珠笔主要是美国雷诺公司生产的“原子笔”，大量畅销我国，西洋硬笔与中国汉字从此结合，硬笔书法就由少数文人雅士的逸笔余兴而转变成广大群众的业余爱好，逐步演绎出中国群众性硬笔书法活动的壮阔场面，这时的硬笔书法呈现出以下几个特征：一、与毛笔书法逐渐分离，开始萌芽；二、逐渐普及、实用性较强；三、开始注重技巧；四、出现了一些论著。民国时的陈公哲先生率先用钢笔创作书法艺术作品，特别是1935年出版的《一笔行书千字文》，为硬笔书法的萌芽奠定了基础，邓散木于四十年代编写的《钢笔字写法》，对钢笔书写进行了大胆的探索和艺术性尝试，但技法上采用毛笔的“欲左先右”、“欲下先上”的藏锋技法。不仅不能满足快捷、便利的实用需要，而且强求摹仿毛笔技法．在艺术上大大削弱了硬笔书法的艺术个性，因此，未能引起足够的重视。倒是早在四十年代初就积极倡导硬笔书法的黄若舟先生，于五十年代出版了关于硬笔书法的专著《书通》，从理论上对硬笔书法进行了有益的探索，尤其是他的《汉字书写法》在实践上通过对中国汉字结构的梳理，结合传统毛笔书法特点，找出其中一些有规律性的搭配书写原则，采用横写，加上左右字之间适当的呼应牵连，使学书者可以通过短时间练习，迅速提高书写速度、掌握字形结构，达到美观、易识的教学目的，可谓是硬笔书法真正的萌芽。但不可否认，由于黄先生没能很好地驾驭硬笔，线条柔媚，缺乏力感，字形大小、长短因受法度控制，显得拘谨不够自然洒脱，这种极端技巧性的书写方法，会使书法爱好者路越走越窄，甚至走进死胡同，因为行草书不单是“快写”，还要注意整体作品的韵律，表现现代人丰富的心理感受。应该说黄著不是完整意义上的硬笔书法专论。值得注意的是，黄先生的字到了晚年明显“醇”、“雅”得多，越看越有魅力，非一般书家所能及。
三、发展期
本世纪七十年代末，浩劫般的“大革命”宣告结束，文艺界重新活跃起来。硬笔书法经过一些人的刻苦探索，逐步复苏，但由于每个人的审美追求不同，硬笔书法发展成两种不同的道路。一类是以实用为主要目的，艺术价值大打折扣。随着高考的恢复，为了适应千千万万人的“应试”需要，迫切需要一本能迅速掌握书写技巧的基础型的硬笔字帖。庞中华的《谈谈学写钢笔字》无疑敲开了中国现代硬笔书法艺术的大门，庞著以实用为根本，美观、通俗为支点，创造出秀美、工稳、整齐的字体，既符合经过“文革”磨炼的人们的审美观念，又在很大程度上迎合了人们实用的目的，集观赏性、艺术性、实用性于一体，成为民众易为接受的通俗书风。作品中“露锋”起、收笔法，为硬笔书法技法的普及、发展起到了指导性的作用。但由于庞先生对毛笔书法艺术深入不够，其书也缺乏足够的艺术内涵，过多的瘦硬、规整与平正，流露出“匠气”。除比较适合于初学者外，其它如单调的笔画，整齐的排列．一般大小的字形等，很难把书者的情感有机地融人作品中、通过线条很好地表现出来。另一类以人为中心，既重视传统技法，更探求意境的高远。沈鸿根先生就给了我们很好的答案。他的硬笔书法，于晋唐楷书、二王行草．用功最勤，将晋唐严谨的法度、清新雅臻的韵味融入简洁、明快、细劲、爽利的钢笔字之中，不断探索和锤炼，因而楷书多蕴魏晋法度，雄劲厚重；行草书重气势，线条刚健，劲挺恢宏，特别是作品布白匠心独具，形成了自家风格。因而吸引了大批的追随者。但他的作品豪放有余而缺少一点含蓄，行草虽似大洋狂澜滔滔不绝，但狂放中显霸气．探索性作品可能由于过于反叛而显浮躁，耐不住推敲。
四、壮大期
当今社会，知识爆炸、信息爆炸、观念爆炸，硬笔书法也在爆炸中开了花，呈现出一派大好景象。主要标志是：从事硬笔书法的人数众多，各级协会林立，活动频繁，流派纷呈，报刊杂志、字帖大量涌现，各种笔型层出不穷。种种迹象表明，目前的硬笔书坛，正逐渐壮大。有的通过硬笔书法进行交流活动的同时，也想获得一份精神上的享受。他们往往不带任何功利目的，对结果看得较淡，所以艺术深度不够。另一些人则把名利看得过重，以加入权威性协会或参展、获奖为最终目的，一旦如愿便不思进取。只有少数人凭着虔诚的心，把硬笔书法作为终身追求的目标，经过他们的执着追求，成为真正的硬笔书法家。这样的书家本身即是有较高水平的毛笔书法家，他们通过硬笔工具表现能力、性格及其技法的研究与运用，成功地将毛笔书法的功力和创作方法嫁接到硬笔书法的创作中来，在创作形式、方法及表现上显得内涵丰富，艺术情趣浓厚，具有强烈的创新意识，艺术品味较高。如浙江的王正良、王冬龄，北京的田英章，山西的武垒，黑龙江的何昌贵，江西的邱振中，广州的曹宝麟等。这幅王冬龄的行草书，用未经任何加工过的普通钢笔所书，整体上给人的感觉是豪放不羁、大气淋漓、极具动感，作品因字塑形，行气通畅，节奏感强烈，音乐感丰富．似一首优美的曲子。不难看出，王先生在用钢笔创作时，心中感觉到的仍是他的毛笔。仍然是他所熟悉的带有自己强烈个性的线条。还有一批硬笔书法家，他们从毛笔书法中汲取创作技巧，弥补硬笔书法在发展期内艺术表现方面的不足与贫乏，努力摆脱实用，达到较高的艺术水准。如浙江谢非墨、许晓俊．新疆的赵彦良等。有“获奖专业户”之称的谢非墨，主张用笔为上，对笔性理解相当深刻。他使用依金笔和美工笔进行创造，能恰当地利用笔的弹性把书写力度控制在一定的区间内而不至于让书写出来的线条单薄而失去丰富的美感，犹如使用毛笔时不用尽毫去书写，随着笔画轻重起伏变化，字迹墨色也存在相应的浓淡、轻重等层次变化。同时又善于把碑刻上的异体字或同字异写法引入，增添了作品的观赏层次。章法上则采用纵有列、横无行的形式，不失潇洒灵动、古雅清新，令人回味无穷。除以上两种类型的硬笔家，再就是对现代艺术各门类进行全方位、深层次探涉的开拓者，他们所从事的活动、接触交流的思想都是超前的，作品从形式构成深层意识都有了前瞻性，如辽宁的董文，江西的谭振飞等。谭振飞93年在江西《硬笔书法通讯》上发表的一幅题为《雨中楼群》的作品，就是借鉴和吸收了现代先锋艺术如现代绘画、现代建筑、音乐等。作者首先从现代拼贴画中吸取创作灵感，分别在两页纸上写下了邱振中的那富有激情的诗句：“你拍打，疯狂地拍打……风暴！风暴！风暴！风暴！”，然后一正一反拼贴起来，构成一幅作品，作品左右两边有大片的不同层次的空白，笔画都在拼贴线的两旁运动，极具探索精神。
五、展望
对未来的硬笔书法，我们无法做出肯定的判断，但可以想象：随着人们生活节奏的进一步加快，WTO的加入，对外交流的进一步加深，高考规模的不断扩大，网络信息的日益成熟，各种先进仿真术的出现，以及种种思潮的介入，人的思想观念、精神追求与审美情趣将会不断更新，与我们的精神世界联系在一起的硬笔书法必将在文化中重新崛起。它将被赋予新的内涵，由表现传统文人式的学识修养转向表现现代人复杂深刻的生活体验。古典式创作与鉴赏能力的漫长培养过程会遭到节奏极快的现代生活的冲击，但纯粹传统风格的硬笔书法作品仍会继续存在。不过，它所具有的是一种古典艺术式样的“文物”性质，而更多的是动用各种书写工具和书法技巧，通过空间和时间的陈述，拓展人们对硬笔书法艺术在时间长度和空间跨度的视野，超越传统，超越自我，为人们提供一类特殊视觉艺术的抽象作品。我们期待的硬笔书法正是这样一种真正意义上的现代视觉艺术。
第一部分 硬笔书法概述一、 为什么要学习硬笔书法首先，练习要对汉字有个基本概念。我们使用的文字叫汉字，是中华民族文化的重要组成部分而且是世界上最古老、最优秀的文字。怎么样认识汉字呢？简单地说就是由笔画和偏旁部首按一定规律组成的文字，这是我们学习硬笔书法必须了解的。其次，我们的学习和生活每时每刻都离不开文字，因为它是我们交流的重要工具之一。我们上学就开始学习汉字。而且在小学阶段，学习读写汉字是语文课的重要内容。要把汉字写得准确、美观，才便于互相交流。有的同学可能认为现在电脑、手机很普级用起来很方便，字写好写不好没啥关系，这种认识是不正确的，电脑和手机是不能全部代替书写和记录的，二、 学习楷书的意义 我们学习写字，要对国国文字和几种书体有所了解。从文字创造定型，执照演变的顺序有甲骨文，金文、篆、行书、草书、隶书、楷书几种。楷书最后形成是在唐代，我们现在使用的楷书与唐代基本没啥变化，而且在广泛地使用，我们学习的课本、阅读的图书、报刊杂志基本上都是楷书。为什么叫楷书呢，有书中楷模的意思，作为交流的一种标准字体。它有什么特点呢？形体方正、笔画平直，通常称为方块字。便于书写和识读，实用价值最高，被作为初学入门最理想的一种字体，也为今后学习行书打下基础。三、 学习硬笔楷书主要学什么？ 首先，要了解什么样叫硬笔？它是以软笔（毛笔）相对应的，是以铅笔、钢笔、圆珠笔等笔头弹性小，比较硬的笔通称硬笔。 同学们在学校上课的时候，老师也天天教大家，也天天写，还用到这里来学习吗？回答是肯定的，到这里来学习非常必要，因为这个培训班是一次集中的、专业的强化训练，是对你写定产生强烈影响的培训。当学习结束的时候，你们会感到这次学习将使你受益终生。 一是要学习正确认识汉字的特点和书写规则。前面说到，汉字由笔画和偏旁部首按一定规则组成的。那么我们就要详细了解和掌握这些内容。比如横、竖、撇、捺怎么样写，偏旁部首的名称怎么叫，如何写准确，笔顺的原则，先写什么，后写什么，字的结构怎么安排才合理美观。概括地说，学习楷书就是学好笔画（偏旁）、笔顺、结构。 二是掌握书写技巧。这是我们学习的重点。光知道怎么写了，不等于会写了，会写了不等于写好了，这里面是有技巧的，不训练是很难掌握的。这些技巧的掌握要靠老师的指导，教给你窍门，同时要靠同学们刻苦的练习，不断纠正不规范的习惯，使你的书写走入正确轨道。 三是要有正确的握笔方法，坐姿和运笔技巧。1、握笔的方法是握笔在笔尖往上3厘米左右的地方，笔尖与纸形成45度夹角，如图。2、坐的姿式，要头正，身直，两肘平曲，两脚自然张开，右手执笔，左手按纸，胸离桌边一拳宽。3、运笔技巧是一个十分重要的问题。以手掌、腕关节的下沿作为支点，固定在纸上，以此为中心，用腕关节的左右摆动作横向运动，以指关节的上下摆动，做上下方运动。这样才能保证你书写的准确性和灵活性。这一点须细心体会和实践。四、需要注意的几个问题1、认真读帖。对你要写的字帖和范字，要认真地看，把他的形态，结构弄清楚以后记在心里。比如上下左右，长短偏正，搭配呼应等等。不能看一笔，写一笔。要做到心里有数。2、要循序渐进。学习的人都有一个共同的心理。要在短期内把字练好。要知道，写好字不是一日之功，像俗话说的，不能设想一口吃一个胖子一样，是需要有一定的训练时间的，只有达到一定的量，才会有明显的提高。不能以为参加了这个培训班，鞋子的问题都解决了。学习班结业了，就写出一手好字来。这里有个循序渐进的过程。我们这个培训班就是教您怎么才能写好字，加深对汉字的了解，掌握书写技巧，就是交给你方法。交给你一把通向硬笔书法大门的钥匙。3、定时定量，持之以恒。老师告诉你怎样写？你也明白了，但你的笔不听使唤，想写好不一定写好。这是什么问题呢？中国有句老话叫，熟能生巧。在大量的训练中才能做到手笔相应。这个量的掌握就是每天都要谢一定量的字。如果字写得少，技巧掌握不牢，一次写太多写疲倦了，效果也不好。根据实践，每天写2页16开的方格，时间大约30分钟，如果坚持经常，就会有成效了。这里有个道理，多练就是养成了书写习惯。这种习惯是机械运动，不需要思考的。因为人体的肌肉是有记忆的，不是一边写，一边思考，而是下笔一写就准，真正提高我们的书写水平了。