外国工艺美术史论文3000字体高清
工艺美术运动虽然是由设计师自发发起的，但是，由于人们的审美观念的变化、工业革命以后产品外观设计的丑陋等事实，使这场运动发展迅速，从英国蔓延到了欧洲大陆的法国、斯堪的纳维亚半岛以及美国。影响所及，涉及到建筑、家具、陶瓷、金属工艺、染织品和平面设计等领域、范畴。1、建筑与室内设计建筑与室内设计可谓是受工艺美术运动影响最早的领域。这不仅表现在工艺美术运动的倡导者基本上是一些建筑设计师，而且在建筑与室内设计领域充分体现了工艺美术的思想。除了我们前面所列的一些设计师在建筑与室内设计领域所作的工作以外，英国还有飞利浦•威柏（Philip Webb）、诺尔曼•萧（Norman Shan）；美国有弗兰克•赖特、格林兄弟（Green and Green）。其中后者在洛杉矶的帕萨蒂纳市设计的根堡住宅（The Gamble House）具有强烈的工艺美术运动特征。整个建筑采用木构件，讲究柱结构的功能性和装饰性，吸收东方建筑和家具设计中装饰性地使用功能构件的特征，强调日本建筑的模数体现和强调横向形式的特点。2、家具设计家具设计是工艺美术运动影响最大的领域。除了莫里斯的“红屋”设计以外，一批著名的设计师都设计了颇具工艺美术运动风格的家具——简洁、质朴，没有过多虚饰结构，并注意材料的选择与搭配。如英国查尔斯•沃塞（Charles Voysey，1857—1941）他习惯选用橡树木料，造型简单而结实大方，而比较少有中世纪风格的重复出现，偶尔采用黄铜或红铜作装饰，风格清新、轻巧。比较莫里斯的家具设计，沃塞的设计更加实在，也更加容易批量化生产，对于工艺美术运动为大众服务的精神来说，沃塞显然比莫里斯在实践上更加接近精神的实质内容。又如斯各特在家具设计方面喜欢采用动物和植物的纹样来做装饰，以凸出的线条来勾勒出这些自然纹样来，因而风格颇典雅。再如美国古斯塔夫•斯提格利设计的家具（图2-10），由于他对于东方风格，特别是中国的传统家具风格的优点了解得十分深刻，因此，他设计的家具，无论是其木结构方式，还是装饰细节，乃至金属构件，都有明显和强烈的东方特色，可以看到中国明代家具的影响，这是东西方设计比较早的直接影响成果之一。3、陶瓷设计从总体上说，工艺美术运动时期的陶瓷设计虽仍以实用性小，主要供陈设与玩赏的艺术瓷为主，陶瓷设计家和制作者们忙于提高温釉及窑变等品种的实验，但在克里斯托夫•德累塞、马克•马歇尔（Markv Marshall）、威廉•德•摩根（Williamde Morgan）和科尔曼（W•SColeman）等人设计已带有明显的植物有机形态的特点，特别是美国辛辛纳提市鲁克伍德，陶瓷厂（Rookwood Pottery）的产品（图2-11），具有工艺美术运动典型痕迹特征。4、金属工艺设计工艺美术运动的金属制品设计也很引人注目，它不仅是设计师们表达技术与艺术相结合的思想的一个重要方面，而且其设计更少无用的虚饰，更富于现代感，具有浓厚的哥特风格特点，造型比较粗重。在陶瓷设计方面作出了较大贡献的有前所述阿什比和德累塞同样在金属工艺设计方面作出了巨大贡献。查尔斯•罗伯特•阿什比（Charles Robert Ashbee，1863—1942）原在剑桥大学学习历史，受拉斯金影响，于1888年创办“手工艺协会”，从事银器和家具等的设计。他设计的银器造型高贵、典雅，带有修长弯曲的把手或支脚，是工艺美术运动中最精美且最具代表性的金属制品（图2-12）。而出身于植物学教授的克里斯托夫•德累塞（Dr Christopher Dresser 1834—1904），其金属制品设计造型以简结的几何形为主，外表光滑，运用铆钉衔接，已有工业化生产的痕迹，具有从手工艺向工业化生产发展的特征，甚至后来的包豪斯设计都从中获得灵感。5、染识品设计由于莫里斯对染织业兴趣最大，所以其对英国工艺美术运动中染织品设计的影响也最直接。他反对在染织上使用任何化学染料，坚持使用天然染料。他亲自设计壁挂、地毯、壁纸等，常用的纹样是缠绕的植物枝蔓与花叶，自然气息浓厚（图2-13）。在莫里斯的影响下，英国工艺美术运动期间出现了一批染织品设计家。如莫顿•阿比（Merton Abbey）于1883年设立了自己的染织工场，生产各种地毯和挂毯，称为“汉姆史密斯式”（Hammersmith），这些染织品的设计与他早期的墙纸设计风格是一致的，都采用大量的自然主义动机，特别是植物的枝条蔓叶，采用缠枝花的四方连续布局，内中杂以各种小鸟，色彩比较优雅朴实，在当时弥漫市场的繁琐的维多利亚风格中独树一帜，很受欢迎。此外，设计家戴依（Lewis FDay）、AH马克穆多（AHMackmurdo），以及莫里斯的女儿玛利•莫里斯等，设计生产刺绣、地毯、墙纸等，具有一定“工艺美术”运动的特征。6、平面设计平面设计可谓是英国“工艺美术”运动比较有成就的一方面，莫里斯堪称是奠定这场运动平面设计基础的人物。1890年，莫里斯创办凯伦苏格特印刷厂，着手进行书籍装帧设计，1896年，曾出版过被认为书籍装帧史上最杰出的版本之一《桥沙集》，在莫里斯的影响下，工艺美术风格的平面设计在英国、美国和其它欧洲国家迅速发展开来。出现了包括了马克穆多、奥布里•文特生•比亚兹莱（Aubrey Vincent Beardsley，1872—1898），比利时的亨利•凡德•威尔德（Henrivande Veldt）、法国的阿尔丰索•穆卡（AMucho）等设计师。马克穆多设计的《玩具马》（the Hobby Horse），是比较早的具有影响的工艺美术风格的平面设计作品，它是一本季刊，其设计以流畅黑白线条装饰插图而见长由于“工艺美术”运动时期包括莫里斯在内的设计家在平面设计方面具有强烈哥特复兴特征。这一点与当时流行的拉斐尔前派兄弟会的绘画风格是一脉相承的，表现了英国社会上在平面设计方面的浪漫主义倾向。所以遭到了刘易斯•戴依（Lewis FDay）等人的指责，他曾住在1899年的一本期刊《东方杂志》（the Easter Journal，1899）撰文批评莫里斯，认为他的书籍设计过于沉溺于复古主义，过分古旧和沉重，他认为这样的复古倾向，完全违背了莫里斯一向主张和倡导的设计社会化、民主化、大众化的立场和原则，使书籍无法成为大众的普及读物，而全落为少数收藏家的收藏品。为了扭转莫里斯等人的平面设计风气，戴依和插图画家杰西•金（Jessie MKing）、格里那维（Kate Greenaway）合作，创造出一种为广大儿童的读物设计风格来。他们的设计充满了儿童的天真、浪漫色彩，无论是字体、插图风格，还是布局排版，都轻松可爱，深受儿童的喜爱。他们的这种设计风格影响了当时和稍晚的许多平面设计家和插图画家，其中最著名的当推比亚兹莱。他曾向莫里斯学习绘画，后来他巧妙地吸收了日本浮世绘版画的线条艺术，也从波斯细密画中吸收其装饰手法，形成自己单纯、优美、秀媚的风格，尤其在描绘女性形象时，往往为主人公设计一套独出心裁的服装式样，因此有他插图的作品集一旦出版，马上会成为闰阁中的必备书，其插图中描绘的时装式样马上便会在社会上流传开来。 给你点资料，自己整理。
外国美术史： 外国美术史是浩瀚的海洋！是由无数条艺术河流汇集起来的。中世纪美术史和历史一样，是在暴力、神权垄断的野蛮时代缓慢发展的，以前的美术史家都没有对这时期持太高的 评价。但是近期中世纪美术得到新的关注，尤其是中世纪以后，西方美术史进入黄金阶段。 1、外国绘画流派： 1 威尼斯画派：产生于十五至十六世纪的意大利威尼斯。威尼斯画派的艺术家们对色彩特别敏感，追求色彩的热烈明朗与辉煌灿烂。他们的题材从宗教转向世俗，多描绘美丽的自然风光，作品带有一种享乐主义的情调。从绘画的体裁上看，由于威尼斯气候潮湿，不适合壁画的创作，他们发展了油画的创作。其主要画家有乔万尼•贝利尼、提香等。 2、印象主义： 于19世纪60~70年代以创新的姿态登上法国画坛。他们反对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。它和过去的艺术最大的区别是艺术语言的改变。印象主义吸收了柯罗、巴比松画派等的艺术营养，在十九世纪现代科学技术的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘在阳光下的事物，并根据画家自己的观察和感受，表现微妙的色彩变化。其代表画家有：莫奈、雷诺阿等。 3、古罗马与古希腊： (1)与希腊艺术相比，古罗马艺术没有希腊艺术那样的浪漫主义色彩和幻想成分，而具有写实和叙事性的特征。 (2)罗马艺术不像希腊艺术那样单纯，它的渊源复杂，既受了希腊艺术的影响，也吸收了西亚等地区艺术的影响。 (3)希腊艺术主要用于敬神，围绕神庙和祭祀、纪念活动进行创作，带有理想化的色彩。罗马人的艺术则大多是以给帝王歌功颂德、满足罗马贵族奢侈的生活需要为目的的。 (4)希腊人创造了世界最伟大的雕塑艺术。希腊雕塑强调的是共性和民族精神，而罗马人要求的是个性特征鲜明的肖像。罗马艺术家不仅追求外形的逼真，而且注重人物个性的刻画。 (5)在建筑方面，罗马人取得了独特的成就。他们在技术和结构上都比希腊的建筑艺术有所进步，在建筑类型上也比希腊更丰富。 不只有神庙和剧院的建筑，还有各种实用性和纪念性建筑如桥梁道路，集会场等并在建筑的空间处理，节约材料耐久使用和美观等方面作了有价值的探索为以后西方的建筑艺术奠定了基础。 总之，希腊艺术是理想主义的，简朴的强调共性的，典雅景致的，罗马艺术是实用主义的，享乐的，强调个性的宏伟壮丽的。 4、主要流派： 17、18世纪的意大利美术共有三个主要流派：意大利学院派艺术、巴洛克艺术、和以卡拉瓦乔为代表的现实主义艺术。这一时期的意大利美术在于历史转折期，对意大利甚至整个欧洲艺术都有承前启后、继往开来的作用。承前是指继承文艺复兴时期美术的某些传统，如学院派主张绘画的标准是米开朗基罗的人体、拉斐尔的素描、格累乔的典雅与风韵等；启后是指它开辟了一个新的时代，它的多姿多彩，对后来的欧洲美术有着深刻的影响。如学院派艺术影响了古典主义艺术的发展；巴洛克艺术影响了罗可可艺术和浪漫主义艺术；而卡拉瓦乔的艺术，不仅在当时影响了欧洲各国的现实主义艺术，还对18世纪的市民艺术、19世纪的批判现实主义艺术都产生过深远的影响。 17世纪的意大利艺术不是巴洛克艺术一统天下的，应该是多元的，只有这样才能全面的了解。。才能看到他的多样性和复杂性，各个流派之间既有相互影响又有相互斗争。 米开朗基罗的主要作品有《大卫》、《创世纪》、《摩西》、《最后的审判》等作品。早期作品《大卫》充满了愤怒和力量，这种力量也是人文主义者向往的自由的人所具有的巨大潜力。正因如此，这件作品成为文艺复兴时代英雄的象征。《创世纪》仍是通过神话题材表现人的信心和生命力。《摩西》中的人物和大卫一样，也是一个拯救民族、摆脱苦难的英雄人物。在摩西身上，作者表现了人的尊严。《最后的审判》是米开朗基罗晚年的重要作品。这件作品的成功和伟大之处在于从人与人的相互关系中产生了统一的人的集体形象，而色彩的巧妙的使用又使壁画具有了戏剧性的紧张。 米开朗基罗艺术中的悲剧性是以宏伟壮丽的形式出现的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反映。正是在他的作品里。，文艺复兴时期的人文主义理想得到了全面而鲜明的表达，因为米开朗基罗有意、无意地流露出人文主义思想的核心，即人的主动性与积极性以及人建功立业的能力，所以米开朗基罗的艺术几乎成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。 5、19世纪法国主要艺术流派与思潮 其代表人物及其代表作品： 19世纪的西方美术，尤其是法国的美术，出现前所未有的繁荣局面，先后产生了新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义、新印象主义、后印象主义等。 1）新古典主义：新古典主义的艺术重古代，重理性，道德，格律，宫廷。主要代表画家大卫，他一生积极参与革命，紧跟时代潮流，把自己的绘画艺术同革命紧密结合起来。代表作如他的名作《马拉之死》调子深沉而又悲壮，真实描绘了马拉遇害。作者满怀激情地沤歌了这位革命者坚韧不拔的斗争意志和为人民幸福操劳的崇高品质，使这位"人民之友"的英勇形象流芳百世。 2）浪漫主义：浪漫主义的艺术重中古，自然，感情，形式，对比。其先驱是席里柯，他的《梅杜萨之筏》被看作是浪漫主义的伟大宣言。这幅画的构图、光线、色彩、人物的动态与表情等都表现出画家丰富的想象力与创造的激情，它问世后受到人们的高度赞扬，具有强大的艺术姑力。德拉克洛瓦的《自由引导人民》以及雕塑家吕德的《马赛曲》都是浪漫主义的杰作。 3）现实主义：现实主义的由于现实主义艺术家的作品大多对所处的社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又称批判现实主义。与浪漫主义相对立。其艺术重现实科学客观批判。杰出画家代表有库尔贝、米勒、柯罗以及雕塑家罗丹等。库尔贝主张以人间艺术为主体，代表作《画室》，《石工》米勒热爱土地艺术，代表作《晚钟》《拾穗者》，柯罗多画风景画代表作《孟特芳丹的回忆》，雕塑家罗丹他的代表作有《加莱义民》、《思想者》等。 4）印象主义：重外光瞬间视觉气氛，印象主义画派提倡户外写生，在色彩上 进行大胆革新与突破，打破了传统的褐色调子统治画坛的局面。代表画家有莫奈、德加、雷诺阿等。莫奈的《日出•印象》这幅画参加了1874年首届印象派画展，二位保守记者借用它的标题撰文嘲讽展览是“印象主义画家的展览”“印象主义”由此而得名。晚年《睡莲》德加〈苦艾酒〉雷诺阿〈包厢〉〈煎饼磨坊〉 5）新印象主义：新印象主义的艺术重科学，和谐，理性，使颜色由色板上的混合改位由视觉上的混合。代表画家是修拉，他在作画时用点彩的方法来表现对象，又称作“点彩派”。代表作有《大碗岛星期天的下午》。 6）后印象主义：后印象主义最著名的三位画家是塞尚、凡高和高更。塞尚的代表作《有苹果的静物》体现了他追求物体的结构、体积质感及其相互关系的创作特色。画面显得十分厚重和沉稳，色块鲜艳夺目:给人以特殊的美感。对立体主义和未来主义有影响，凡高的名作《向日葵》无人不晓，在凡高的眼中，向日葵是太阳的化身，象征热情、光明和生命。画家倾注了满腔激情，用旋转扭动的笔触描绘出一支支生气勃勃的向日葵，用丰富的黄色来塑造太阳的象征物，从而使这些静物画达到了传神入化的境界。对表现主义有影响，高更的绘画具有象征性和原始神秘意味。代表作《我们从哪里来?我们是什么?我们往哪里去?》使用了强烈鲜明的色块与单线平涂的手法，吸收了东方艺术与黑人雕刻等特点，创造了一种具有内在力量的装饰性画风。是抽象性和寓意性成功处理。对象征主义有影响。 意大利文艺复兴一人文主义精神为主旨，那绘画、雕塑艺术推向了一个新的高度。一部外国美术史，同样也是一部建筑史，工艺美术史没有外在历史大师当中，有许多人即使画家有是建筑师，工艺美术家，如米体朗其罗-贝尼尼等。 普拉克西特列斯（Praxiteles，生平不详），古希腊古典后期杰出的雕塑家。雅典人，流传下来的生平事迹很少，主要创作年代为公元前370－公元前330年。他一生创作了大量的雕像，大多以大理石为材料。作为古希腊古典后期雕塑艺术的代表人物，他善于把神话中传说的人物纳入平凡的日常生活中加以描写，风格柔和细腻，充满抒情感，从而确立了公元前四世纪希腊雕塑的艺术特征。传说他曾与当年雅典最美的少女芙留娜恋爱。普拉克西特列斯的代表作品有《赫耳墨斯和小酒神》、《牧羊神》、《尼多斯的阿芙洛蒂忒》等。
楼主的问题不够明确啊~~~~附上一篇，希望能帮到你。平凡质朴的崇高之美——米勒与《拾穗者》米勒在43岁时完成的《拾穗者》，这是一幅描写农村夏季收割劳动场面的作品，从题材上看，应该说平凡而简单。但它在当时产生的艺术效果是所有人没有料到的。画面上，金黄色的田野一望无际，秋天麦收后的辽阔土地上，有三个农村妇女正在弯腰而细心的捡拾收割后被遗落在田间的麦穗，她们身后的不远处，有堆积如山的麦垛。这一切，都说明三位拾穗的农家妇女是勤劳而朴实的劳动者。从画面上看，尽管她们身体健壮，但始终在重复着机械而单调的动作，目光却全神贯注在地上的麦穗。尤其是她们手中拿着的几根拾起的麦穗，与远处的草垛形成极其鲜明的对比。她们那憨笨的动作，也流露出一种虔诚和忠诚，画作将农民和土地的这种情意刻画得淋漓尽致，入木三分。所以，任何人在这幅作品前，都会产生一种对丰收、对生命的庄严景仰，都会产生一种农民对土地那种类似于宗教般虔诚的情怀。当然，也对画面上的平凡而质朴之美产生崇高的敬意。《拾穗者》这幅画刻画了三位贫穷的农家妇女在辽阔的麦田里捡拾麦穗的情景，她们弯腰捡拾的动作展示了一种古典美。重要的是对人性的讴歌与赞美。同时，美丽富饶的农村自然景色与农民的辛酸与勤劳又形成明显反差。法国文艺评论家卡德莱曾这样说道：“米勒的《拾穗者》等作品刻画出他当时那个时代一般平民的心理和思想，表达了近代思想，这是一位高贵而不朽的人性画家。”在这幅作品中，米勒安排的人物动作和形态已经成为后人研究构图的经典，人物朴素动作优美，特别是在她们的背后，那合理而有序的铺陈，使得画面散发着一股泥土的芳香，也弥漫着古老而沉重的诗意，使我们感受到大地之神的魅力和古典的庄严美。据说，米勒在创作这幅作品的时候，自己的孩子连奶水都吃不饱，家庭生活极其窘迫，所以他对底层的劳动者有着非同一般的理解和同情，甚至他是在继续接受着并在绘画中融化他的痛苦，在生活的痛苦和创作过程的痛苦中寻找到一种庄严而崇高的宗教式的喜悦。因此，米勒笔下的劳动人民是在生活的痛苦中却饱含着道德，这是一种美，最后成为米勒的一种信仰。《拾穗者》是他思想与技术最完美的结合物，罗曼•罗兰这样赞赏道：“米勒画中的三位农妇是法国的三位女神。”米勒一生留下的作品不多，从1840年到去世的三十多年间只有八十余件油画作品。而且很多都是较小的画幅。据说，他的每一幅作品都是经过反复思考而成的。除《拾穗者》之外，还有《播种者》、《晚钟》和《牧羊女》等，同样在美术史上占有一席之地。无论什么时候，《拾穗者》总会给人一种心灵的震撼与冲击，这一点与画家始终关注现实、反映现实是分不开的。这幅作品在沙龙展出的时候引起了极大地反响，其中褒贬不一，甚至还有人认为画面上的三个女人丑陋不堪，还有人指责画面的内容揭露了农民生活的艰辛而有意向上层生活挑战的意味，还有人认为这是在有意煽动农民的情绪等等。面对这一切，画家米勒毫不畏惧，他说：“我将坚强的站着，即使他们称我是表现丑的画家，是妨害我们民族进步的东西，但我们绝不做把农民模样加以美化的蠢事。如果只能无力的表现我自己，我宁愿不表现。”我们从米勒的这番话语中感受到他那坚定的现实主义立场，通过平凡的人物表现崇高的理想和内在的精神。特别是他用真实的笔触和感受描绘着他生活在一个空间中的农民，成为后来法国许多画家共同的创作主题。因此，米勒成为法国美术史上伟大的画家，与库尔贝一样，为法国现实主义绘画的蓬勃发展做出了巨大的贡献。
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20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮，又称现代派。发展状况 现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。19世纪80年代，法国的后印象主义、新印象主义和象征主义画家们提出的“艺术语言自身的独立价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础，所以，法国后印象主义画家P塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家，被人们称作“现代绘画之父”。较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。以H马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”，由此“野兽主义”得名。1908年，另一群年轻画家以P毕加索、G布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》中。这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。立体主义用块面的结构关系来分析物体，表现体面的重叠、交错的美感，是立体主义追求的目标。野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义已进入自我确立的阶段。与此同时，在德国1905年组织的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。如果说表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的未来主义则在现代工业科技的刺激下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。他们还热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并且试图用线来描绘光和声音。蒙克：《圣母》上述思潮和运动，特别是未来主义，在雕塑领域内均有所反映。未来主义的画家和雕塑家U博乔尼于1912年4月签署关于雕塑艺术的宣言，并把未来主义的原则运用到自己的作品中，代表作为《在空间连续的形》(1913)。相应的现代主义美术思潮在20世纪初的俄国也相当活跃。除了受立体主义和未来主义影响产生的一些社团外，俄国的构成主义对现代艺术探讨如何表现工业美方面有独特的贡献。抽象主义的美术作品最早于1910年前后产生。首先从事抽象主义艺术创造的是参与德国青骑士社活动的俄国画家W康定斯基。他用点、线、面的组合、构成，参照音乐的表现语言，用绘画来传达观念和情绪。他的著作《论艺术中的精神》(1912)、《点、线、面》(1923)等奠定了抽象主义的理论基础。作为实践家，他主要从事抒情抽象绘画的创造，但同时也在几何抽象方面有所探索。俄国的画家KC马列维奇于1913年左右创建的至上主义，属于几何抽象的范畴。至上主义在平面构成上的努力，在探讨艺术的虚、空、无方面的尝试，应该说是有意义的。真正奠定几何抽象主义理论基础和在艺术实践上有突出贡献的是荷兰画家P蒙德里安创建的风格派（或称新造型主义）。在整个20世纪，抽象主义基本上遵循着抒情的抽象和几何的抽象两个方面发展，只是在各个阶段有所变化而已。康定斯基：《第一抽象水彩画》第一次世界大战期间在瑞士苏黎世出现的达达主义社团，影响波及欧美各国。在法国、德国都有达达美术社团。达达主义反对战争，反对权威和反对传统，同时也反对艺术，反对一切，作为社团它必然要走到自我否定的境地。达达的虚无主义和反传统的精神，贯穿在整个西方现代文艺的进程之中。在平面的绘画中采用拼贴手法，把偶然性、机遇性运用在美术创作中，是达达对现代美术的贡献。超现实主义的社团是从达达内部分化出来的。它用建设性的态度对待艺术创作，以取代达达主义的破坏和挑战。它直接从弗洛伊德的潜意识学说中汲取思想养料，并以弗洛伊德的理论作为这一艺术运动的指导思想。超现实主义的美术家们从儿童、精神病患者、梦境中汲取灵感，致力于探讨人类经验的先验层面，试图突破现实观念，把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合，以达到一种绝对的和超现实的境界。超现实主义者常常采用出其不意的偶然结合、无意识的发现、现成物的拼集等手法。写实与抽象的语言在他们的作品兼而有之。从1924年以后到30年代末，是超现实主义美术的活跃期。30年代以后，作为艺术运动，超现实主义逐渐冷寂，但许多重要的超现实主义画家仍然活跃于欧洲和美国画坛。波伊斯：《向兔子解释图画》第二次世界大战以后曾在美国产生的抽象表现主义（又称行动绘画或纽约画派），是集表现主义、抽象主义和超现实主义大成的流派，也是重视个性、重视风格的现代派绘画顶峰。抽象表现主义强调创作者行动的自由性、自动性和无目的性，把创作行为本身提高到重要的位置，已经孕育着以创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。杜尚：《干燥的便盆》继抽象表现主义之后产生的硬边抽象、后绘画性的抽象是几何抽象主义在新形势下的变化和发展，也说明艺术从强调主观感情到侧重于客观表现的转变。这种转变在与抽象表现主义完全相悖的波普艺术中表现得更为明显。波普艺术的兴起，说明西方的现代主义向后现代主义转变。当然，对于后现代主义这一概念，西方美术史论家们的论说很不一致。首先在建筑中使用的后现代主义，当然是一个相对的、模糊的、充满着争论的概念。严格地说，后现代主义是不能与现代主义截然分开的。后现代主义加以弘扬的许多方法与原则，在现代主义的美术中已经尝试过、试验过，只是在后工业社会里把个别的方法和原则加以极端的发展和夸张。后现代主义在某些方面也确实是现代主义的反拨。然而，现代主义的审美原则仍然强烈地影响着当代西方的美术家们。新表现主义、新超现实主义、新抽象等流派在80年代的兴起，多少说明了这个问题。在现代主义与后现代主义美术思潮的变化中，似乎可以看到，艺术中的主观与客观、理性与感性、人性与共性、风格特征的加强与消失、人性与机械性、阳春白雪与下里巴人、艺术的审美与反审美，永远是使艺术家困惑并驱使他们去不断探索的课题。在艺术发展的历史过程中，常常会产生此长彼消或彼长此消的状况，尤其在工业化社会和后工业化社会，这种状况更是常见。观念艺术及其他后现代派思潮之所以那末惊世骇俗，就是因为它们不仅和传统艺术背道而驰，而且在向现代主义挑战。但是，历史本身似乎在昭示着这样一个事实，艺术发展存在着不以人的意志为转移的客观规律。艺术的本身进程犹如社会本身的进程一样，本身具有一种自我调节的力量，它要在上述列举的种种两极之间寻求平衡。当然，平衡是短暂的、临时的，不平衡则是绝对的、永久的。唯其不平衡和充满着矛盾，艺术才不断向前发展。即使在发展过程中充满着矛盾和曲折，整个趋势则是向前的。从这个意义上说，现代主义艺术应该被认为是对现实主义的一个有力补充。或者说现代主义是一个新的艺术表现体系，它有别于现实主义，更与现代工业社会的时代节奏相吻合。至少它已经获得了与现实主义共存的力量。雷斯：《法国式的场景》特征 既然现代主义美术是西方进入垄断主义时代以后产生的，是伴随第二次工业革命的产物，它就不可避免地反映了这个时代政治、经济和精神文化生活的重要变革，反映了这个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考。不同于现实主义的是，现代主义的美术在对待社会、人、自然与自我的关系上失去了平衡，关系是扭曲的。这样，现代主义的美术家似乎是超脱社会、超脱自然的人，他们不直接描写社会和人生（少数艺术家例外），但他们的作品影射着社会和人生，采用的语言是荒诞的、寓意的或抽象的。在他们的作品中，可以感觉到这些艺术家表现了现代人们（包括艺术家们自己）的精神创伤和变态心理，感觉到他们对现实生活的消极、悲观和失望的情绪，感觉到他们思想上强烈的虚无主义。正是现代主义美术作品的这些特征，使它们具有不可忽视的社会历史的和审美的价值。因为它们正是西方现代社会和现代精神生活重要方面的写照。 对现代主义美术发展起了重要作用的是现代工业和科学技术。现代主义的美术家们对待现代科学和机械文明的心理和态度是复杂的。在有些艺术家的实践（如立体主义、未来主义和构成主义）中，试图反映社会的这一深刻变革，而在大多数美术家的作品中，对工业文明采取回避和超然的态度。他们对工业社会人性的贬值、机械的升值表示不满。但这丝毫并不意味着现代主义美术的主流与工业社会的进程相反。事实上，工业、科技文明剧烈地改变着现代社会的面貌，从精神上有力地推动了现代艺术的迅速变化。现代主义艺术最早从康德的先验唯心主义武库中汲取了养料，同时又受到现代哲学思潮，特别是尼采、弗洛伊德、柏格森、荣格、萨特等人的哲学、心理学的强烈作用。尼采的学说，不仅对德国的表现主义运动起过推动作用，也对整个现代主义的文艺运动产生很大影响。尤其是他否定权威，主张发挥以人的意志、本能为基础的创造力，蔑视中产阶级的文明和虚伪道德，对无意识和本能的推崇，对世界前途的悲观主义，在现代主义的各个流派的理论和实践中，都有所反映。弗洛伊德的潜意识学说，他的“无意识才是精神的真正实际”，是超现实主义运动的理论支柱，正是在弗洛伊德理论的引导下，超现实主义以及其他流派的美术家们用多种手法挖掘人们精神世界的深层，其后果是一方面开拓新的艺术表现领域，另一方面使艺术语言趋向荒诞和怪异。自然不少作品创造了荒诞、怪异的新境界。 现代主义美术比起以写实和模仿为基础的传统美术来，具有象征性、表现性和抽象性的特点。现代主义多流派标榜自己是反传统的，实际上它可能完全抛弃传统。它竭力否定和排斥的是19世纪中期以来的含有学院派特征的写实主义传统。在对待历史遗产方面，它们更重视对原始社会艺术、埃及和美索不达米亚的美术、希腊古风时期美术、欧洲中世纪美术的研究。自印象主义之后，西方美术家开始把目光转移到中国、日本和印度的绘画、工艺品的表现语言上，探索写意的表现手法。野兽主义、立体主义的美术家们直接受益于非洲雕塑。同时，中东的伊斯兰教美术和大洋洲的艺术遗产，也是现代主义艺术家们研究的对象。上述人类历史上的美术遗产均为现代主义美术家们提供了有益的养料。 总的说来，20世纪以来西方的现代主义美术，适应了现代社会人们的需要，创造了一批可以列入人类经典文化的作品，但远非所有流派和思潮的理论都是无可非议的，更不用说其中有些作品的思想倾向颇值得研究。对于现代主义美术不加分析地一味赞扬是不可取的，而视现代主义为洪水猛兽、拒之于门外，不让人们接触和了解更是愚蠢和可悲的。中国80年代以来艺术创造和理论的繁荣、活跃，除了社会、经济的推动这些主要因素之外，与包括西方现代主义在内的外国文艺提供的可用来参考、借鉴的丰富资料不无关系。
在 30年代这一历史时期内，伴随着遗产，并且在不断的传承和发展着。但是，随着经济和生产进步的不大量廉价工艺品和外国机制商品的涌入，以皇家宫廷工艺为主体的断冲击，人民的思想意思也在不断的开放，工艺美术赖以生存的土中国传统美术工艺在这一时期的商品竞争中由于没有自身的特色壤在发生了变化，工艺美术的教育事业萎靡不振，其地位和受重视处于明显的劣势。随着辛亥革命后文化的发展和演变，传统的宫廷程度也日趋衰退，这一现象很长时间并未得到足够的重视，使得很工场由惨淡萧条最后彻底解体，倍受禁锢的良工巧匠开始自己在民间组织起工厂、作坊或商会，将属于宫廷皇家的技艺在社会中才传 中的一个产物，中国民间工艺美术在很多方面都集中体现着劳动大众的需要。它是伴随着自然经济结构的解体，商品经济和都市文明不断注入新的文化内涵而产生的。民间工艺美术在最初就应该走平民化、商品化的路线，这一特点在某些地区表现的也是十分明显，特别在沿海地区和大城市的周围地区，有很多的民间工艺美术都已经失去质朴、粗放的乡土品质，日趋精巧工细、严谨雅致。对于工艺美术的发展我们必须认识到在重视发展生产和技术的同时，中国的工艺美术教育事业也应该受到极大的重视。1956年原华东艺术专科学校等单位成立了新型的集研究、教学、设计等功能为一体的中央工艺美术学院。在此之后的几十年间，全国各地都在为美术事业的发展出一份力，很多的美术院校陆续设立工艺美术学科或专业，并出现一批中等工艺美术学校和多种形式的职工业余教育。新型学院式教育的建设发展，改变了旧社会以师徒方式相传的单一陈旧的教育形式，极大地扩大和提高了工艺美术创作队伍的规模和素质。与此同时，中国工艺美术研究工作在新的历史时期得到蓬勃发展。全国各地相继建立了工艺美术研究所，这样的机构成为工艺美术组织系统中人才最为集中、技艺力量最为雄厚的研究兼生产部门。同时我国很有影响的基本美术类杂志如《工艺美术通讯》和《装饰》杂志的创刊，为这一时期的理论研究提供了极为重要的阵地。很多的美术名家如王朝闻、陈之佛、庞熏琴、雷圭元、沈从文、沈福文、张光宇、罗叔子等人曾先后发表了一些关于工艺美术的历史演变、社会作用、本质规律和分类特征等方面问题的论文和著作，对推进工艺美术理论研究的广度与深度起到了积极的作用。随着改革开放的大潮席卷我国，工艺美术行业随着文化领域的发展和经济政策的倾斜，曾经显现了重组的趋势。传统工艺美术事业的发展出现了一定程度的滞待，原来的灵活多样形式和市场流通领域也不如先前，起初接近大工业模式的生产方式进行重新组合与整顿，将工艺美术品原有手工业的特点予以极大地调动，进行新型生产模式的探索。但是后期出现的现代工艺美术事业却随着工业化速度的加快，在更加宽松的氛围和环境中逐步壮大起来。与时代相适应的各类艺术设计越来越频繁地出现在社会公众媒体面前，并且广泛运用于大范围的经济领域。工艺美术也因此愈来愈引起社会的广泛重视，工艺美术事业的研究在多种学科交叉、并列的形式下，得到跨学科的发展。2传统工艺美术对于美术事业发展的深远意义我们必须认识到， 论文网，传统工艺美术不单单是我们祖先留下的遗产，也是传统文化的一个重要组成部分，是传统艺术的发展中不可磨灭的一部分。现阶段，从国家到地方对这种传统艺术和传统文化都给予了高度的重视，这是因为它也是我们向世人炫耀的一个资本。肯定很多人并不认同这个观点，或者觉得有些狭隘，其实传统工艺美术服务于当前美术发展道路的重要作用在于其对设计方面的深远影响，为了让我们的文化为更多人所知，为更多人欣赏。传统工艺美术是历史慢慢沉淀的产物，不是朝夕所成就的东西，在整个民族的发展过程中，每一代人都有自己的特色，都有着自己不同的生活方式，我们对于工艺美术的发展也必须立足于当代进行发展，创新，甚至改进。传统工艺美术对于设计方面的影响在很多方面表现为一种适应性，是对当代社会和生活的适应。这种适应意味着对于新事物的理解和认同。对于现阶段美术发展的创新和改进，在适应当代生活需要的同时，保持着传统中那种优秀的以精神内核为主的东西不变。传统工艺美术的精神内核是积淀着的民族精神品质和文化要素的，可以毫不夸张的说它既是有形的，又是无形的，无形的精神通过有形的造物表现出来，有形的艺术作品中蕴含着无形的精神和品质。不依赖于大机器生产，保持这种独特的、内核的、规定性东西的基础不变，永不声息的前进。
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“两河流域”的古代文明——美术史话 _And_History_Paper/Historical_Paper/2006-12/17/html _sf/J509/好有给你个提纲：第一章 原始社会工艺美术 第二章 古代埃及工艺美术 第三章 古代两河流域工艺美术 第四章 古代波斯工艺美术 第五章 古代印度工艺美术 第六章 古代地中海区域工艺美术 第七章 古代希腊工艺美术 第八章 埃特鲁里亚与古代罗马工艺美术 第九章 伊斯兰工艺美术 第十章 古代日本工艺美术 第十一章 古代非洲工艺美术 第十二章 古代美洲工艺美术 第十三章 古代大洋洲工艺美术 第十四章 欧洲中世纪工艺美术 第十五章 文艺复兴时期工艺美术 第十六章 巴洛克时期工艺美术 第十七章 罗可可时期工艺美术 第十八章 新古典主义时期工艺美术 第十九章 近代工艺美术 第二十章 现代工艺美术 自第三至第六王朝，奴隶制生产关系进一步在埃及确立， 史学界将这一阶段划分为“古王国时期”（约公元前2686—前 2181年）。此时的埃及已成为强大的中央集权的奴隶制国家， 社会经济和文化艺术亦有了繁荣发展的局面。手工业进一步从 农业中分离出来，形成冶炼、制陶、采石、木作、皮革、编织 和造船等多种手工行业齐头并进的发展态势。著名的金字塔就 建造于这一时期，它显示了此时埃及国力的强盛，亦反映了当 时埃及人巨大的创造力。第六王朝末期，由于奴隶主的残酷压 迫与剥削，引起了奴隶和贫民的反抗与起义，造成了内战与分 裂的衰败局面，古王国亦随之消亡。 第七至第十王朝，埃及长期处于分裂割据状态，统一王国 瓦解。史学界称这一时期为“第一中间期”（约公元前2181— 前2005年）。 公元前21世纪晚期，底比斯（Thebes）的一个统治者门图 荷太普一世（MentuhotepI）建立了第十一王朝，恢复了埃及 的统一，开始了“中王国时期”（约公元前2133—前1786年， 包括第十一、十二王朝统治在内）的历史。这一时期“法老” （pharaoh，即国王）为加强中央集权，同地方贵族展开了长期 斗争，并进一步把王权加以神化。从十二王朝开始，加紧了对 外的侵略和扩张，使奴隶制经济得到了发展。此时埃及已广泛 使用铜器，并已出现青铜器。同时，发明了烧制玻璃的技术， 以后传播到世界各地，为人类作出了贡献。至第十二王朝的后 期，由于统治者的腐朽，法老的权势削弱了。这时，来自西亚 的希克索斯人（Hykso）乘虚入侵了埃及。此后的第十三王朝至 十七王朝，埃及一直陷于混乱与被异族侵占的局面，史称“第 二中间期”（约公元前1786—前1567年）。 公元前16世纪初，阿赫摩斯一世（约公元前1570—前1546 年）领导埃及人击退希克索斯人之后，建立了第十八王朝（约 公元前1567—前1320年）。自此至第二十王朝的这一阶段被称 为“新王国时期”（约公元前1567—前1085年）。这是古代埃 及在军事、政治、经济和文化等各个方面最强盛的一个时期， 因而历史上也称“帝国时期”。 新王国的社会经济呈现繁荣景象。这时，埃及已普遍使用 青铜器，生产技术亦出现了不少革新。在手工业上，用脚踏风 箱代替过去的吹管冶炼，提高了熔炉的温度；在纺织业方面， 发明了一种悬式纺锭和立式的织布机，促进了麻纺工业的发 展。另外，还出现了彩色玻璃、彩纹陶等新的工艺美术制品。 古埃及的“后期王国时期”（约公元前1085一前525年） 包括第二十一王朝至二十六王朝的统治。期间前五个王朝是由 僧倡贵族利比亚人（Libyans）和努比亚人建立的，始终未能统 一。其中，亚述人（Assyrians）曾入侵统治埃及达20年之久。后 来，三角洲塞伊斯城的统治者领导埃及驱逐了亚述人，建立了 第二十六王朝，重新统一了埃及。此期，埃及的社会经济在继 续发展，其文化亦保持着自己民族过去的成就，他们已掌握了 冶铁技术，铁器被广泛使用。在第二十六王朝法老尼科（约公 元前610—前595年）统治时期，埃及人挖通了尼罗河与红海之 间的运河，促进了农业与商业的大力发展。 公元前525年，埃及被波斯帝国征服，沦为波斯的一个行 省，丧失了独立，古代埃及的历史便以此为标志宣告结束。“两河流域”的古代文明——美术史话 _And_History_Paper/Historical_Paper/2006-12/17/html
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中国工艺美术史论文3000字体高清
金属工艺在中国历史工艺美术舞台上的发展 内容提要：本文展述了什么是中国工艺美术，中国工艺美术之一的金属工艺在中国工艺美术中的地位，发展和金属工艺在当代有哪些需求的市场，以及金属工艺在设计、艺术中的一些可行性的创造，并且介绍我们身边一位以金属工艺进行艺术创造的人和她的艺术行为。关键词：中国古代工艺美术、景泰蓝/烧瓷/花丝镶嵌/斑铜工艺/锡制工艺/铁画/金银饰品等等、金属工艺的当今市场、金属工艺用途、创造金属工艺、“铁哥们”、郭新、双城（twocities）正文：首先我们要了解，什么是中国古代工艺美术？中国古代工艺美术是中国人民为满足自己的物质需要和精神需要，在不同的历史条件下，采用各种物质材料和工艺技术所创造的人工造物的总称。它是中华民族造型艺术的重要组成部分，既体现了工艺美术的一般本质特征，在内涵和形式上保持着实用性与审美性的统一，又显示了中华民族文化自身所具有的鲜明个性。中国工艺美术以其悠久的历史、别具一格的风范、高超精湛的技艺和丰富多样的形态，为整个人类的文化创造史谱写了充满智慧和灵性之光的一章。工艺美术有物质文明和精神文明的又重属性，尽管它不是纯艺术，创作不以震撼人心或道德说教等为宗旨，但它对人的影响又绝不小于纯艺术。因为，人可以不去欣赏纯艺术，却不必去专门欣赏它，而它却永远在源源不断地提供着形式语言，潜移默化地培育起人的基本审美意识，如影随形般左右了人的终极审美判断。中国古代工艺美术夙享盛誉，长期是中华文明传播的承载体，域外人士在使用中国工艺美术的同时，也潜移默化地认知了中华文明。（参考《天公开物》）工艺美术这个词，就具有悠久技艺传统的，富有地方和民族特色，反映中国古典文化精神的传统工艺美术，其主要门类有烧造、煅冶、染织、编扎、雕刻、木工、髹饰工艺等等。而金属工艺就是其中一项中国优秀的传统民族技艺。金属工艺是中国工艺艺术的一个特殊门类，主要包括景泰蓝（景泰蓝是用细扁铜丝掐成图案的，焊在铜胎上，再填点上彩色釉料，经烧制而成）、烧瓷（又名“铜胎画珐琅” ，与景泰蓝的区别在于不用掐丝，而是在以铜制胎之后，在胎体上敷上一层白釉，烧结后用釉色进行彩绘，经二、三次填彩、修正后再烧结、镀金、磨光而成。）、花丝镶嵌（又叫“细金工艺”。它是用金、银等材料，镶嵌各种宝石、珍珠，或用编织技艺制造而成。）、斑铜工艺（斑铜工艺品是云南独有的民间传统工艺品， 它采用高品位的铜基合金原料，经过铸造成型，精工打磨，以及复杂的后工艺处理制作而成，它"妙在有斑，贵在浑厚"，褐红色的表面呈现出离奇闪烁、瑰丽斑驳、变化微妙的斑花而独树一帜，堪称金属工艺之冠。）、锡制工艺、铁画（也称铁花，是以低炭钢为原料，将铁片和铁线锻打焊接成的各种装饰画。）、金银饰品等等。中国金属艺术历史悠久，品种繁多，技艺精湛，风格独特，是中华民族璀璨的瑰宝，亦是中国优秀文化传统的结晶。我认为中国金属工艺在从古至今的岁月变迁中，是处在半消亡半沿袭状态的下的。这相对于其他中国工艺美术门类的发展情况看来，是趋于一个悲哀而并不绝望的状态，一种发展的涌动的状态。金属工艺在当今，也占有非常大的需求量。这不会象我们在现在的生活中，去更多的去用塑料代替漆器，用玻璃代替了陶瓷，用工业印染的面料代替了传统织物等等。我们现在有许多酒吧、别墅、环境雕塑、绿化景观围栏等等，这些都需要去用到许多传统金属工艺的沿袭手段的，并且将金属工艺加以发扬光大，再设计再创造，使其与传统形式又有所区别，使得金属工艺更花样百出，更为当今的产业，人文，大众审美，或艺术家的创造所提供材料与技术的服务。但是，当今的金属工艺纯手工的几乎灭亡，这些内容也只是通过工业手段完成，利用机器，科技。我们能看见的传统的，废功费时的纯手工制作的金属工艺制品或许只有在一些艺术院校，或金属手工工作室内产出。纯科技带领的金属工艺的大量浮现，这样的情况势必使我们的社会有更多的有关金属工艺的商机出现，商机出现会带动这个种工艺的的需求量，也会增加这种工艺本身的种类变化。达到我们以前通过手工艺无法达到的目的。古时候，我们祖先基本只用金属制作兵器和餐具，或者是女子装饰物和居室装饰物。如今，金属工艺大到被用做建凿高楼大厦，航天航海工具，小到肉眼无法看到科学仪器。电器需要它，店面装饰需要它，城市雕塑要它，房屋中的旋转楼梯需要它……中国古代人就对冶金技术很是着迷，他们迷恋于发现金属工艺能创造出不同性质的物体所带来的装饰性。但是，中国古代金属技术的成就及其在科学技术上的地位，并未为世界乃至包括中国人自己所充分了解。中国的青铜器早已举世闻名，但直到20世纪60年代初，商周青铜器的冶铸技术仍被视作是难解之谜。中国的古人更乐忠于金属工艺的装饰。就拿中国女子的发簪做例子，中过古代女子的发簪形式多种多样，但它不注重其功能性，只要是能扎在头发里做装饰便可，它更重视其装饰效果，如明代，凤金簪zan；宋代，金钗 chai，钗形状如叉，是有两跟针脚的簪；唐代 四蝶银步摇；宋代，银栉 zhi，栉下面有齿、上面有背，齿有疏密，疏者称梳，用以梳理头发，密者称篦，用以篦除发垢，等等。而如今，我们生活中的金属工艺更简洁，更注重它的性能方面，如有：黑色金属的两瓣式发夹，简洁大方从小姑娘到老奶奶都可以使用。弹簧式的发夹；圈套丁字形发夹等等；除了在这些金属工艺的使用方面以外，我们更可喜的是能看到，金属工艺被我们所创作和设计。越来越多的艺术家和设计师，喜欢使用金属做为他们艺术创作的材料。如，著名北欧家具设计IKEA，也喜欢利用金属工艺做一些金属家具，如，床。在中国我们个大美术院校也力在培养大量的金属工艺沿袭者。并且还有专门的当代金属艺术作品展览。如，清华大学美术学院建院五十周年，美院工艺美术系于10月26日至11月5日在美院举行了金属艺术展。在他们学院，金属艺术专业随着他们美术学院特艺系的建立，经过了几十年的逐步完善和发展，目前形成了金属艺术和首饰艺术这两个有特色的专业方向。他们的作品，这些金属艺术作品也从不同程度上体现出中国传统文化的内涵。（参考《现代艺术设计丛书》——《金工艺术》）在这次的田野考察中，我去了莫干山路50号，去看了”铁哥们”工作室，这个工作室的艺术家，将一些平时看似废弃的金属材料制作成了一些玩具式的作品，有唱京戏拿大刀的角，还有欧洲的骑士，小恐龙，门口的彩色铁皮风铃罐头等等，都十分的有趣和生动，并且将废铜烂铁变废为宝，这个是具有很好的环保理念的创举，在日益耗尽的资源面前，艺术应该作为一种先发至人的东西存在，来以它的形式，广而告知那些尚未意识到问题的人们。在今后我们更应该在环保上多作考虑。金属并不应该无限制的制造，这样的话总有一样会耗尽所有，所以还当反复使用。这一点“铁哥们”走出了希望的步伐，将一堆废气金属变为了装饰性很强的艺术品。值得我们深思和学习。我还重点去采访，并且接触了我们上海大学美术学院综合材料造型工作室，做首饰艺术的女艺术家，郭新老师和她的双城手工艺工作室（twocities）。郭老师拥有美国印第安大学文学硕士与艺术硕士学位。她用金属工艺做“艺术首饰”，以艺术首饰作为艺术创作的形式。”艺术首饰”(art jewelry)是目前首饰设计的最前卫的艺术表现形式。它直根于现代艺术。她教导学员设计首饰造型一定要有创造性，创作出艺术性个性化的东西来。艺术首饰可以由多种不同材料表现，不受限制，而金属正是艺术首饰中最常见和最常使用的一种。她说，金属工艺在中国传统中已近流失。这是非常令人痛惜的事情。而在西方，高速发展的科技并没有使手工艺术消亡。在西方的许多美术学院里都设有金工艺术课程。许多金工艺术课程是和首饰作为同一个专业研究的。一把全手工锻造的茶壶要花近两个月的时间敲打出来。在现代手工艺术运动中，手工锻造的餐具、器皿是现代设计理念加上与传统手工艺的完美组合。（参考《郭新：上海大学美术学院教师作品集》）科技引领的金属工艺手段，可以说是“加工型”的金属工艺，这需要我们通过大脑和手工艺实践，所谓的“创意型” 相互的结合，并且是后着影响牵引前者发展。那么随着人们的艺术修养的提高，金属工艺从古至今会越走越好。并且创造出更灿烂的金属创作的未来
生活在现代生活中的雕塑 摘要:中国雕塑源远流长，发展至近代已陷入低谷。本文简要介绍位于我的高中校园的一件雕塑作品，并且记录了五个不同身份、不同职位、不同年龄的人的理解对这件雕塑的认识和理解，然后我再就这件作品发表了一点自己的看法，围绕这件雕塑展开一个专业和非专业的调查。 雕塑在现代环境中新的生存地位，是一件很值得研究的设计与艺术课题。 随着生活水平的不断提高，人们外出旅游的机会越来越多了。每到一地，人们总会看到这样那样的雕塑：北京天安门广场的人民英雄纪念碑、陕西临潼的秦始皇陵兵马俑、甘肃敦煌莫高窟的彩塑、四川乐山的大佛、江苏南京和丹阳一带的陵墓石雕、香港的回归纪念碑、美国纽约的自由女神、新加坡的鱼尾狮、……。有人要问：怎样欣赏雕塑艺术作品呢？ 雕塑通常被看做是一座城市的坐标。它使我们可以更方便的去了解一座城市，它是城市的透视镜。透过它，我们可以看到这座城市的过去和未来。 天安门广场的人民英雄纪念碑，属石雕、圆雕、纪念性雕塑。纪念碑正面镶嵌着毛泽东主席题写的“人民英雄永垂不朽”八个金字，背面镌刻周恩来书写的碑文，下部四周镶嵌一组浮雕，概括地表现出中国近代革命历史的重大事件。纪念碑是圆雕，可以从四面欣赏，下部的浮雕只能从正面欣赏。 我国陕西临潼的秦始皇陵发掘出的兵马俑群，数量惊人，形体硕大，气势磅礴，震撼了世界。其中的将军俑身高95米左右，不仅是我国最大的俑，而且具有高度的写实性，其形象似以秦军将士为模特儿塑造的，他们的相貌、神情、性格各不相同，有的稳健，有的威猛，有的稚气未脱，甚至可以看出是哪个地区的人。兵马俑真实地再现了每个细节，体现了秦代雕塑家写实的功力。兵马俑的出土，不仅否定了“中国古代雕塑不发达” 的说法，而且以鲜明的雕塑风格和宏大的气势，向世人展示了秦代雕塑的高超艺术水平，即使同时期的古希腊雕塑也没有如此惊人的数量所体现的宏伟气魄和浩大精神的作品。 下面我即将要介绍的是，位于我的高中校园的一件非常漂亮又大气的雕塑。这是一件再平凡不过的雕塑，它没有悠久的历史，没有太多吸引人的外表，但是它在我的心中确实是一件很重要的雕塑。它毕竟陪我走过了三年的高中时光。而这三年也是我很难忘记的。 就这件雕塑，我寻找了五个人。请他们分别谈一谈对这件作品的看法和理解。 第一个人，身份是高三学生，性别男。我的这位学弟认为这件作品，首先它的教育意义很大。因为这件雕塑摆在每天去教室的必经之路上，所以，每天上学都会看到它。因为这件作品的形象非常简单，所以它的表意非常清楚，一看就可以知道。他认为这件作品并不单单只是一件摆设，它对于学生来说还是具有一定的启迪。每次看到它，都会很亲切。学习的时候，一想到它，就会更加用心。它的积极意义很大。 第二位，是一位早已远离高中的大学生，性别女。对于已经不是高中生的这位学姐，她对这件雕塑的印象也是很深。这件雕塑简单易懂。而且它的位置很显眼，位于每天去教室的必经之路上。每天看它一眼，在上学时已经成为了一种习惯。时间长了总会有感觉。所以，毕业这么多年了，怀念高中生活时，还是会想起这件作品。还是很感谢这件作品，可以陪伴她一起走过那么艰苦的高中生活。 第三位，是一位工作在学校的老师，性别男。对于已经在高中校园工作了多年的一位老教师来说，学校的一切都已经再熟悉不过了。这件雕塑也陪伴着他经过了这么多年的风风雨雨。其实，越是熟悉的地方越是没有风景，整天看一件物品，也是容易造成视觉疲劳。不过这件作品，已经基本上成为了学校的标志。它的存在，使得学校变得更有文化氛围。整个气氛就上来了。 第四位，是生活在学校周围小区的一位奶奶，她经常在假期时来学校转悠。这件雕塑对于这位奶奶来说，可以说只是一件摆设品。不过，奶奶还是感觉这件雕塑的颜色还挺鲜艳的，是红色的。老人一般喜欢鲜艳的颜色。总的说来，奶奶觉得这件雕塑总体上还是挺好的。 第五位，是专门在学校收破烂的一位奶奶。也是和同学们一样。奶奶经常会经过这件雕塑的旁边。对这件雕塑，奶奶也是习以为常了。说实话也没有什么不同的感觉。就是它摆在那儿就摆在那儿了，也不会去关心它。因为学校的雕塑很多，也不会去特别注意一件，而且奶奶根本不会去想着件雕塑怎样怎样，只是每天都会经过它罢了。 通过对以上几位来自不同身份，不同职位，不同年龄等人的采访，让我加深并扩展了对这件雕塑的认识。对同一事物，每个人还是有不同的态度的。这件物品是确切存在的，这种差别也是存在的。雕塑在现代社会的存在意义还是值得关注和研究的。 雕塑是拥有很久远的历史的。追溯到远古，雕塑最早称为不动的艺术，迄今所知世界最早的人体浮雕距今已约3万多年。 雕塑一般是运用多种物质材料、多种手段制作的，反映社会生活、表达审美感情的三维实体的造型艺术。是属于纯观赏性的艺术。 雕塑按所用的材料分类，可分为石雕、木雕、根雕、泥塑、陶塑、金属雕塑、石膏像等。按空间形态分类，可分为圆雕、浮雕、透雕（镂空雕）。按功用和置放地点分类，可分为城市雕塑、园林雕塑、纪念性雕塑、室内雕塑、案头雕塑等。由于用途的不同，也分为架上雕塑、纪念性雕塑、装饰性雕塑、建筑性雕塑等。 远看雕塑，首先触目的是“影像”效果，“影像”就是作品形体大的起伏呈现的总体轮廓。这个“影像”可能给人以或是宏伟崇高、或是宁静沉重、或是升腾飞跃、或是活泼可爱。各种雕塑通过自身形体的“影像”，给予欣赏者不同的感受。位于我的高中校园的这件雕塑作品在形体上没有繁琐的细节，整件作品也显得单纯，从而更富有表现力。所以，当人们还没有走近这件雕塑的时候，首先获得的是一个形式美的感受，这就是雕塑特别讲究体积意识的原因。这件雕塑高大厚重，它所显示的矫健有力的外轮廓，给人以难以忘怀的印象，使人产生对于这件雕塑的追忆和丰富联想。 不同的公共场所的雕塑，有不同的文化心理和文化背景。纪念性雕塑，是以重大事件、历史伟人等为题材的雕塑，具有庄严与永久性纪念碑特点。例如天安门广场上的人民英雄纪念碑，南京雨花台烈士纪念碑等。园林雕塑，是置放在公园、街心花园、绿地、水池等处的，是以美化环境为目的的雕塑，具有抒情与活泼的特点。如丹麦哥本哈根海滨公园的《美人鱼》、南京莫愁湖的《莫愁女》等。 雕塑作品的风格应与建筑风格相协调适应，一般来说，现代建筑前的雕塑就应具有现代风格，古建筑前的雕塑应与古建筑相适应。例如石狮置放在古建筑宫殿前非常威武庄严，但置放在现代建筑大宾馆、大商厦门前就不适宜了。 雕塑作品形象单纯，不可能作复杂精细的描绘，所以通常赋予形体以象征性来表达主题，这就是象征意识。中国雕塑多用装饰性较强的人物、动物形象，赋予象征性和寓意性。例如《锚》，作者以“锚”象征充满生机活力的海滨城市大连。汉代霍去病墓雕刻，以“马踏败将”，象征大将霍去病的丰功伟绩。中国住宅建筑门口，以狮子形象寓意镇宅驱邪。古代帝王陵墓前的雕刻，华表象征“王者纳谏”。天禄、麒麟等神兽，象征帝王封建法权的高贵尊严。石马、石羊、石象等，象征驯服与祥瑞。文武侍臣象征仪仗和护卫，折射君臣宗法秩序井然。这些具有象征性和寓意性的雕刻，构成宏大威武的气势，给人以既富丽宏伟又庄严冷峻的感觉，使人产生崇高感，更觉得自身的渺小，达到宣扬封建法权之目的。 现代化的雕塑，要求更为概括、精练和简化的艺术形式与之相适应；现代化的速度、力量、效率这些对视觉来说比较抽象的因素，刺激艺术家去进行抽象美创造的尝试。新材料、新技术的不断产生，为抽象雕塑的创作提供了条件。越来越多的抽象雕塑会将城市环境装扮得越来越美。人们对抽象雕塑的理解能力，也会随着艺术修养的提高而提高。其实，我国不少风景区有许多自然景观就是大自然创造的抽象雕塑，例如黄山奇特的山峰造型，桂林、宜兴溶洞中千姿百态的钟乳石造型等。我国很多古典园林中造型怪异的假山石，更显示出古代工匠杰出的抽象雕塑水平并不比西方的差，细细品味，人们可以产生很多联想，获得审美享受。 雕塑是一面镜子，折射出一座城市的过去与未来。透过雕塑，我们可以更清楚地去认识和了解一座城市。雕塑折射了我们的城市，折射出我们的生活。雕塑，存在于我们的生活中，它是我们城市的形象代言人。希望今后可以有更多的人来关注雕塑在我们现代生活中的生存地位和价值，更多的来关注雕塑与我们的生活